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Buddy Movie o Buddy Film


Buddy film o Buddy movie, su traducción sería película de amigos, es aquella película que muestra la relación de amistad entre sus protagonistas como la principal relación en la trama, exaltando las virtudes de la camaradería masculina.
La relación entre los dos o eventualmente tres protagonistas es central en las Buddy movies. Ambos suelen tener personalidades marcadamente diferentes pero, al superar las adversidades que se plantean a lo largo de la trama, forjan y fortalecen una amistad y se genera entre ellos una relación de respeto mutuo.
Los Buddy films suelen aparecer hibridados con otros géneros, principalmente, thrillers, road movies, westerns, comedias o películas de acción. La importancia de este último género en las buddy movies de 1980 en adelante, dio lugar a un subgénero conocido como películas "Buddy-cop", en las cuales los protagonistas son dos policías, detectives o bien tienen como objetivo común combatir el crimen. 
Los ejemplos de buddy movies más conocidos son "Arma letal", "Límite 48horas", "Tango y Cash", "El último boy Scout", "Men in black", "Superdetective en Hollywood",....... son algunos ejemplos.

SET PIECE

En la producción de la película , una set piece es una escena o secuencia de escenas, una "mini película", cuya ejecución requiere una planificación logística meticulosa y un gasto considerable de dinero. Puede ser usada como prólogo de una película que funcione casi "independientemente" del resto del film, aunque en realidad, ayudan a definir o sustentar la trama,  ésta tiene una gran importancia por sí misma, debe ser memorable por su planificación, desarrollo y final, tan impresionantes que se recuerden por sí mismas.
Cada acción requiere los esfuerzos combinados de los diferentes departamentos: constructores escenarios,  efectos físicos y efectos visuales especiales.
El bombardeo final de GERNIKA, es una set piece magistral


DISEÑO DE PRODUCCIÓN

Diseño Producción-Imitation Game
Entre las distintas labores que requiere la realización de una película, una de las más importantes es el diseño de producción pues es quien decide, el aspecto que deben tener los escenarios en los que se desarrolla la acción, ya sean fabricados (decorados) o previamente existentes (localizaciones). Trabajando en estrecha relación con el director, toma todas las decisiones sobre la forma, el color y el estilo plástico de la película, osea su atmósfera.
Habitualmente, esta figura sólo es necesaria en producciones de gran envergadura y en las que trabajan varios equipos dedicados a la escenografía, cada uno encabezado por su respectivo director artístico, ya que se trata de quien los coordina, para ser fieles a la estética general previamente acordada.
Diseño Producción- Mr. Turner
No es extraño que incluso conocedores del medio confundan su función con la del director artístico, dado que éste la ejerce en producciones más modestas. Cuando ambos cargos participan en un proyecto, el director artístico con ayuda de su equipo y siempre de acuerdo con el director de fotografía y el departamento de vestuario sobre todo,  llevan a cabo las ideas del diseñador de producción.
Así pues, puede decirse que, en estos casos, la tarea fundamental del diseñador de producción es previa a la del director artístico y consiste en planear, por medio de bocetos ilustrativos, dibujos detallados o storyboards, lo que el segundo tendrá que realizar en la práctica durante el rodaje.
LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ
El término nace en Estados Unidos, el primer diseñador de producción es el polaco Anton Grot, que se instala en Hollywood hacia 1909, aunque la denominación figura por primera vez en los créditos de "Lo que el viento se llevó" (Victor Fleming, 1939) para reconocer la labor de William Cameron Menzies.

El diseño de producción es el tipo de tarea que el espectador común suele pasar por alto y sin embargo es la que determina el contenido visual de la película y de ella depende la que realizan los decoradores, diseñadores de vestuario o encargados del atrezzo y los efectos especiales con el fin de ayudar al director a conseguir el ambiente idóneo para la historia que narra.

SPIN-OFF


Spin-off, es un término anglosajón que se refiere a un proyecto nacido como extensión de otro anterior. En el caso del cine, se trataría de una película donde la idea o alguno de sus personajes están creados a raíz de un título anterior.

Últimamente está siendo muy habitual tanto en las series de televisión, como en el cine, practicar el arte del spin off, ese que consiste en convertir a un personaje secundario de un filme de éxito en protagonista de su propia película, como ocurre ahora con El gato con botas.

Uno de estos spin offs en el cine es el de Lobezno, que se emancipó de los X-Men, siendo Hugh Jackman el encargado de recuperar, con mucho éxito por cierto, una de las primeras piedras que fundaron su status de sexy symbol. Otro spin off de películas basada en cómic fue el de la Elektra de Jennifer Garner, nacida en la película Daredevil protagonizada por Ben Affleck.

En la famosísima saga de Star Wars, ni Han Solo, ni Leia ni Luke Skywalker tuvieron su propia película, pero sí los peludos Ewoks, que protagonizaron un telefilme y una serie animada, que recuerdos aquellos , en navidades del 2016, se espera un spin-off de Star Wars denominada “Rogue One: una historia de Star Wars”, Cuenta la historia de un grupo de rebeldes de la resistencia que se unen para la difícil misión de robar los planos de los que se hablaba en la primera película de 1977, por lo tanto , la acción se sitúa, entre los episodios III y IV.


Sin ir muy lejos la actual CREED, no deja de ser un spin-off de ROCKY, o el mismisimo DEADPOOL, un spin-off de X-men.

Si desconoces algún concepto o palabra cinematográfica, coméntamelo y te lo explicare en esta sección,  GLOSARIODE CINE. 

MCGUFFIN


Es el elemento fundamental en la trama pero que nunca se ve o solo se nombra, pero es de vital importancia pues desencadena y guía la acción. El mcguffin es una información importante, pero insignificante a la vez, porque no se dan detalles de ella.
Hitchcock , acuño el término, contó a Truffaut que en Con la muerte en los talones todo giraba en torno a la “importación-exportación de secretos de Estado”, pero nunca se explica cuáles son ni qué supondría su revelación.
Las películas de Alfred Hitchock son, lógicamente, claros ejemplos de Mcguffins, siempre con la premisa de que el protagonista es una persona común y corriente que se ve involucrado en una situación por causa de algún elemento que puede no aparecer nunca en la pantalla:
·        En 39 escalones el protagonista encuentra a un conocido moribundo, quien le recita "39 escalones" antes de expirar. La policía lo confunde con un espía y para demostrar su inocencia debe descifrar el significado de la frase.
·    En Psicosis, toda la trama inicial donde una mujer huye con dinero robado se corta abruptamente antes de la media hora de metraje, al final resulta ser irrelevante en el argumento verdadero pero introduce, precisamente, a un estado de sorpresa permanente.


Otro ejemplo claro de mcguffin en el cine moderno, es la maletín que llevan los protagonistas de Pulp Fiction, en la que no vemos el contenido, pero es el pretexto que guía toda la película.

 Hace poco en la película CUT BANK, el mcguffin es un paquete de correo extrabiado, la trama se desarrolla en torno a él y en que habrá dentro, un thriller magnífico que recomiendo no te pierdas .

DOGMA



Dogma 95 , más conocido en castellano como Dogma, fue un movimiento fílmico vanguardista iniciado en 1995 por los directores daneses Lars von Trier y Thomas Vinterberg, quienes crearon el "Manifiesto del Dogma 95" y el "Voto de Castidad”, unas reglas para hacer cine cuyos puntos fuertes eran la historia, la actuación y el tema,  excluyendo el uso de elaborado efectos especiales o tecnología. Más tarde, se unieron los daneses Kristian Levring y Soren Kragh-Jacobsen, formando el Colectivo Dogma 95 o los Hermanos Dogma. El movimiento cayó en 2005 debido a la imprecisión de ciertas reglas del Voto de Castidad.
El género ganó popularidad internacional debido, parcialmente, a su accesibilidad. Despertó interés en cineastas desconocidos al sugerir que uno puede realizar una película de calidad, sin depender de grandes presupuestos como los hollywoodienses. Los directores utilizan los subsidios de gobiernos europeos y la financiación de los canales de televisión en su lugar. Dogma era el intento más audaz y conocido de reinventar el cine.
Ellos creen, que este enfoque, puede atraer a la audiencia, ya que no están alienados o distraídos por la sobreproducción. Con este fin, Lars von Trier y Thomas Vinterberg establecieron diez reglas que cualquier película Dogma debería cumplir. Estas normas, conocidas como el "Voto de Castidad," son los siguientes:
1.   Los rodajes tienen que llevarse a cabo en locaciones reales. No se puede decorar ni crear un "set". Si un artículo u objeto es necesario para el desarrollo de la historia, se debe buscar una locación donde estén los objetos necesarios.
2.   El sonido no puede ser mezclado separadamente de las imágenes o viceversa (la música no debe ser usada, a menos que esta sea grabada en el mismo lugar donde la escena está siendo rodada).
3.   Se rodará cámara en mano. Cualquier movimiento o inmovilidad debido a la mano está permitido. (La película no debe tener lugar donde esté la cámara, el rodaje debe tener lugar donde la película tiene lugar).
4.   La película tiene que ser en color. Luz especial o artificial no está permitida (si la luz no alcanza para rodar una determinada escena, ésta debe ser eliminada o, en rigor, se le puede enchufar un foco simple a la cámara).
5.   Se prohíben los efectos ópticos y los filtros.
6.   La película no puede tener una acción o desarrollo superficial (no pueden mostrarse armas ni pueden ocurrir crímenes en la historia).
7.   Se prohíbe la alienación temporal o espacial. (Esto es para corroborar que la película tiene lugar aquí y ahora).
8.   No se aceptan películas de género.
9.   El formato de la película debe ser el Académico de 35mm (1:1.85)
10. El director no debe aparecer en los títulos de crédito.

Se grabaron más de 300 películas con esas características. No obstante, muchas de ellas, no cumplían exactamente las normas que se debían seguir según el estricto manifiesto. Era difícil controlar que un director no abriese una ventana, para alterar la luminosidad de la escena, la corriente requería un compromiso moral y no todos estaban dispuestos a aceptarlo, por tales motivos, en 2002 el secretariado del Dogma 95 decidió poner fin a la misma.

Thomas Vinterberg-Lars Von Trier

PLANO SECUENCIA

Un plano secuencia es, en el cine y la televisión, una técnica de planificación de rodaje que consiste en la realización de una toma sin cortes durante un tiempo bastante dilatado, pudiendo usar travellings y diferentes tamaños de planos y ángulos en el seguimiento de los personajes o en la exposición de un escenario.
Se puede utilizar para un efecto dramático y narrativo si se hace correctamente, y en tomas en movimiento a menudo se logra mediante el uso de una plataforma rodante o una Steadicam.
Este procedimiento no se usa habitualmente debido al gran número de elementos que deben coordinarse (actores, cámara, iluminación, etc.), debiendo iniciarse de nuevo desde el principio si algunos de ellos falla. Por este mismo motivo resulta más costoso que una planificación más fragmentada.
Los efectos buscados proporcionar dinamismo a una escena, seguir la acción o descubrir un lugar como lo hace el héroe (identificación), penetrar un universo, presentar la simultaneidad de escenas adyacentes,  mostrar la acción en tiempo real.
El plano secuencia a menudo es difícil de dominar, sobre todo en movimientos de cámara y de actores, ya que hay que estudiar el campo de la cámara (momento en el que los actores entran y salen del campo, los accesorios como los micros y proyectores no se tienen que ver...). De ahí la necesidad de repetirlo antes, para que todos los que intervienen (actores y técnicos) estén de acuerdo.
El plano secuencia más largo en el cine recae en la película El arca rusa, del director Aleksandr Sokurov. La película está grabada en un único plano secuencial de 99 minutos y no está editada. Se emplearon 2000 actores y figurantes, y fue necesario hacer un total de 4 intentos hasta conseguir la secuencia perfecta.
Al filmar La soga (1948), Alfred Hitchcock pretendía que la película tuviera el efecto de una toma larga contínua, pero las cámaras disponibles no podían contener más de 1000 pies de película de 35 mm. Como resultado, cada toma usaba hasta un rollo completo de película y duraba hasta 10 minutos. Muchas tomas terminan con un travelling a una superficie sin rasgos distintivos (como la espalda de la chaqueta de un personaje), con la siguiente toma empezando en el mismo punto usando el zoom inverso. Toda la película se compone de sólo 11 tomas.
GRANDES PLANOS SECUENCIA DE LA HISTORIA DEL CINE  DISFRUTALOS 


           

CROWDFUNDING

Micromecenazgo (en inglés crowdfunding), también denominado micromecenaje, financiación en masa mediante una suscripción, cuestación popular, financiación colectiva es la cooperación colectiva llevada a cabo por personas que realizan una red para conseguir dinero u otros recursos.
En términos generales, el micromecenaje consiste en la difusión pública, por parte de la persona que busca financiamiento, de la causa o negocio por el que lucha, y la financiación mancomunada por parte de prestamistas independientes que simplemente simpatizan con la causa, o persiguen un crédito ofrecido por el prestatario. Dado que gran parte del éxito de esta forma de financiación descansa en la publicidad que se da al proyecto, las plataformas de financiación colectiva más importantes en la actualidad tienen soporte en la Internet, por su alcance multitudinario y su bajo costo comparativo.
El micromecenaje puede ser usado para muchos propósitos, desde artistas buscando apoyo de sus seguidores, campañas políticas, financiación de deudas, vivienda, escuelas, dispensarios y hasta el nacimiento de compañías o pequeños negocios.
El uso del método del micromecenaje en la industria cinematográfica se remonta al año 2004, cuando los productores franceses Guillaume Colboc y Pommmeraud Benjamin lanzaron una campaña de donaciones por internet para financiar su película Demain la Veille (Lugar para ayer). En tan solo 3 semanas lograron una financiación de aproximadamente 60.000 euros lo que les permitió rodar su película. 


En España uno de los casos más conocido del uso de la financiación en masa es el de la financiación del largometraje El Cosmonauta que fue la primera película española que utilizó este método de financiación con donaciones de los usuarios desde 2 euros y que obtenían como recompensa aparecer en los créditos de la película. Otro ejemplo es el mediometraje Los amores difíciles de la ganadora de un Goya Lucina Gil que financió parte de la película gracias a la aportación de inversores de la primera empresa de micromecenazgo española. Este primer proyecto cultural español en ser financiado mediante micromecenazgo ha sido elegido como candidata a los Goya 2013. Candidata a los Goya 2013 En Latinoamérica uno de los primeros casos es el documental creativo Durazno (film), que además fue producido ecológicamente.

Recordad que hace poco te hice participe del Crowdfunding de la película LA RUSA, son las fotos que te estoy poniendo, por desgracia no consigieron el objetivo en este primer intento.

FOUND FOOTAGE

El Founf Footage, metraje encontrado (o falso documental) es ungénero cinematográfico donde las imágenes que se ven en pantalla son grabadas, en teoría, por los personajes del propio filme mediante una cámara en primera persona,  para darle más realismo se suelen usar movimientos inestables o vertiginosos, hasta ahora se ha empleado mayoritariamente para meternos miedo en el cuerpo. 

El género tiene orígenes de las películas experimentales y vanguardistas, siendo su precusora  Holocausto Caníbal (1980) , estableciéndose más tarde con películas como El proyecto de la Bruja de Blair (1999) , Rec (2008) o Paranormal Activity (2007) 

Es importante recalcar que la película no se muestra en primera persona real; lo que ve el espectador es una grabación realizada, en teoría, por los protagonistas, no se pretende simular que las imágenes correspondan siempre a la visión del personaje, si bien en muchas ocasiones coinciden. 
   
El nombre viene dado por la presentación de su título queda obviada y va directamente a una advertencia indicando que la película fue "encontrada" por cierta entidad gubernamental o es usada como material artístico e histórico. De allí proviene el término "metraje encontrado". 

En la mayoría de las películas de metraje encontrado existe un elemento visual llamado «cámara no estabilizada», donde la imagen no encaja adecuadamente y capta giros vertiginosos, dificultando la visión de una escena o panorama. La película Cloverfield de Matt Reeves es un claro ejemplo del excesivo uso de este efecto. 

Este año 2015 lo hemos podido disfrutar en películas como Project Almanach (ciencia ficción) o La Horca (terror). 

Holocausto Caníbal, tan descarado como sólo podía serlo un director italiano de serie B,Ruggero Deodato nos hizo creer que esta exhibición de atrocidades en la jungla (causado por un equipo de rodaje tirando a lo psicótico) era una historia real. Pero la jugada le salió demasiado bien: el filme causó una gran polémica, y se le llevó a los tribunales acusado de asesinato. 

El Proyecto de la Bruja de Blair, si algo demostró este filme de Daniel Myrick y Eduardo Sanchez es que, con un mínimo de recursos y una buena campaña, se puede conseguir una película de terror escalofriante y una de las películas más rentables de su historia, invirtieron 60.000$ y recaudó 250 millones$ en todo el mundo Ahora, El proyecto… puede parecernos poco terrorífica y nada original, pero en su día sentó las bases estéticas del found footage, lo que vemos en pantalla es el material supuestamente rodado por los chavales. Gritos, carreras por el bosque, presencias inquietantes, respiraciones agitadas, imágenes movidas y borrosas... 

            


            



Rec, no podía faltar la saga escrita y dirigida por Jaume Balagueró y Paco Plaza, por méritos propios reventó la taquilla nacional en el 2007, donde una joven reportera de televisión acudía con una cámara a cubrir los extraños incidentes ocurridos en un oscuro edificio de Barcelona,  “¡Hay que grabarlo todo!”, el grito de guerra de esta franquicia patria, se repitió en una digna secuela (2009), una tercera entrega ([REC] 3: Génesis). La historia concluirá con [REC] Apocalipsis. 

           

Paranormal Activity ,cuatro películas en cinco años es un dato que habla del enorme éxito de la franquicia creada por el israelí Oren Peli. Se dice que el mismísimo Steven Spielberg le sugirió el final de la primera parte. Quizá, pero lo que sí es seguro es que la cinta encontró la gallina de los huevos de oro del found footage. La historia, conocida por todos, describe la historia de un matrimonio que por las noches es acosado por una presencia demoníaca. Las entregas posteriores han ampliado el arco argumental, pero la premisa sigue siendo la misma: una cama, una cámara de vídeo y la sombra de un espíritu que acecha en la oscuridad.