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Grandes series de NETFLIX




¡Si te gustan las series policíacas o fantásticas estas de enhorabuena! NETFLIX, te ofrece una amplia gama de series, documentales, películas y todo tipo de contenidos galardonados que se van actualizando periódicamente, que todo amante a las buenas series no debería perderse, como las que a continuación te propondré:


Empezaremos con una joya sueca que probablemente haya pasado desapercibida debido a su remake homónimo americano: El Puente (título original Bron), dirigida por Henrik Georgsson y que cuenta con la interpretación de Sofia Helin, Kim Bodnia y Thure Lindhardt como personajes principales. Una trama compleja y elaborada que une a una policía sueca y a un policía danés en la resolución de un caso con implicaciones tanto personales como sociales. El carisma y las cualidades de sus personajes, al igual que la intensa traman, harán que te quedes sentado en el sofá hasta el final.


Otra serie policiaca que no te puedes perder es DeadWind (título original Karppi), serie finlandesa dirigida por Rike Jokela y protagonizada por Pihla Viitala y Lauri Tilkanen. Igual que en el caso anterior, la protagonista es una mujer que, junto a su compañero, con el que no acaba de encajar, resolverán una misteriosa muerte y todas las implicaciones que esta conlleva. La producción técnica depurada, la trama bien equilibrada y el guion fuera de serie la galardonaron con el premio al mejor guion nórdico de 2018. Si eres amante del nordic noir (género policial negro de origen escandinavo) no te las puedes perder. ¡Dales una oportunidad a las series de fuera de EEUU y te sorprenderás!


Y, por último, como no hablar de la serie estadounidense que está causando furor: Maniac dirigida por Cary Joji Fukunaga, el cual ya nos sorprendió con True Detective. Esta serie protagonizada por Emma Stone y un cambiado Jonah Hill es una montaña rusa de puro placer visual que ofrece un paseo caótico y fascinante por lo que viene a ser una mente enferma. Imprevisible y novedosa, con elementos tanto retro futuristas como old school, Maniac nos sumerge en un mundo artificial y de ficción del cual es difícil zafarse.

Como no quiero hacer spoilers, dejaré que seáis vosotros mismos los que descubráis estas tres series que mantendrán la intriga hasta el final y que saquéis vuestras propias conclusiones. 

ALPHA


Alpha - banner

El director Albert Hughes, deja el binomio creado con su hermano gemelo, Allen Hughes, con quien ha dirigido películas como , "Presidentes muertos " (1995), "desde el infierno" (2001) o "El libro de Eli" (2010), para dirigir "Alpha", su primero película en solitario, una brillante opera prima, que es sobre todo, un fantástico viaje visual, una inolvidable aventura épica tan dura como alegre, absolutamente conmovedora, de carácter universal, capaz de sorprender al espectador, tanto por su ambientación, en la primera era glacial, una época no muy tocada por el cine, como por su temática, pues descubre los orígenes de la relación entre el hombre y el perro, sin duda el mejor amigo del hombre, creando una historia con la que es fácil que el espectador se identifique.

La película nos introduce en la vida del joven Keda (Kodi Smit-Mc Phee), quien por primera vez, es escogido para acompañar a la élite de su tribu a cazar, y así tener carne suficiente para pasar todo el invierno. Keda no se siente preparado aún y por desgracia cae herido, siendo abandonado por su tribu, deberá aprender a sobrevivir solo, rodeado de múltiples peligros, como los lobos, durante un ataque de estos es capaz de herir al lobo alpha y el resto de la manada lo abandona, momento crucial pues Keda decide amansarlo antes que matarlo y nutrirse de su carne y piel. Poco a poco ambos aprenden a confiar el uno en el otro, forjando unos lazos de amistad que serán difíciles de disolver, pues juntos se enfrentarán a un sinfín de peligros y obstáculos para volver a casa antes de la llegada del invierno.


Kodi Smith-Mc Phee - ALPHA



La película toca temas de suma importancia, el principal, la domesticación del lobo por parte de los primeros humanos y como estos se integraron en nuestra sociedad, para llegarse a convertir en los perros domesticados que tanta gente disfruta en sus hogares hoy en día.

Pero las subtramas no se quedan atrás, tocando temas vitales, como la importancia de la familia y la superación personal, mostrando como en situaciones extremas, somos capaces de hacer cosas que no creíamos poder hacer.

Albert Hughes, dirige y escribe la historia basándose en el guión original de Daniele Sebastian Wiedentraupt, el cineasta es conocido por su preparación minuciosa y este gran trabajo de investigación se ve reflejado en la película, retratando la época a la perfección,  mostrando cómo vivían en tribus con sus jerarquías, como vestían, como tallaban sus armas, como hacían fuego, como cazaban,..... presentando al ser humano no como un simple cavernícola sin emociones, sino como personas luchadoras, con sus propios problemas e inquietudes, llenos de emociones, capaces de amar, sentir empatía por el prójimo, tener miedos y angustias.


ALPHA 
Albert Hughes, abre los planos, dando a la naturaleza un gran protagonismo, creando postales realmente hermosas, ayudado por unos fx muy bien hechos, estos planos no solo sirven para ver la inmensidad de la naturaleza, sino para dar a entender que ésta está repleta de peligros.

"Un alpha siempre está en peligro, es un líder nato", esta es la preciosa historia de un lobo alpha, que enseña el camino de la supervivencia a un niño, que se convertirá en hombre bajo su tutela, creando unos lazos de amistad, que perduran en nuestros días, una historia muy humana, que no solo habla del valor de la amistad, sino también de la superación personal, un viaje tanto emocional como visual que hace de Alpha una película ideal para ver en familia, no te la pierdas.






   




STAR WARS VIII: LOS ÚLTIMOS JEDI




Título original: Star Wars (The Last Jedi). Dirección: Rian Johnson Pais: Estados Unidos. Año: 2017. Duración: 152 min. Género: Scfi, Aventuras, Acción, Fantástico. Reparto: Mark Hamill, Carrie Fisher, Adam Driver, Daisy Ridley, Andy Serkis, John Boyega, Oscar Isaac. Distribuidora: Walt Disney Studios. Productora: Lucasfilm, Badrobot. Presupuesto: 178 millones euros  Fecha de Estreno: 15 diciembre 2017. 



QUE LA FUERZA NOS SALVE:

Cuando te vas haciendo mayor y no quiero decir ni mucho menos que me sienta o sea viejete suele ocurrir pensar que todo tiempo pasado fue mejor, creo que cometemos un gravísimo error si intentamos comparar estas nuevas entregas de la saga de STAR WARS con las dirigidas por George Lucas, ni el contexto, ni el entorno, ni la mentalidad, ni la manera de ser de las personas son las mismas que un 25 de Mayo de 1977, fecha del estreno de la primera entrega, hace más de 30 años. Las películas “antiguas”, por así decirlo, son todo un hito en la historia del cine, principalmente por el uso de efectos especiales innovadores en la época y por la originalidad del inmenso y maravilloso universo creado por Lucas. Además, son unas de las películas  más exitosas de todos los tiempos, así como una de las más influyentes en la cinematografía contemporánea y de la propia historia del cine. La primera película obtuvo un total de seis estatuillas de diez nominaciones (incluyendo a la mejor película que acabado ganando ANNIE HALL de Woddy Allen), conviene no olvidarlo.

Con ese listón tan alto resulta poco menos que una broma de mal gusto pensar que esta nueva trilogía vaya a estar a la altura de sus predecesoras, nadie se cree que ninguna de estas nuevas versiones se conviertan en una obra maestra del cine, sea  algo impactante o lo nunca visto y ni por asomo vayan a ser nominadas a ningún óscar relevante, ¿eso significa que deban ser malas películas?, ¿que desvirtúan el legado de STAR WARS?, ¿que si eso y aquello?, pues francamente, depende de cómo se mire, lo que está claro es que aquellos que hemos crecido con STAR WARS nunca y digo nunca volveremos a experimentar aquellas sensaciones, aquella primera vez, son conceptualmente irrepetibles.



Desde el principio Disney nos dijo que su intención era crear algo diferente con nuevos personajes y que intentaría realizar una transición entre lo nuevo y lo viejo con dos objetivos, reenganchar a los fans de toda la vida y captar a nuevos “usuarios”. Pienso que Disney tenía sobre la mesa varias opciones después de comprar Lucasfims y por tanto explotar la franquicia; primero, realizar algo totalmente nuevo, sin ninguna referencia al pasado ni tan siquiera  a los personajes clásicos, y utilizar como “entorno” la temática de STAR WARS (hubiera sido mi opción preferida y la menos problemática) , la segunda opción continuar la historia política y “familiar”, siguiendo el arco argumental de la saga Skywalker de manera que tuviera una continuidad en el tiempo, de hecho no era nada nuevo, tenían como referencia a STAR WARS EXPANDED UNIVERSE, una serie de comics, libros y novelas que se han ido publicando durante bastantes años y que explican multitud de referencias “históricas” tanto al origen como al futuro del universo JEDI y principalmente las biografías de sus principales protagonistas, y como última opción realizar un spin-off (Una serie derivada (en inglés spin-off) es una serie de televisión, de películas, de programas de radio, de videojuegos o de trabajos narrativos creada a partir de una obra ya existente, tomando de ésta algún elemento principal, comúnmente un personaje que fue parte del elenco protagonista, el lugar donde ocurrieron los hechos, o el universo ficticio de la obra original ).

Acertadamente decidieron utilizar una fórmula mixta, intercalar los nuevos episodios con películas intermedias utilizando la formula spin-off como en el caso de ROGUE ONE, por cierto, una buena película y la futura SOLO, prevista para mayo de este año.



En lo referente a los nuevos episodios lo anunciado y explicado por la propia productora era que iban a ser la continuidad del episodio VI, y obviamente no lo parecen y ese es el enorme error de base, si juzgamos estas películas como algo independiente, ok, me pueden gustar muchas cosas, pero como parte de un canon rompe con unas reglas ya establecidas y eso es un hándicap insalvable. Si se me permite han querido vendernos un producto donde en la etiqueta se describen una serie de prestaciones y características y cuando lo utilizas te das cuenta que no cumple con lo que te habían prometido o al menos lo que tu creíais que debía ser. Si de verdad quieres ser continuador de una historia lo que no puedes hacer es no respetarla y con ello no digo que no puedas ser innovador pero debes ser consecuente con el relato anterior y si quieres ser creíble no tienes más remedio que obligarte a cumplir unas normas narrativas para que dicho relato se pueda considerar como continuación del otro. Si me permitís voy a utilizar un ejemplo muy elocuente; si dentro de unos años alguien quiere hacer una nueva película de Superman donde este ya no sea vulnerable a la “Kriptonita”, ¿se puede hacer?, pues claro, ningún problema, perfecto, pero con una condición, por respeto a la propia identidad intransferible del personaje y a la visión que su autor quiso darle debe narrarnos de manera creible la naturaleza y los motivos de tal cambio, es así se simple, de la misma forma, que una “conductora” que no tiene ni el carnet de conducir y apenas sabe lo que es un coche se ponga al volante de un fórmula uno y gane una carrera del campeonato mundial, porque si y punto. Ya sabéis de sobras por dónde van los tiros y lo que pretendo reivindicar.

Cuando Lucas se empeñó en explicarnos el origen de la saga (episodios I, II y III) tenía poco margen de maniobra, ya sabíamos el final y no podía permitirse el lujo de ser demasiado creativo, debía contar una historia sincera y sensata que encajara a la perfección con el resto de episodios y francamente, pese a que las películas tienen margen de mejora en muchos aspectos, lo consiguió de manera brillante. Argumentalmente encajan como un guante, sin fisuras, como es lógico no estuvieron a la altura de los “clásicos”, queda dicho, pese a que con el tiempo se están revalorizado como el buen vino,  pero si consiguió cerrar el círculo y finiquitar la saga para siempre, que si no ando muy equivocado era su verdadera intención terminar con su obra tal y como la había planeado.

El encargo de revivir “el mito” que se hizo a J.J. Abrams en el  “El despertar de la Fuerza (episodio VII) ” pretendía ser continuista y no solo no lo consigue sino que además traiciona principios básicos de cualquier historia que pretenda ser heredera de otra, carece de absoluta  originalidad y de hecho como se ha comentado en infinidad de ocasiones es una pésima copia del episodio III, la introducción de los nuevos personajes en la historia es atropellada, el contexto de la nueva entrega es un total sin sentido y en definitiva para no aburrir fue un estreno bastante polémico que creó mucho debate entre la comunidad de fans de la saga, generalmente con bastante decepción entre los “veteranos”.



Y como de esperanza trata buena parte STAR WARS hemos vuelto en peregrinación y con la fe intacta a los cines a ver que nos mostraban Disney y el director Rian Craig Johnson en “Los últimos Jedi” y si podían enmendar los errores del episodio VII y resolver ese mar de incertidumbres que nos había dejado el episodio anterior.

Si debo definir esta película con un adjetivo, y eso es todo un reto para un film que dura la burrada de 152 minutos o lo que es lo mismo 2 horas y 32 minutos, es que es MUY RARA, me explico, es mucho más arriesgada en su planteamiento que su antecesora, lo cual no significa que deba ser algo bueno obligatoriamente. En algunas escenas y sobretodo en el confuso desarrollo de la trama, con su pretendida fusión con el resto de episodios y consecuentemente con el legado de las anteriores versiones ocurren hechos que te dejan con la cara a cuadros, donde no sabes si acabas de ver algo fantástico, sorprendente y diferente o por el contrario, no has entendido un pimiento de lo que acaba de suceder y te dan ganas de levantarte de la butaca e irte a tu casa a llorar del esperpento que acabas de ver.

La verdad que realizar una crítica constructiva sin spoilers, como es norma de la casa, me está resultando extenuante ya que resulta complejo argumentar criticas sin poder aportar los detalles concretos que las motivan y más en esta película tan especial, así que procurare céntrarme en varios aspectos genéricos;

Personajes: Si tuviera que hacer un símil de lo que pienso de los personajes de esta película sería como la escena del camarote de los hermanos Marx, hay una abarrotamiento de personajes que entran, salen y no conducen a nada solo provocan el caos, la mayoría no se sabe muy bien que hacen y para qué sirven, problema de crear unas sub-tramas del todo innecesarias que solo sirven de relleno, otros simplemente aparecen de forma fugaz como guiños para los nostálgicos, eso sí funciona,  y algunos que repiten como Finn y la Capitan Phasma son tan prescindibles como un congelador en el ártico. Merece especial atención el personaje de (Phasma) interpretado por Gwendoline Christie, ya la conoceréis de la serie Juego de Tronos (Brienne de Tarth) me sorprende que pese haber aparecido en las dos entregas, en todos los trailers y notar que es un personaje del cual las principales compañías de  merchandising han destino gran cantidad de artículos relacionados con su figura, haya aparecido, de un total de 4 horas y 80 minutos de metraje, en apenas, si llega, a 10 minutos y con una relevancia, siendo amables, prácticamente nula; lo cual me hace pensar que en ningún momento tanto la productora, como los guionistas y el propio director han tenido claro que sentido querían darle a la película y para mí esto es una prueba de que si no sabes muy bien lo que quieres, al final, acabas metiendo la pata.



Actuaciones: Luke Skywalker (Mark Hamil), sin su carisma esta película no tendría sentido, no es que en general en esta saga el peso de los actuaciones de los actores deba tener un sentido primordial, nunca ha sido así pienso, hay multitud de aspectos que la construyen,  en cualquier caso es de lo poco que se salva, se ve a un nuevo Luke, mas mayor, claro, pero su desarrollo como personaje está muy bien logrado. De los otros protagonistas en mayúsculas, Rey, Kaylo Ren, Poe Daremon, Leia y Snoke se supone debían dar un paso adelante y evolucionar, pero les ocurre como los cangrejos en lugar de ir hacia adelante van hacia atrás.

Guion-Argumento: Hemos visto el segundo acto de una película de tres actos, se supone que el primer acto era el enlace-presentación, el segundo, el conflicto no resuelto y el tercero la resolución final, para quien no se haya enterado es una trilogía, ver definición en el Wikipedia, pues eso, debía ser así, pero no, no esperéis que este sea el esquema argumental, van por libre, si algo queda en el aire, que son muchísimas cosas, pues te aguantas, si seguías sin entender cómo se había llegado a tal punto, pues lo mismo, te quedas igual, en resumen, a estas alturas y con dos episodios a las espaldas y sigo sin comprender el trasfondo de esta historia, que una vez más y disculpad mi pesadez, pretende ser una continuación de las anteriores, pues yo no lo veo por ninguna parte.

La verdad es que no tengo muchas más cosas que decir, creo que estamos de acuerdo todos, tanto aquellos que somos muy críticos como los que no lo son, que lo que está creando Disney en el mejor de los casos es un “Blockbuster”, unas películas de gran presupuesto y quizás vistas en su propio contexto, hasta buenas películas y entretenidas, utilizando, eso sí, el prestigio y la fama de STAR WARS como gran reclamo, pero no aspiran a mas, ni falta que les hace mientras sigan haciendo caja.

Espero que nadie se ofenda, no es mi intención, pero para mí STAR WARS, es como dice un dicho, como las mujeres, a veces no puedes con ellas pero no puedes vivir sin ellas. Seguiremos confiando en la fuerza, que remedio.
Una última cosa, espero no desvelar nada, pero juraría que en una escena de la película sale como figurante el propio director Rian Johnson, si alguien también se da cuenta por favor, avisar.

JULIA IST


Tras triunfar en el Festival de Málaga 2017, donde ganó el Biznaga de plata a la mejor película y dirección, llega a nuestras pantallas “JULIA Ist “, una prometedora ópera prima basada en la experiencia personal de su directora Elena Martín, quien también actúa con la misma brillantez que dirige, para traernos la experiencia agridulce del Erasmus, una historia valiente, honesta , audaz, natural y llena de verdad, le sirve para hacer un ejercicio de auto descubrimiento personal, sobre ese momento crítico en la vida donde abandonamos nuestra zona de confort, para empezar a tomar nuestras propias decisiones, nuestro propio camino y descubrir el adulto que llevamos dentro.


El guión escrito a cuatro manos por la propia Elena Martín, acompañada por María Castellví, Marta Cruañas y Pol Rebaque, es sólido, con una historia bien tramada con personajes muy bien definidos y nos introduce en la vida de Julia ( Elena Martín), una estudiante barcelonesa de arquitectura, que se va a Berlín de Erasmus, dejando atrás a su pareja Jordi (Oriol Puig) y a su familia. Una vez allí, completamente sola se encuentra con un Berlín frío y poco acogedor, costándole su adaptación, por primera vez, se da cuenta de que no se conoce tan bien a sí misma como pensaba y que no tiene ni idea de lo que quiere hacer con su vida.

Su bajo presupuesto, la verdad, no afecta la calidad de una película levantada con toda la ilusión de un grupo de estudiantes de la Pompeu Fabra, con el objetivo de sacar adelante su proyecto de fin de carrera.


Técnicamente, está historia de personajes está narrada con planos cortos y cerrados, para centrarnos así en las emociones de los personajes, usando el recurso de la cámara en mano, para dar esa sensación de sutil movimiento, la cámara parece seguir a un personaje captando con naturalidad sus experiencias vivida, narrada en primera persona, sabe transmitir esa sensación de soledad, deseo destacar el uso con naturalidad del fuera de campo y el fundido a negro para pasar de un día a otro, denotando un gran conocimiento del lenguaje audiovisual, por todo ello se erige desde ya, en una de esas directoras a las que pienso seguir de cerca.

Cada vez que un director habla sobre una experiencia personal, la película sale fortalecida y esta no es menos, la directora sabe lo que contar y como contarlo, estamos ante una película de autoficción, que hace de la naturalidad interpretativa el alma mater de este retrato de la soledad, con una muy interesante evolución del personaje principal, título intimista llena de verdad y emocion la sala de cine,  tocando la fibra sensible de un espectador que se identifica rápidamente con una historia ágil y atrevida que nos hace recordar con añoranza tiempos pasados.




EL JARDÍN DE LAS PALABRAS


Romance y dolor bajo la lluvia:

El director de anime, Makoto Shinkai, vuelve a deleitarnos con un drama romántico, sútil, delicado, luminoso, con un gusto por el detalle, aunando tanto belleza artística como técnica, haciendo de cada escena un deleite a la vista.

Bajo el romanticismo de las gotas de lluvia, Shinkai, nos conmueve con una historia sobre la soledad, los sueños y el dolor, introduciéndonos en la vida de Takao Akizuki, estudiante de 15 años, cuyo sueño es convertirse en diseñador de zapatos. Durante el mes de Junio, la temporada de lluvias en Japón, prefiere pasear bajo la misma que tomar el tren a la escuela, en una de esos días, se encuentra con una misteriosa mujer bajo una pérgola mientras se resguardan de la copiosa lluvia, ella bebe cerveza y come chocolate, él dibuja sus zapatos, empiezan a dialogar, decidiendo encontrarse en el mismo lugar cada día de lluvia, empezando así una estrecha relación donde el diálogo les irá bien a ambos. Por desgracia todo lo bueno se acaba y cuando termina la temporada de lluvias, Takao, no tiene ningún pretexto para faltar a la escuela, descubriendo la verdadera identidad de la misteriosa mujer, haciendo zozobrar los cimientos de su relación.


Es un retrato de lo cotidiano, de cómo degustar esos pequeños momentos placenteros que te da la vida, una historia intimista, sencilla, pero nunca simple, con un guión construido sobre dos personajes que se retroalimentan, que se necesitan en un momento concreto de sus vidas, Takao, porque no tiene muchos amigos, es retraído, siempre en su mundo, soñando con crear zapatos y con esa angustia interior por saber si tiene el suficiente talento para realizar su sueño, mientras ella, Yukino, se encuentra en un momento muy malo de su vida y necesita fuerzas para volver a vivir la vida, con estos mimbres el célebre director Japonés nos hace un retrato de la soledad y el dolor que conlleva el desamor, a través de unas imágenes muy cuidadas, una animación que deja sin aliento, por cada reflejo, por como caen las gotas en los charcos o estanques, por como se desprende la tiza cuando el maestro escribe en la pizarra y un sinfín de detalles, donde se hace difícil distinguir entre dibujo y realidad, pura poesía visual, muy bien amenizada con una preciosa banda sonora ideada para tocar la fibra sensible del espectador.



Tal meticulosidad por el detalle hizo de este mediometraje (dura 45 min) todo un éxito de taquilla el año de su lanzamiento (2013) y no es de extrañar, pues el director toca la fibra sensible de un espectador que entra de lleno en una historia con la que es fácil identificarse, con escenas llenas de ternura y delicadeza, como cuando ella se saca el zapato suavemente y él poco a poco acerca su mano para tocarle el pie, puro cine para amantes de los dramas románticos, que a bien seguro soltaran alguna lagrima, si aún no conoces el anime, no hay mejor película para adentrarte en él.


HIROZAKU KORE-EDA

HIROZAKU KORE-EDA
CUANDO EL CINE ES ARTE:

Hirozaku Kore-eda, nace en 1962 en la ciudad de Tokio, director, guionista y productor de cine, licenciado en la Universidad Waseda en 1987 y empezó a trabajar en TV Man Union, donde realizó premiados documentales. En 2014 fundó la productora Bun-Buku. 

Sus títulos son tan brillantes que poseen toda mi admiración y respeto, estamos sin duda ante  el más notable director Japonés de la actualidad, cuyas cintas son pequeñas joyas, por la sencillez, realismo, belleza y sensibilidad con la que las aborda, bajo su precisa dirección lo rutinario sobresale con lucidez, estamos pues, ante un retratista de lo cotidiano, cuyas películas exploran temas como los problemas familiares, la memoria, la muerte y asumir la pérdida, mostrando a la perfección la sociedad japonesa, dividida entre tradición y modernidad.

Hirozaku Kore-eda

En un principio Koreeda quería ser novelista, lo que se aprecia por la claridad de sus guiones, su cine está influenciado por Yasijuro Ozu y muy especialmente por su director favorito, Mikio Naruse.
Desde sus inicios como director de documentales para la televisión, ha sabido crear un discurso propio, coherente y reconocible, a lo largo de sus años de carrera, cuyas características son las siguientes:

         Estilo pausado, ralentiza el tiempo, lo hace eterno, llenándolo de                          música, belleza, sensibilidad, emoción y elegancia
        Historias muy humanas, familias o parejas en conflicto, donde  peligran 
         sus vínculos de unión.
        Fijación por las relaciones entre padres e hijos, pues el propio Koreeda,               tuvo una relación complicada con su padre ya fallecido.
        Sus historias buscan ser un fiel reflejo de la vida, no solo por estar rodadas           de una forma muy natural, sin artificios visuales, sino también por esa                   combinación de drama y comedia, de lo dulce y lo agrio, de las relaciones             humanas.
        Retrato de lo cotidiano, con una gran delicadeza, donde una comida, un               partido de fútbol, un brindis,….. adquiere importancia
        Películas intimistas.
        Un sentido del humor que roza la ironía.




Para Kore-eda, las películas son una forma de narrar una historia sencilla que no simple, mostrando una serie de temas que fluyen desde sus diálogos y miradas, creando más que cine, arte, gracias a uno fotogramas de belleza sinigual,que son  todo un deleite a la vista.

EL TERCER ASESINATO


JUSTICIA ENGAÑOSA


Dirección/guión: KORE-EDA HIROKAZU. País: JAPÓN. Interpretación: MASAHARU FUKUYAMA (Tomoaki Shigemori), KOJI YAKUSHO (Takashi Misumi), SUZU HIROSE (Sakie Yamanaka) . Fotografía:  MIKIYA TAKIMOTO Diseño de producción: YOHEI TANEDA. Montaje: KORE-EDA HIROKAZU Sonido: KAZUHIKO TOMITA Música original: LUDOVICO EINAUDI. Duración: 124 min. Distribución: GOLEM . Fecha de Estreno: 27 de Octubre 2017



El conocido abogado Shigemori defiende a Misumi, acusado de robo con homicidio, que ya cumplió pena de cárcel por otro asesinato hace treinta años. Las posibilidades de que Shigemori gane el caso son escasas ya que su cliente reconoce ser culpable, aunque esto probablemente signifique la pena de muerte. Pero a medida que desentraña el caso y escucha los testimonios del propio Misumi y de su familia, Shigemori empieza a dudar de la culpabilidad de su cliente. 


El cine de Kore-eda es poesía pura, como se ve en “el tercer asesinato”, donde la contundencia de las imágenes se ven edulcoradas por los sutiles toques de piano de Ludovico Einaudi, todo ello para introducirnos en un drama legal muy humano con aires de thriller, un género totalmente diferente a los melodramas familiares que nos tiene acostumbrados, aunque en la subtrama continúa tratando las dificultades de las relaciones paterno filiales tan características de su cine, eso sí, abordándola desde una perspectiva diferente, pues la trama principal es una profunda reflexión sobre la verdad, donde esta se pone a juicio, para mostrarnos las imperfecciones del sistema legal, donde normalmente se prescinde de ella, para adaptarnos a los intereses del cliente, tal y como cuenta el propio Kore-eda, ., "al hablar con varios letrados, concretamente el asesor legal de  "De tal padre, tal hijo", todos me dijeron lo mismo: “No se descubre la verdad en los tribunales”. Y solían añadir que en la mayoría de casos no se llegaba a saber la verdad, lo que me pareció muy interesante. Fue entonces cuando pensé en rodar un drama legal en el que nunca se sabe la verdad".
EL TERCER ASESINATO - Hirozaku Kore-eda
La trama se centra en la vida de Shigemori (Masahary Fukuyama), un reconocido abogado que tiene la difícil papeleta de defender a Misumi (Kôji Yakusho), acusado de robo con homicidio, que ya cumplió pena de cárcel por otro asesinato treinta años atrás. Las posibilidades que Shigemori gane el caso son escasas, pues su cliente reconoce ser culpable, aunque esto probablemente signifique su pena de muerte. Pero al investigar intensamente su caso, para encontrar la mejor defensa posible, éste se complica, por las mentiras de todas las personas implicadas, descubriendo detalles que le harán reflexionar sobre la moralidad y la bondad del ser humano, aún cuando el espectador le ha visto cometer el crimen, la trama sabe mantener esa luz sobre un personaje al que se le mira con piedad y ternura.

“Nunca sabremos cual es la verdad”, esta frase define la película, pues no conocemos todos los datos que han llevado a un hombre a cometer un acto atroz, hasta la parte final del film, creando una ambigüedad en el espectador, quien al ir conociendo las piezas del puzzle, acaba juzgando y debatiendo internamente si hacer algo malo, por un buen motivo, es igual de malo o al estar absolutamente justificado, es perdonable, una muy interesante reflexión que cada uno deberá responder.

Masahary Fukuyama - Kôji Yakusho
Me parece muy interesante como trata los prejuicios, abordándolos con una preciosa fábula; un grupo de ciegos, se encuentran frente a un elefante. Tras mucho discutir, no pudieron ponerse de acuerdo sobre que era ese animal, pues uno le tocaba la trompa, otro la oreja, otro una pata, etc, nosotros solemos juzgar por lo que vemos, conociendo solo una pequeña parte de un ser humano, una parte pese a ser real, no tiene porque representar a la persona, toda una lección que deberíamos aprender.

Kore-eda, sin duda, el cineasta Japonés más importante del momento, capaz de introducirnos de lleno en una trama pese a su ritmo lento, con un inicio brillante y unos giros argumentales muy bien ideados desde un guion sin fisuras, creando una narración fluida, Kore-eda sabe lo que quiere y cómo conseguirlo rodando de una manera impecable, creando un cine con fondo y forma.

El fondo, una reflexión sobre la maldad humana, sobre seres humanos que juzgan a otros seres humanos, muchas veces erróneamente, a través de prejuicios y sobre un sistema judicial donde no siempre “la verdad nos hace libres”. La forma, a través de un diseño de producción sin artificios, logra unas imágenes de gran belleza, recordando al cine negro de los años 50, con planos cercanos, destacando ese contraste entre luces y sombras, muy alejado de sus grandes títulos “De tal padre tal hijo”, “Nuestra hermana pequeña” o “ Después de la tormenta”, donde prevalecía la luz natural.
 
Koreeda, es uno de esos directores que nunca falla, poniendo toda su pasión e ingenio, al servicio de este drama judicial, deleitándonos con un retrato perfecto del sistema judicial, atrapando de lleno al espectador pese a su ritmo lento, con una imágenes de bella factura, todo ello con la brillantez, agilidad y claridad, que nos tiene acostumbrados el maestro Kore-eda, quien incorpora a esta película todos los ingredientes del mejor cine clásico Japonés, a saber; tradición, sentimiento, emoción, dramatismo, relaciones familiares complejas, reflexión ,….. creando un cóctel de puro cine, ideal para degustar sorbo a sorbo, de aroma amargo deja en el paladar ese sabor dulce a buen cine.



          

LA LLAMADA




Director /Guión: Javier Ambrossi / Javier Calvo. Género: Comedia / Músical     País: España. Reparto: Macarena García, Anna Castillo, Belén Cuesta, Gracia Olayo,  Richard Collins-Moore, Secun de la Rosa. Duración: 108 min. Productora: Apache Films / Sábado Películas / RTVE / Distribución: DeAPlaneta. Fecha de Estreno en España: 29-09-2017


Segovia. Campamento cristiano “La Brújula”. Bernarda, una monja recién llegada, quiere salvar el campamento con su canción “Viviremos firmes en la fe”. La hermana Milagros, una joven con dudas, recuerda lo mucho que le gustaba Presuntos Implicados. Y María y Susana, dos adolescentes castigadas, tienen un grupo que se llama Suma Latina. Pero desde que Dios se le aparece a María una noche, todo está cambiando. Y es que a Dios le encanta Whitney Houston.


Tras cuatro años de éxito en el teatro Lara de Madrid, sus creadores Javier Calvo y Javier Ambrossi, más conocidos como "los javis", han decidido trasladar la obra "la llamada" al cine, dar ese paso no es nada fácil, pues son dos mundos con lenguajes muy diferentes, adaptándose al medio cinematográfico sin problemas.

Comedia musical con tonos dramáticos, así es la película "la llamada", tan fresca como divertida, sabe dibujar una sonrisa en el rostro del espectador, mientras sus pies no paran de moverse al compás de la música de Whitney Houston o Presuntos implicados, abordando el paso de adolescente a adulto con humor, gracia y soltura, llenando la sala de cine de energía positiva y buenrrollismo, cuyo punto fuerte sin duda son las grandes actuaciones de su cuarteto protagonista, Macarena García, Anna Castillo, Belén Cuesta y Gracia Olayo, en cuya química y buen hacer, se aposentan los cimientos de la película.

J. Calvo - Belén Cuesta - Anna Castillo - Gracia Olayo - Macarena García - J. Ambrossi - equipo LA LLAMADA
La trama nos introduce en la vida de dos adolescentes María Casado (Macarena García) y Susana Romero (Anna Castillo), de 17 años, que han ido a parar a un campamento femenino de verano al aire libre llamado "la brújula", dirigido por monjas, en la sierra de Madrid, allí pasan el fin de semana castigadas por haberse escapado la noche anterior, donde serán vigiladas por dos monjas: Milagros (Belén Cuesta), joven y manipulable, con dudas razonables sobre su fé, mientras la otra Bernarda (Gracia Olayo), es una monja clásica, carca, pero con buen corazón. Su convivencia cambia cuando a una de las niñas se le aparece Dios en sueños, cantándole canciones de Whitney Houston, a partir de ahí sus vidas cambiarán por completo.

Belén Cuesta - Anna del Castillo -La llamada
Los Javis, son más conocidos por su faceta de actores, actuando en las populares series "física o química" o "sin tetas no hay paraíso", tras dirigir la exitosa serie "Paquita Salas", ahora dan un paso más en su carrera haciendo su primera película, una ópera prima atrevida, pues se aposenta en un guión raro en su concepción, divertido en su desarrollo, con una puesta en escena simple, apuestan por planos medios y cortos, en una cinta sin más pretensiones que divertir al espectador, pues está exenta de moralina.

Este es un claro ejemplo del gran estado del cine español, atreviéndose con un género que parecía perdido en nuestro cine actual, pero que dio buenos títulos en el pasado como "sor citroen", aunque este título está más cerca de "sister act", cine musical con monjas llenas de vitalidad, modernas, de esas que se apuntan a un bombardeo, intentando influir en las nuevas generaciones.

Gracia Olayo - Belén Cuesta - La llamada
"Más fuerte es lo tuyo que te mola Dios", la película aborda con humor, un tema de gran trascendencia, el paso de adolescente a adulto, donde las jóvenes acaban descubriendo quiénes son y que quieren, dejando atrás a las adolescentes juerguistas.

"Se me está apareciendo un señor y desde que se aparece no soy la misma", eso mismo le pasa al espectador, pues la cinta es un chute de energía positiva, la película aborda desde la fé, un cambio vital, donde las jóvenes acaban encontrando su lugar en el mundo.

Esta película no sería nada sin el gran trabajo de las actrices que estan soberbias, Macarena Gracia,  te conquista con su sonrisa, el papel parece hecho a su medida, su actuación en "Palmeras en la nieve"(crítica) ya llamó mi atención, ahora se aposenta como uno de los grandes talentos jóvenes de nuestro país, Anna Castillo, ya nos deleito en "el olivo" (crítica), donde obtuvo un Goya como actriz revelación, está llena de desparpajo, vitalidad y un punto de locura juvenil, lo borda, Belén Cuesta, es la gracia el punto de humor, solo con oírla hablar ya dibujas una sonrisa en tu cara, simplemente genial, Gracía Olayo, es el contrapunto, intenta poner un punto de cordura, se cree muy moderna, pero está anclada en el pasado, todas ellas te conquistan por su verdad, emoción cariño , gracia y desparpajo, la película sin duda no sería lo mismo sin ellas.

Macarena García - La llamada 
"La llamada" es un canto a la vida, descarada, graciosa, arriesgada, luminosa, sorprendente y llena de desparpajo, donde sus protagonistas te conquistan desde el principio con sus diálogos llenos de humor, unido a su gran selección musical, nos hallamos ante un título que transmite alegría por los cuatro costados, seguramente por todo ello,  la sala de cine estaba repleta, sobretodo de gente joven, aunque lo que más me impacto fue el aplauso unánime de la misma, algo no muy habitual, así que felicidades al equipo, yo también me uní al aplauso unánime y tú ¿a qué esperas a hacerlo?.