EL PORVENIR


"He reencontrado mi libertad, una libertad total, es extraordinario", Mia Hansen Love, nos regala una delicatessen, que nos introducen en un complejo mundo emocional, cuyo futuro es tan libre como incierto.


Tras obtener, un Oso de Plata a la mejor dirección en el pasado Festival de Berlín (2016) y el aplauso unánime, tanto de crítica como de público, en el Festival de cine de San Sebastián (2016), llega a nuestras pantallas la quinta película de la cineasta francesa Mia Hansen Love,  "El Porvenir", una reflexión sobre la madurez, sobre como encontrar tu lugar en el mundo y la búsqueda de la felicidad, una pequeña joya para ser degustada como el café, fotograma a fotograma, dejando un poso en el espectador de buen cine.


La película narra la historia de Nathalie (Isabelle Huppert), una  profesora de filosofía en un instituto de París. Su trabajo le apasiona y disfruta debatiendo con sus alumnos. Casada con un profesor de música, Heinz (André Marcon), con quien tiene dos hijos, su tiempo lo divide entre su trabajo y la familia. Pero un día su marido le anuncia  que la deja por otra mujer y su perfecta vida se derrumba como un castillo de naipes, en su madurez, deberá afrontar nuevos retos personales, así como reinventar su existencia........ todo ello la conducirá a una reflexión sobre la vida que no tiene desperdicio.



La joven directora Mia Hansen Love (35 años), es una de las figuras más destacadas del cine independiente francés, con un cine reflexivo y delicado, nos muestra una visión contemporánea de lo complejas que son las relaciones humanas.

Sus películas surgen de un proceso creativo, íntimo y personal, nutriéndose de sus experiencias vitales o las de su entorno cercano, mientras "El porvenir" está basada en su madre, su anterior film "Eden" (2014), se nutre de la experiencia vital de su hermano,  lo que llena de verdad, naturalidad y frescura, una filmografía, que es de obligad revisión, por todo amante del buen cine.

El cine de Mia Hansen Love, es absolutamente impresionista y de carácter dramático,  donde la emoción es el eje central tanto de la trama como de su estética, el interés no recae en la acción, sino en la realidad interior de los personajes.



El tema principal de sus películas es universal y recurrente, la melancolía por el paso del tiempo, que se nos escapa inexorablemente entre los dedos, nutrido por subtramas como la supervivencia, la capacidad que tiene el ser humano para sobreponerse a los problemas cotidianos, como la toxicomanía de un padre, el suicidio de un ser querido, el colapso del primer amor o el abandono.

"Las mujeres después de los 40, solo sirven para tirarlas a la basura", con esa contundencia que le caracteriza, la directora,  resume esta compleja película, su cine evoluciona, madura, así como en, "Un amour de Jeunesse" (primer amor) 2011 , sus personajes eran jóvenes que se hacen adultos, en "el porvenir", la trama se centra en una profesora de filosofía ya adulta, que vive un momento de cambio absoluto y ese proceso es lo que le interesa mostrar a una directora, capaz de mirar atrás con melancolía, a la vez que mira el futuro con esperanza y libertad absoluta, un retrato conmovedor, que utiliza para hacernos una profunda reflexión vital ¿eres feliz con tú vida?.



Su excelente reparto, es una de las claves del filme, sobresaliendo por encima de todos ellos, la consolidada y polifacética Isabelle Huppert, (Amor, La pianista), sin duda una de las mejores actrices francesas, realiza un trabajo impecable, llevando el peso de una película, cuya cámara busca constantemente, se desnuda metafóricamente ante ella, mostrando toda su fragilidad, su dolor, su desconsuelo, llenado la pantalla de pura emoción, tocando la fibra sensible del espectador que se rinde ante ella.

La directora Mia Hansen Love con " el porvenir", nos pone la miel en los labios para después asestarnos todo un golpe emocional, una película íntima, donde la autora nos muestra como es capaz de transformar historias cotidianas, en un trabajo tan honesto como inteligente, tan sencillo en su planteamiento como complicado es, su mundo emocional, todo ello desgranando con naturalidad, pasión y elegancia, una profunda reflexión, sobre la felicidad y la realización personal, a través del retrato de una mujer madura en plena crisis existencial, una cinta cuyo mensaje sin duda será inspirador, para muchas personas.

   

      

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LA ESPERA



Casi una década  ha tardado el debutante Piero Messina en estrenar, un proyecto tan personal como "La espera", inspirada en la obra teatral de Luigi Pirandello "La vida que te dí", Mesina, construye un drama oscuro que se nutre de los silencios, escrito para lucimiento de una elegante, Juliette Binoche.

Anna (Juliette Binoche), tras la trágica y repentina muerte de su hijo, pasa unos días en la villa de Sicilia, únicamente acompañada por su empleado Pietro (Giorgio Colangeli). De forma inesperada, recibe la visita sorpresa de Jeanne (Lou De Laâge), la novia de su hijo, que la había invitado para pasar la Pascua juntos. La joven no conoce a Anna, quien se ve incapaz de confesarle, la trágica noticia, así que le miente y le dice que su hijo vendrá pronto. Pese a los secretos que ambas esconden, se crean unos lazos de unión.


La mentira y cómo afrontar una pérdida, son las bases para construir esta triste y amarga película creada para tocar la fibra sensible del espectador, quien al ver la película se pregunta ¿son buenas las mentiras piadosas?, justamente la historia se construye a partir de una mentira, que da alas a la joven que desea arreglar las cosas con su pareja y a una madre que aplaza el duelo, pues nota que su hijo está muy vivo en el corazón de la joven, a veces es muy difícil afrontar la dolorosa realidad, la muerte de un ser amado afecta a cada persona de manera muy diferente.

La madre podría dar la triste noticia y ahorrarle la inútil espera, pero el espectador entiende en todo momento porque no lo hace y es ahí donde desea llevarnos el director, donde se siente cómodo y la cinta adquiere toda su fuerza, a pesar de su ritmo lento, el drama contenido explota llenando de tristeza, silencio y dolor contenido, la pantalla.

El debutante Piero Messina, asistente de dirección de Paolo Sorrentino en varias de sus películas "La gran belleza" o "La Juventud", crea una película de autor, donde los diálogos, la preciosista puesta en escena y los gestos de las actrices llevan todo el peso dramático.


La historia transcurre en un caserón claustrofóbico de Sicilia, donde se nota la presencia casi fantasmal de ese hijo que nunca llega, todo un mc guffin, que justifica la espera de madre y novia, pero muchas veces no la paciencia del espectador que espera le dé la noticia y así compartir ese dolor que solo una lleva, mientras llega el ansiado momento, el espectador queda deslumbrado por la maravillosa estética de las imágenes, aunque estas no pueden esconder los fallos de guión de una película que parece no acaba de despegar nunca.

Tal como ocurrió en su anterior película "Viaje a Sils María", el dolor contenido, con tono melancólico, está presente en la magnífica interpretación de Juliette Binoche, quien lleva todo el peso de una película creada para su lucimiento, dándonos toda una lección de interpretación, repleta de matices, silencios, gestos y miradas llenas de dolor, tristeza y amargura.La secuencia donde infla una colchoneta, simulando abrazar a su hijo muerto, como intentando insuflar vida en cada bocanada para devolver la vida a lo inerte, es muy difícil de olvidar.


El contraste de la película lo pone su compañera de reparto, Lou De Laâge, cuya sutil interpretación, llena de luz, alegría y frescura, donde la tensión inicial entre ambas mujeres enseguida se desvanece, transformándose en una relación íntima, que les ayuda a ambas a cicatrizar heridas.

La espera es una pieza de cámara, intimista, que gira alrededor de sus dos protagonistas Binoche y De Laâge y de una ambientación preciosista, describiendo el proceso de duelo, que ambas atraviesan, mientras la primera no desea aceptar la perdida de, la segunda ni siquiera es consciente de ella, entre ambas acaba germinando unos lazos de unión, un cariño y un aprecio mutuo, por las que vale la pena la tensa y lenta espera.




      

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LOS SIETE MAGNÍFICOS



Como luchar en aras de la justicia por quienes no pueden, donde la venganza tiene un número, el 7.


Director:  Antoine Fuqua. Guion: Nic Pizzolatto y Richard Wenk. Producción:
Roger Birnbaum, Todd Black. País: USA. Año: 2016. Duración: 132 min.
Reparto: Denzel Washington (Sam  Chisolm), Chris Pratt (Josh Farraday),
Ethan Hawke (Goodnight Robicheaux),  Vincent D’Onofrio (Jack Horne),
Byung-Hun Lee (Billy Rocks), Manuel García Rufo ( Vasquez), Peter Sarsgaard
(Bartholomew Bogue). Música: James Horner, Simon Franglen. Estreno en
España: 23 Septiembre 2016.

 

Hollywood ha sido siempre una gran fuente de reciclaje, en lo que a ideas se refiere, los remakes están a la orden del día, justamente, llega uno a nuestras pantallas que obtuvo una mediocre acogida en los cines  norteamericanos pero fue todo un éxito en Europa, hablo de  "los 7 magníficos" , una revisión de la película homónima dirigida por John Sturges en 1960, que a su vez fue una adaptación al western de la magistral "Los 7 Samuráis" (1954) de Akira Kurosawa, probablemente, el western, sea la más notable aportación americana a la historia del cine, un género que estaba en decadencia pero que grandes títulos como "Django desencadenado" o "Los odiosos 8" han hecho resurgir.


Tras la guerra civil, en pleno Salvaje Oeste, un pequeño pueblo, la ciudad de Rose Creek, se encuentra bajo el férreo control del bandido Bartholomew Boge (Peter Sasgaard). La desesperación e impotencia de sus humildes ciudadanos, les llevará a buscar protección, empezando por Sam Chilsom (Denzel Washington) quien será el encargado de buscar al resto de hombres adecuados, un grupo heterogéneo, formado por cazadores de recompensas, jugadores, asesinos a sueldo..... quienes serán los encargados de defender el pueblo de las atrocidades de Boge, luchando por algo más que dinero, la libertad y la justicia.

El director Antoine Fuqua, experto en remakes como "El rey Arturo" o "El equalizador",  se vuelve a poner tras la cámara, volviendo a contar con su actor fetiche, Denzel Washington y el reciente premio Donostia Ethan Hawke, tal y como hizo en "Trainig day" (2001), un intenso thriller, que encumbró a su director a la primera división de los realizadores.


Antoine Fuqua, tiñe la pantalla de rojo y llena la sala de polvo, con un western moderno, una venganza donde "el ojo por ojo, diente por diente" adquiere su máximo esplendor, una buena historia que habla de venganza, redención, abnegación, honor, valor, respeto, dignidad, familia, de siete hombres con sus dones excepcionales, dispuestos a usarlos en aras del bien.

Sus puntos fuertes un ritmo enérgico no exento de tensión, el uso puntual de la cámara superlenta, la cálida fotografía donde el cielo azul se fusiona con la tierra en los bellos horizontes y un magnífico sonido, tanto de las balas silbando por la sala como el envolvente sonido de los trotes de los caballos, y un buen reparto coral, lleno de actores que por sí solos ya llenan una sala de cine, Denzel Wasington, Ethan Hawke, Chris Pratt, Vincent D´Onofrio, Byung-Hung Lee, Manuel García Rufo todo ello ayuda a entrar de lleno en una historia conocida que capta tu atención hasta un final, donde Fuqua falla, en unos últimos 5 minutos llenos de tópicos, donde debería haber sido más imaginativo, aún así deja un buen sabor de boca.


Los 7 magníficos, es uno de esos remake por los que vale la pena pagar una entrada de cine, un western visualmente impecable, dinámico, puro entretenimiento no exento de mensaje, donde Antoine Fuqua, aporta su visión moderna a todo un clásico del cine, demostrando que cualquier tiempo pasado no siempre es mejor.




                   

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SET PIECE

9/21/2016 , 0 Comments

En la producción de la película , una set piece es una escena o secuencia de escenas, una "mini película", cuya ejecución requiere una planificación logística meticulosa y un gasto considerable de dinero. Puede ser usada como prólogo de una película que funcione casi "independientemente" del resto del film, aunque en realidad, ayudan a definir o sustentar la trama,  ésta tiene una gran importancia por sí misma, debe ser memorable por su planificación, desarrollo y final, tan impresionantes que se recuerden por sí mismas.
Cada acción requiere los esfuerzos combinados de los diferentes departamentos: constructores escenarios,  efectos físicos y efectos visuales especiales.
El bombardeo final de GERNIKA, es una set piece magistral



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CINCUENTA SOMBRAS MÁS OSCURAS







Jamie Dornan y Dakota Johnson vuelven a encarnar a Christian Grey y Anastasia Steele en CINCUENTA SOMBRAS MÁS OSCURAS, el segundo capítulo basado en la novela superventas Cincuenta sombras de Grey. Retomando la historia que empezó con la taquillera película de 2015, cuya recaudación global superó los 560 millones, esta nueva entrega llegará a la gran pantalla justo a tiempo para el día de San Valentín, e invitará al espectador a descubrir un mundo más oscuro.

Cuando Christian Grey, que se siente herido, intenta convencer a la reticente Ana Steele de que vuelva a formar parte de su vida, ésta le exige un nuevo acuerdo antes de aceptar. Pero cuando la pareja empieza a tener más confianza y una cierta estabilidad, aparecen dudosas figuras del pasado de Christian decididas a parar en seco sus esperanzas de un futuro juntos.


Regresan a sus papeles en CINCUENTA SOMBRAS MÁS OSCURAS la oscarizada Marcia Gay Harden, así como Jennifer Ehle, Luke Grimes, Rita Ora, Victor Rasuk, Eloise Mumford y Max Martini, a los que se unen la oscarizada Kim Basinger, Hugh Dancy, Bella Heathcote y Eric Johnson.
James Foley (Pasión obsesiva, la serie "House of Cards") dirige CINCUENTA SOMBRAS MÁS OSCURAS, producida de nuevo por Michael De Luca, Dana Brunetti y Marcus Viscidi con E. L. James, la creadora de la innovadora serie. Niall Leonard es el autor del guión basado en la novela de E. L. James.





     

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GERNIKA




Titulo : Gernika. Director: Koldo Serra (entrevista) . País: España. Año: 2016. Guión: Carlos Clavijo, Barney Cohen. Género: Drama- bélico-Romántico. Intrepretes: James D´Arcy (Henry), María Valverde (Teresa), Jack Davenport ( Vasyl), Julián Villagrán (Pierre), Irene Escolar (Isabel), Bárbara Goenaga (Carmen), Ingrid García Jonsson (Marta) Victor clavijo (Periodista Español). Fotografía: Unax Mendía. Música: Fernando Velázquez. Estreno: 9 de Septiembre.


La Guerra Civil Española, está repleta de historias épicas, tristes, humanas, posiblemente la más oscura es la de GERNIKA, por primera vez se lleva a la pantalla y lo hace a través de los ojos del director bilbaíno Koldo Serra (entrevista) , quien nos trae, un drama con tonos románticos, una historia de amor, celos, intrigas y supervivencia, sobre la pasión perdida, las segundas oportunidades, y como recuperar la ilusión por la vida, todo ello, sin olvidar mostrar la belleza y costumbres de un pueblo, que se hizo famoso por un brutal bombardeo a manos de la aviación alemana, en Abril de 1937, uno de los episodios más vergonzosos de nuestra historia.


La trama nos traslada al Bilbao de 1937, donde Teresa (María Valverde), una editora de la oficina de prensa republicana chocará con Henry (James D’Arcy), un periodista americano en horas bajas que está cubriendo el frente norte. Teresa, cortejada por su jefe, Vasyl (Jack Davenport), asesor ruso del gobierno republicano, se sentirá atraída por el idealismo durmiente de Henry y querrá despertar en él la pasión por contar la verdad que un día fue su único objetivo.

Los productores buscaban un director que hubiese rodado una película con reparto internacional, que se atreviese a rodar en diferentes lenguas y encabezase un proyecto de gran envergadura, sin duda todas esas características las reunía Koldo Serra, quien hace diez años nos deleitaba con "Bosque de sombras" su opera prima cuyo reparto coral es sencillamente envidiable.


"Para vosotros es solo una historia, para nosotros es cuestión de vida o muerte... ", Koldo Serra, nos introduce en una historia muy humana, una historia de personajes de forma honesta y la dota de una gran carga emocional, un romance cuyo trasfondo es la guerra civil española y lo hace con un ritmo pausado, cuyo crescendo dramático capta la atención del espectador desde el principio, uno de sus mayores aciertos es no posicionarse en ningún bando pues como él mismo me explica en una entrevista "...... en las guerras no hay buenos ni malos.....", él sencillamente narra lo ocurrido mostrando el horror, el sinsentido y lo absurdo de una guerra, a través de una cámara, así como Henry lo hace a través de sus artículos o Picasso a través de sus pinceladas.

En Gernika,  se dan cita la vida y la muerte, la lucha por los ideales más nobles y la ambición profesional, mostrando un mundo lleno de contrastes donde pasamos de las trincheras, a los más bellos e inocentes paisajes, con un  objetivo entretener al espectador a través del doble juego, recrear un episodio histórico, a la vez que narra una historia personal, para acabar en un set piece maravilloso, un bombardeo magistral donde confluyen todos los personajes, como Irene Escolar, brillante en todas sus apariciones, nos regala uno de los momentos más emotivos, terroríficos e intensos de una película, cuyos veinte minutos finales son puro cine, demostrando que el cine español nada tiene que envidiar a las grandes producciones americanas.


Sin duda uno de los puntos fuertes es el maravilloso elenco de actores, una María Valverde (entrevista), demostrando que se atreve con todos los retos, solventándolo siempre con su elegancia particular, encarna a Teresa una mujer culta e idealista, amante de la verdad, arde en deseo que se cuente lo que pasa, "....cuéntale al mundo lo que ha pasado..." defensora de las causas nobles, capaz de darlo todo por sus ideales, su fuerza y belleza cautivan a Henry, perfectamente interpretado por James D´Arcy, un corresponsal de guerra americano, con un libro de éxito en su haber, en horas bajas, ha dejado de creer en los ideales, ha perdido el rumbo, probablemente sea el personaje mejor dibujado, su arco interpretativo es brutal tanto a nivel físico como emocional, pues empieza totalmente desganado, amante de la bebida, sin motivación y concluye de forma pletórica, el triángulo amoroso lo cierra el personaje Vasyl, interpretado por Jack Davenport, supervisa el trabajo de censura de Teresa. Y la ama en secreto. Muy estricto en sus decisiones no sabe disfrutar de la vida.


Según Koldo, "... hacer cine en España es un milagro.....", como amante del cine, debo darte las gracias, por este maravillosos milagro cinematográfico, llamado GERNIKA, una película para disfrutar del cine, lleno de sutiles referencias a grandes directores como Spielberg, como se ve en una escena del bombardeo, donde la cámara se detiene en un cochecito de bebe destrozado mientras sus ruedas giran, o en sus elegantes travellings, pero Koldo, por el contrario de Spielberg no lo aborda cámara en mano, con una estética sucia sino al contrario, lo aborda desde el cine más clásico, un cine estético, preciosista, ayudado por una magnífica fotografía cálida y una banda sonora mágica, todo ideado para emocionar al espectador, para hacerle disfrutar de una historia de amor en tiempos de guerra, llena de luces y sombras, donde koldo pone el corazón y los actores el alma, en una película por la que bien vale la pena pagar una entrada de cine.




                    


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Entrevista KOLDO SERRA


Tengo la suerte de entrevistar a un director de la calidad de Koldo Serra, un consumidor de cine que estrena su segundo largometraje GERNIKA,  de la cual hablaremos largo y tendido,  en la entrevistas que más he aprendido de cine.

Me sorprende que un director de tu calidad, desde tu anterior película EL BOSQUE DE LAS SOMBRAS han pasado 10 años ¿es porque no te han llegado buenos guiones o porque cuesta mucho hacer cine en España?
En este país hacer cine no es difícil es un milagro, hacer una película cuesta mucho dinero y conseguir ese dinero no es una tarea fácil, durante 10 años yo no he parado de mover los guiones que yo quería rodar, pero no han cuajado a se han caído a la mitad, incluso un proyecto como "perros muertos", se cayó justo antes de empezar a rodar, han pasado 10 años desde mi anterior película, espero que la siguiente tarde un poquito meso porque sino a este paso no voy a rodar ni cinco películas en mi vida.

¿Cómo ha llegado el proyecto de GERNIKA  a tus manos?
Gernika me llega a través de unos productores malagueños, así que el proyecto no sale de mí, yo como vasco recibo una llamada un día de unos productores gracias a que otro director Eugenio Mira les pasa mi contacto, pues buscaban un director que hubiera rodado una película internacional, en este caso "el bosque de las sombras", con Gary Oldman, que se atreviese a rodar en Inglés y a encabezar un proyecto de gran envergadura, en cuanto me contaron la historia y me enteré que no había ninguna otra película sobre el bombardeo de Gernika, dije que sí, me metí de cabeza con ellos y la verdad es que ya llevamos casi 4 años juntos, hasta que hemos conseguido levantar la financiación, para realizar el rodaje y por fin estrenarla.


Como sucedió en tu anterior film, vuelves a rodearte de un reparto Internacional. ¿No deseas trabajar con un reparto español?
No no no, hay muchísimos actores españoles trabajando en Guernica, sencillamente María Valverde, Bárbara Goenaga, Irene Escolar, Victor Clavijo, Alex García, Ingrid Garcia-Johasson, son coincidencias, es alucinante pero parece que estoy encasillado, en hacer películas con casting internacional en Euskadi, pero te aseguro que mi idea es rodar en castellano.

En Gernika la parte estelar es el bombardeo ¿Fue lo que más te costó de rodar o fue lo que más disfrutaste?
Las dos cosas, fue lo que más costó de rodar y lo que más disfruté, lo dejamos para el final para que los actores vinieses con toda la carga emocional, llegamos todos un poco exhaustos tras 6 semanas de rodaje, lo complicado no es tanto rodar el bombardeo que técnicamente es muy complicado, se solventa gracias a uno equipos de efectos especiales muy buenos, quienes te ponen las explosiones, los disparos, el humo, el fuego, junto a los equipos de efectos digitales que te marcan por donde van a ir los aviones, lo complicado es hacer todo eso en sitios habitados con sus vecinos en sus casas teniendo una paciencia brutal con nosotros que hemos entrado y hemos barrido con todo, hemos pegado fuego a las calles, ahí está la gran complicación.


Veo en tu cine influencias de Spielberg (War Horse), de Anthony Minguella (El paciente Inglés) incluso películas como Expiación,..... ¿Esto surge espontaneo o se planea?
No , no se planea, creo que cuanto uno ve tanto cine, absorbe y absorbe, entonces luego cuando se pone a rodar uno no dice voy a hacer un homenaje a tal o cual o intentar rodar como este o como el otro, sino que al absorber todas estas películas y a uno le encanta como Spielberg mueve la cámara, como narra con la cámara y como presenta a los personajes, a uno le sale de una manera espontánea e inconsciente, y luego resulta que lo estás viendo y dices coño está claro que me he visto War Horse más de 4 veces y claro que se nota su influencia, pero también hay Peckinpah, otra cosa es que yo diga, esta película va a ir más por los derroteros del paciente Inglés que por Pearl Harbour, pero nunca es deliberado, yo nunca realizo homenaje un homenaje explicito a este o al otro más allá de detalles tontos que introducimos como gracia.

Me ha gustado que cuentes una historia sin posicionarte en ningún bando, lo que te interesa es narrar la historia al igual que hace su protagonista Henry
Efectivamente, la película está contada a través de los ojos de un periodista extranjero y en este caso a mí, cuando me llega el guión me parece muy interesante, este punto de vista, meternos ahora a decir que esos son más buenos que los otros, cuando en las guerras no hay buenos ni malos, pues al final en las guerras todos somos malos y todos somos buenos, en ese aspecto me parece muy interesante que el punto de vista fuera el de un periodista extranjero que estaba cubriendo el frente norte, contándolo de una manera objetiva.

Es un drama pero optáis por una fotografía cálida, excepto en una escena donde Teresa le muestra un almacén de obras de arte, donde optáis por una fotografía más fría.
Yo lo que quería es que la película fuese bonita, tanto la película como el bombardeo, deseaba enseñar un sitio bonito, la belleza del lugar, de su vida, para después destrozarlo todo y jugar así, con ese contraste, esto es así de bonito y nos lo vamos a cargar, pues las guerras arrasan por donde pasan, yo no deseaba fuese la típica película de la guerra civil, con tonos sepias, ocres, sino que recordase más a las películas de la segunda guerra mundial, muy verde, muy montañoso, con mar, con una bonita fotografía, para que luego, la destrucción sea más dura y dramática.


Has cuidado mucho los aspectos técnicos, acabamos de hablar de la fotografía, pero la banda sonora es magnífica.
La banda sonora de Fernando Velázquez es brutal, es un crack, ahora está a punto de estrenar la película de Bayona, viene de trabajar con Guillermo del Toro en La cumbre escarlata, aparte es un amigo al que conozco, Vizcaíno, conoce perfectamente el tema y con el que es una maravilla trabajar siempre., desde mis cortos he trabajado con él y no puedo decir nada malo sobre él la verdad.
Me ha encantado ese fundido final entre la foto composición del film que se mimetiza con el cuadro de Picasso.
Nosotros queríamos obviamente rendir un homenaje a él aunque cronológicamente aún no había sido pintado, pero no queríamos dejarlo fuera de la película, mi idea era jugar con esas imágenes que ha tomado la reportera durante toda la película, pues ellas, porque no, podrían haber sido el punto de inspiración de Picasso y fusionar las mismas con la imagen del cuadro que está en el imaginario de todos.

Que le dirías al público para que viese GERNIKA
Venid al cine porque vais a disfrutar de una historia preciosa, abordada de una forma muy clásica, donde hay romance, drama, un trasfondo bélico donde hay un bombardeo, además van a poder aprender una historia poco conocida, lo triste es que hechos como el de Gernika no tuvieran la repercusión cinematográfica o televisiva necesarias y que haya gente que todavía no la conoce, en ese caso nosotros contamos unos hechos tal y como sucedieron en nuestra historia reciente.

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Entrevista a MARÍA VALVERDE



Poco voy a descubrir de María Valverde, con tan solo 16 años , ganó un Goya como actriz revelación por "la flaqueza del bolchevique",(2003) , es conocida por interpretar a Babi en la exitosa película "Tres metros sobre el cielo" (2010), no solo ha triunfado en nuestras fronteras, seguramente la recordamos por su intervención en "Exodus: Dioses y Reyes"  de Ridley Scott, trabajando junto a Christian Bale, en fin una actriz todo terreno, capaz de afrontar el drama, la comedia y el romance con una sonrisa, llenando a sus personajes de una dulzura y fragilidad que trasciende la pantalla.
Cuando el proyecto de 'Gernika' llega a ti ¿qué es lo que más te llama la atención del mismo para aceptar interpretarlo?
Primeramente lo relevante que fue históricamente. Luego me hacia especialmente ilusión volver a trabajar con Koldo después de la gran experiencia que tuvimos en “La Fuga” y al leer el guión me gustó el conjunto que formaban todos los personajes.
Ya que hablas de los personajes ¿en que te basaste para construir un personaje tan fuerte como el de Teresa?
Tuve la suerte que los guionistas y Koldo me dieron una descripción bastante más amplia del personaje de lo que estamos acostumbrados los actores y no tuve que hacer más búsquedas, para construir el personaje, yo traje mi cansancio del anterior rodaje, vimos que clase de mujer era y me siento orgullosa de interpretar un papel femenino tan potente como Teresa.

Descríbenos a Teresa? Que es lo que más te gusta de ella?
Teresa quería ser escritora, por el momento que le ha tocado vivir se convierte en censora, pero no hace lo que realmente le gustaría hacer, de hecho es muy triste para ella el no poder dar libertad a los escritores, pero poco a poco va a ir recuperando la ilusión por ser quien es, gracias a Henry, este periodista americano. Lo que más me gusta de Teresa es su capacidad de entendimiento, de analizar a las personas, lo cual es muy importante para la labor que ella desempeña, en contraposición no me gusta lo borde que puede ser a veces, lo seca, tiene una hipocresía necesaria para el personaje.


Piensas que es tu personaje más intenso hasta el momento?
Es probablemente el personaje más maduro que he interpretado, sobretodo el que más peso tiene, la edad, la madurez, las circunstancias le pesa y debe tomar decisiones muy duras.

Imagino no ha debido ser fácil interpretar a una mujer tan adulta siendo tú tan joven?
(risas), El problema es que aparento ser mucho más joven de lo que soy, ese es mi handicap (risas) espero que dentro de unos años ya no lo sea, tienes razón Alberto, podría haber hecho el personaje alguien más adulto, aunque en aquellas épocas la edad era lo de menos, lo más complicado era desenvolverte en un mundo de hombres, por eso Teresa tenía que ser una mujer fuerte, madura, segura, agresiva para poder hacerse escuchar.

Hubo alguna escena especialmente complicada de rodar?
Uffff, todas, menos la primera escena de la bici (risas),  lo más complicado fue lo de los idiomas, pero tuve muchísima ayuda, no solo de mi coach de Euskera, Inge, sino de todo el equipo artístico y técnico. Lo peor fue mezclar idiomas, pasar del euskera al español, del español al inglés, en la misma escena, había momentos realmente no sabía que decir,  la gente del equipo me decía la frase al oído, yo me la repetía interiormente, e inmediatamente decían "acción" y soltar la frase rápido antes que se me olvidase, el euskera fue realmente complicado, para mí.


Tu personaje es la luz en un drama muy oscuro?
Muchas gracias, pero es cierto, pues el resto de personajes están desencantados y en la cinta hay poquitas dosis de ilusión, pero cuando la recuperan, todo se viene abajo por el fatídico bombardeo.

Eres una de las actrices más completas del panorama nacional, pasas del romance, a la comedia, al drama con gran facilidad ¿ dónde te sientes más cómoda?

La verdad es que he hecho más drama y lo tengo más por la mano, tengo más facilidad por decirlo de algún modo, pero me cuesta mucho rodar ese tipo de secuencias, pues me suponen un gran reto, en la comedia soy una novata total, he hecho una (Ahora o Nunca) y me siento muy torpe en ella, necesito un mayor recorrido en ella para sentirme capaz, lo importante es tirarte a la piscina en los proyectos que te llegan y darlo todo, a la vez que aprendes de ello, cada película es un gran desafío.

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TARDE PARA LA IRA




Dirección: Raúl Arévalo. Guion: Raúl Arévalo, David Pulido. País: España. Año: 2016. Género: Drama. Duración: 92 min. Interpretada: Antonio de la Torre, Luis Callejo, Ruth Díaz, Manolo Solo, Alicia Rubio, Font Garcia. Fotografía: Arnau Valls Colomer. Música: Lucio Godoy. Distribución: E-One films. Estreno: 9 de Septiembre 2016.



El conocido actor Raúl Arévalo, se adentra con nota alta en el mundo de la dirección, con una deslumbrante opera prima, "Tarde para la irá", muy cuidada en todos sus aspectos técnicos, es digna de un director consagrado más que de un principiante, deleitándonos con una película muy ambiciosa, cine negro con mayúsculas, un drama con tintes de thriller, una road movie oscura e inquietante que no da tregua al espectador, una profunda reflexión sobre una obsesión que desemboca en una venganza a sangre fría y calculada.


Antonio de la Torre - Tarde para la ira
La trama nos sitúa en Madrid durante el mes de Agosto del 2007 y cuenta la historia de tres personas, Curro (Luis Callejo), encarcelado ocho años por el atraco a una joyería; su mujer Ana (Ruth Díaz), que espera su liberación, y un cliente del bar que ella regenta, José (Antonio de la Torre), que observa todo pacientemente mientras llega el momento de actuar.

"No sé lo que me siento más, si actor o director, pero mí pasión tiene que ver más con la dirección", comenta Raúl Arévalo quien escribe y dirige con mano experta esta ópera prima, tan desasosegaste como brillante, con una experiencia acumulada en 30 películas en su haber, ha podido aprender de los mejores como Alberto Rodríguez, cuya fantástica atmósfera creada nos recuerda a esa de "La isla mínima",  si sigue en esta línea pronto será uno de los cineastas españoles que darán mucho que hablar, su opera prima es una carta de presentación casi inmejorable.


Raúl Arévalo - Tarde para la ira
"Todos mis trabajos como intérprete me los he tomado, como un aprendizaje para dirigir. Por mi ilusión, mi pasión y mi sueño de dirigir una película, he luchado y lucharía lo q hiciera falta, pero es verdad q es difícil."
El guión q coescribe con David Pulido está lleno de suspense, dureza y crueldad, con un guión redondo dividido en tres fases bien dibujadas; el prólogo, con un ritmo vigoroso y dinámico capta la atención del espectador, es el origen de toda una película, a partir de ahí el ritmo se ralentiza para presentarnos a los personajes y una vez dibujados, el ritmo se vuelve frenético, trasportándonos en volandas a un brutal desenlace, ayudado por una banda sonora impone de verdad en los momentos de vorágine y tensión, lo que comienza como un drama con tonos románticos, se convierte en un thriller , una road movie, toda una venganza a sangre fría, muy dura, lleno de tensión y rabia desatada tras años de contención, que desemboca en toda una tragedia griega, que toca temas como el amor, la amistad, el compañerismo, pero sobretodo la venganza.

Raúl Arévalo un Gran DIRECTOR de actores
Uno de los puntos fuertes de la película es la gran dirección de actores llevada a cabo por su director, conocedor de la profesión, sabe lo que desea de unos actores, que nos proporcionan todo un recital de actuaciones, pero la sustentan un dúo de actores que proporcionan un tándem artístico que será difícil de olvidar , dos hombres q inician un camino de redención y venganza, el primero es Antonio de la Torre (JOSE), un ser destruido por la pérdida de su mujer y sus padres durante el atraco a una joyería, nos proporciona una actuación contenida pero ávida de desatar toda su rabia sobre los culpables, vuelve a darnos lecciones de actuación un actor q nunca falla y siempre raya a buen nivel, el segundo personaje es Luis Callejo (CURRO), tras pagar su deuda con la justicia intenta encontrar su lugar en la vida, lo q no sabe es que José le espera para impartir su propia justicia, este tándem está muy bien secundado por Ruth Díaz (Anna) quien le da vida, naturalidad y veracidad a una mujer afligida que busca donde agarrarse para salir de su triste situación, sin olvidar a Manolo Soto (Triana), quien en poco rato es capaz de ofuscar al tándem protagonista con su buen hacer, introduciendo un timbre de voz muy peculiar, llena de verdad su personaje.



La genial fotografía sucia, llena de tonos tierra, de Arnau Valls Colomer,  reconstruye un microcosmos proletario donde todos van tirando, creando esa atmósfera tan personal y asfixiante de la película, cuya estética nos recuerda a películas de corte clásico, lejos de la alta definición actual, ayudando a introducir aún más al espectador en el ambiente sórdido que se respira de la cinta.

Tarde para la ira, se construye bien desde la base, el guión, brillante,  simple en su idea es capaz de desarrollar una gran complejidad, creando una historia de personajes profundos, complejos y bien dibujados, con magníficas localizaciones y dirección artística que dan a la película una personalidad propia, una banda sonora a la altura y unos actores en estado de gracia, una sorpresa mayúscula, sin duda será una de las películas del año, solo me queda decir Raúl Arévalo no dejes tu pasión y dirige.



           

           

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