AHORA SÍ,ANTES NO





Un  director  de  cine  independiente  llega  a  su  destino  un  día  antes  por  error. Aprovechando el exceso de tiempo libre, entra en un palacio restaurado donde conoce a una joven artista, con la que pasa el resto del día: visitando su estudio, conociendo su  obra,  cenando,  tomando  algo  juntos…  hasta  que  ella  plantea  una  pregunta  cuya respuesta  lo  cambia  todo.  Es  probable  que  si  el  día  volviera  a  comenzar  ambos  se comportarían de forma diferente, pero eso ya no se podrá saber ¿o tal vez sí?

   



Con una carta de presentación inmejorable, galardonada como mejor película en el Festival de Gijón y Locarno, se estrena la última película del cineasta Coreano Hong Sang-Soo "Ahora sí, antes no", una visión serena y tranquila de la vida cotidiana, sobre la importancia de las pequeñas cosas de la vida, una historia de amor contada dos veces, con sutiles variaciones, sencilla en su puesta en escena pero compleja en su discurso, una pequeña joya para ser degustada con tranquilidad, con paciencia ,como el café que toman sus protagonistas, sorbo a sorbo, dejando un dulce sabor en el paladar del espectador, con aroma a buen cine.



La cinta nos presenta a Ham Cheonsoo (Jeong Jaeyeong), un director de cine independiente, por error llega un día antes a la ciudad de Suwon, para asistir a una conferencia previa a la proyección de su película. Sin nada que hacer decide conocer la ciudad, al visitar un templo, conoce a una bella joven, Yon (Kim Minhee) una ex modelo que desea ser artista, deseoso de conocerla, la invita a tomar una café, entablando tal amistad, que acaban pasando el día juntos. Si el día comenzase de nuevo, ¿te comportarías igual?, ¿harías y dirías lo mismo?, preguntas que el director coreano intenta responder con sutileza en este sereno drama romántico.

La película posee todas las características del director Hong Sang-Soo, a saber: el amor fugaz como tema principal, voracidad e individualidad creativa, el cine como telón de fondo y unos personajes a los que conoce bien, el director de cine, el estudiante de cine, el crítico, el artista,.....Hong Sang-Soo se siente cómodo hablando de lo que conoce, haciendo el cine que quiere y como quiere, un retratista de lo íntimo y cotidiano, domina el ritmo narrativo a su antojo ralentizando el tiempo, eternizando sus largas, íntimas y sensibles secuencias muy bien coreografiadas, lleno de diálogos hilarantes y cotidianos ,cine hecho con el corazón, cine honesto, cine de autor con MAYÚSCULAS.



El director fiel a un pequeño equipo, mucha ilusión, sin necesidad de artificios y un presupuesto modesto (100.000 $) cuya mitad la destina a promoción (que aprenda el cine español), es capaz de hacer una película que llegará al público, por su sencillez, por el sinfín de emociones que despierta, pero sobre todo por su mensaje, toda una lección de vida.

La película es directa, irónica, sensible, sorprendente, sólida, inteligente, luminosa ,serena e imaginativa, dividida en dos mediometrajes, que se duplican, a simple vista parecen iguales, pero se diferencian por pequeños detalles, por las distintas actitudes, por las expresiones de sus personajes, sus entonaciones, un precioso díptico cinematográfico lleno de color y luminosidad, que nos enseña como es el subconsciente humano, cuyas decisiones pueden cambiar el rumbo de nuestra vida.

En la primera parte, el personaje masculino es condescendiente, no desea quedar mal, habla con el corazón pero no lo abre del todo, esconde su verdad, intenta quedar bien,......En su segunda parte, se dan los momentos más brillantes del film, el protagonista masculino se desnuda sentimental y físicamente, abre su corazón , expone sus sentimientos, explica sus situación personal, es sincero,....... gracias a esta nueva actitud las consecuencias para él son mucho mejores, radicalmente diferentes, como dije antes toda una lección de vida.



"Si estas borracho, no es divertido",  película interpretada con maestría por Jung Jaeyoung (Ham Cheonsoo) y Kim Minhee (Yoon Heejeong), ambos llenan de verdad, sinceridad y alegría la pantalla, no es de extrañar que Jung haya obtenido tres premios por su labor en esta película, sus escenas ebrias son memorables, realmente parece estar bebido, su labor tb es más compleja por el cambio de actitud, mientras ella es más sutil, solo se va amoldando a la actitud de su compañero, ambos brillan y llevan a buen puerto esta cinta.

Deseo destacar la escena en el interior del cine, con una iluminación intimista y el sonido de la música de la anterior película de Hong Sang-Soo de fondo, nos adentramos en una secuencia sincera, honesta, donde sus protagonistas muestran más con sus gestos y silencios que por lo que realmente dicen, que amarga es una despedida.


La película toca temas como la amistad, la soledad, la sinceridad, pero sobretodo el amor, el amor verdadero, el amor a primera vista, pues nuestros protagonistas se enamoran rápido del otro, mostrándonos que el amor es el motor del mundo, algo hermoso, tan difícil de conseguir como de mantener, en una vida con tantas dificultades y problemas, pero si tienes la suerte de encontrar a alguien que te ame de verdad, todos los problemas tienen mejor solución, la película nos muestra los diferentes caminos a tomar para conseguir el corazón de la mujer amada, sencillamente BRILLANTE.

"Ahora sí, antes no", es un ejercicio de reflexión sobre la vida y las relaciones amorosas, gracias a la mirada sensible de su director Hong Sang-Soo, obtenemos un título sereno y cotidiano, capaz de cautivar al espectador desde el principio por estar lleno de verdad, frescura y naturalidad, dejando un buen sabor de boca al espectador que una vez vista seguro hará como yo, APLAUDIR.



  

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LA VENGANZA DE JANE


Una mujer de armas tomar, decide coger las riendas de su vida.


Título: La venganza de Jane. Título Original: Jane got a gun. Dirigida: Gavin O´Connor. Guión: Brian Duffield, Joel Edgerton y Anthony Tambakis. Género: Western. País: USA. Año: 2016. Reparto: Natalie Portman (Jane Hammond), Joel Edgerton (Dan Frost), Noah Emmerich (Bill Hammond), Ewan McGregor (John Bishop), Rodrigo Santoro (Fitchum), Boyd Holdbrok (Vic Bishop). Fotografía: Mandy Walker. Música: Marcello de Francisci, Lisa Gerrard. Distribuidora: A Contracorriente Films. Presupuesto: 25 millones Dólares.

   
Después de que su marido vuelva a casa con ocho balas en el cuerpo y apenas con vida, Jane contacta a regañadientes con su ex amante que no ha visto en más de diez años para que la ayude a defender su granja del grupo de forajidos que persigue a su marido.


Hasta hace unos años, el western era un género en decadencia, pero el éxito en taquilla de películas como "Django desencadenado" recaudando  más de 400 millones, ha hecho resurgir el género que últimamente nos está dando títulos memorables como "deuda dehonor",  "Bone tomahawk" , "los odiosos ocho" o  "thesalvation" .

Llega a nuestras pantallas una nueva propuesta épica y romántica, "la venganza de Jane", un western con un tono sombrío y sereno, enmarcado en el durísimo ambiente del final de la guerra de secesión, una venganza pura y dura a cargo de una mujer, cosa poco habitual en un género cargado de testosterona, donde el hombre era el absoluto protagonista, hasta que Jane cogió su fusil, para defenderlo que más quería, su familia.

Narra la historia de Jane Hammond (Natalie Portman) que lleva una vida sencilla en las llanuras del Oeste alejada de todo junto a su marido Bill "Ham" Hamond (Noah Emmerich) y su hija pequeña Kate (Maissie Mc Master). Pero esa vida se verá truncada cuando un día, su marido, llega a casa con la espalda llena de balazos a consecuencia de un violento enfrentamiento con un criminal llamado John Bishop (Ewan McGregor) y su banda, desde ese momento Jane deberá acudir a su traumático pasado para hacer frente al presente, pues necesitada de ayuda para defender su hogar del mal que se le avecina, decide pedir ayuda a Dan Frost (Joel Edgerton), un veterano de la guerra de sucesión que en su día fue el prometido de Jane.


Dirigida por Gavin O´Connor que llamo la atención del gran público con "Tumbleweeds" (1999) , proporcionándole el trampolín a las grandes producciones como "El milagro" (2004) de Disney cuenta como se creó el equipo americano de hockey que venció al invencible equipo soviético, "cuestión de honor", un drama policíaco con Edward Norton, Colin Farrell y Noah Emmerich  y la muy alabada "Warrior" (2011), un drama ambientado en el mundo de las artes marciales mixtas con Joel Edgerton, Tom Hardy, Nick Nolte, Jennifer Morrison y Noah Emmerich.

Gavin O´Connor es un director evocado al drama y que confía mucho en un grupo de actores, con los que trabaja a menudo, como Noah Emmerich y Joel Edgerton, que repiten en este western, dotado de su dureza habitual, pero endulzándolo con un tono romántico, un triángulo amoroso, cuyos lazos pasionales se entremezclan con una venganza brutal, muy bien ambientada, en el árido, inhóspito, salvaje y oscuro oeste.

Un western de personajes sostenido tanto por su trabajado tono triste como por sus actores empezando por Natalie Portman, en un papel inusual, encarna a una mujer dura, determinada, cuyo corazón se divide entre dos hombres que la actriz dota de fuerza, dulzura y vulnerabilidad, Noah Emerich, su marido actual que la salvó de un destino fatal, cuyo trabajo de contención es de una gran solvencia y Joel Edgerton su ex-prometido al que ella daba por muerto durante la guerra, un actor prolífico capaz de afrontar cualquier reto con maestría, dota a su personaje de valor, coraje, serenidad, capaz de sacrificar su vida por salvar la de la mujer amada, todos ellos se deberán enfrentar a un irreconocible Ewan Mc Gregor, en un papel de malvado que le va como anillo al dedo, todos ellos llenan de matices unas grandes interpretaciones que sacan a flote la película.


"Llevo huyendo toda la vida, esto nunca va a acabar",  Jane decide coger las riendas de su vida en un momento convulso, para alcanzar la paz y el sosiego que su familia necesita, decide dejar de huir, empezar a luchar enfrentándose al pasado y al presente a la vez, donde su instinto de protección va más allá finalizando en una venganza.

"No necesito un médico, necesito un pistolero", así es como Jane pide ayuda a Dan cuyos vínculos vas descubriendo a base de Flashbacks, conocido  su historia personal, así como los lazos de amor-odio, con el resto de personajes, todos ellos muy bien dibujados gracias al guión de Brian Duffield (creador de la serie Divergente: Insurgente) ayudado por el propio Joel Edgerton.

A destacar dos escenas de gran contundencia, la primera "Ham" abriéndose paso a balazos por el burdel para sacar a Jane de él, sembrando la semilla del odio con el malvado John Bishop,  la segunda la explosiva defensa final de su hogar enfrentándose a toda la banda de Bishop en un final de ritmo trepidante.

La venganza de Jane, es un western típico, una venganza, eso sí a manos de una mujer, cuyo triste pasado y agónico presente, llena la pantalla de un tono triste y oscuro muy bien reflejado tanto en su fotografía como en su ambientación, cuyos personajes llevan el peso de un film que hará las delicias de los amantes del western, un género, espero se consolide en la industria del cine durante mucho tiempo.
  

  

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MAYO DE 1940




Título: Mayo de 1940. Título Original: En mai, fais ce qu'il te plaît. Año: 2015. Duración : 114 min. País: Francia. Diección: Christian Carion. Género: Drama, Nazismo, II Guerra Mundial. Guión: Andrew Bamfield, Christian Carion, Laure Irrmann. Música: Enio Morricone. Reparto: August Diehl, Olivier Gourmet, Mathilde Seigner, Alice Isaaz, Mathew Rhys, Joshio Marion, Thomas Schmauser, Laurent Gerra, Jacqes Bonnaffé. Producción: Nord Ouest, Pathé. Distribución: Golem Films. 


La trama nos traslada a mayo de 1940. Huyendo de la invasión alemana, los habitantes de un pueblecito del norte de Francia toman la carretera, como hacen millones de franceses. Se llevan al éxodo a un niño alemán cuyo padre, un opositor al régimen nazi, ha sido encarcelado en la ciudad de Arras por haber mentido acerca de su nacionalidad. Liberado en el caos que sigue a la invasión, sale a buscar a su hijo acompañado por un soldado escocés que intenta volver a casa...


El cine ha retratado la II Guerra Mundial, desde todos sus puntos de vista, desde el desembarco de Normandía, que tan bien reflejo Spielberg, hasta sus épicas contiendas como, "la batalla de las Ardenas", "Stalingrado", incluso mostró como se decidió el exterminio en "la decisión final", dando paso a la creación de los campos de exterminio como Auschwitz, donde la crueldad se llevo al extremo, "hijos de Saúl", incluso hemos conocido las historias de héroes anónimos como Oscar Schindler, es más hace poco hemos visto como los alemanes se abastecían de wolframio desde las minas gallegas, en el film "lobos sucios"..........la lista es realmente larga, parece que innovar en este campo es casi imposible.

Llega a nuestras pantallas, una nueva historia de la contienda, gracias a "Mayo de 1940", una trama no retratada con anterioridad, contando el éxodo de 8 millones de Franceses, llevándose todo lo que pudieron, ante el avance del ejército alemán, que tomó Francia en apenas 45 días, cinta que sin querer posee cierto paralelismo con nuestra cruda realidad actual.


La historia narra varios temas paralelos, que a medida avanza la trama convergen: Por un lado narra la historia de un resistente alemán Hans (August Diehl) y su hijo (Joshio Marlon), deciden huir a Francia donde esperan encontrar refugio y tranquilidad, en la pequeña ciudad de Arras. Para su desgracia estalla la guerra, truncando esa tranquilidad anhelada, en ese momento, Hans es encarcelado, por haber mentido sobre su nacionalidad, mientras su hijo queda bajo la tutela de la maestra Suzanne (Alice Isaaz), con la que empieza el éxodo, junto al resto del pueblo, sus caminos se separan, pero ¿podrán reencontrase en medio del caos padre e hijo?.

Su director, el francés Christian Carion, especialmente interesado en la representación de hechos históricos, se siente cómodo narrando las historias que conoce, pues sus cuatro películas también tienen que ver con la historia de su familia y su historia personal, desde su primer título "La chica de París" (2001), un homenaje a sus orígenes campestres o "Feliz navidad" (2005), donde empieza su idilio con el conflicto bélico, en este caso la I Guerra Mundial, dos años después rodó "el caso farewell" (2007), un thriller de espionaje basado en hechos reales coprotagonizado por Emir Kusturica, cinta muy galardonada, muy bien recibida tanto por crítica como por el público, parece que todas ellas confluyen en "Mayo de 1940" su cuarta película, acaba siendo un regalo a su madre por su 90 aniversario, aunque basada en hechos reales ,el propio testimonio de su madre, que participo de los hechos, fue crucial para llevar a la pantalla esta historia, de desconfianza, esperanza, coraje, heroísmo, hambre, frío, nostalgia y amor, que tan bien retrata el director francés.

Perfectamente documentada, Christian Carion, construye este drama bélico coral, con gran sensibilidad, llena de verdad una historia, absolutamente creíble, cuya fuerza reside en su sencillez y en la claridad de su relato, convirtiéndose en una historia conmovedora.


Para ello, se ayuda del plano/contraplano, donde las acciones paralelas van alternándose, a la vez que se alterna el tono del film, a veces sombrío, otras cómico, manteniendo en vilo al espectador, que le interesa todo lo que ve, tanto contenido, como forma, gracias a un ritmo dinámico, que no deja ni un momento de respiro al espectador.

El título engancha desde su brillante y duro principio, hasta su final, haciéndolo sin tomar partido, no hay malos ni buenos, solo participantes de la contienda, no es una cinta bélica, sino ambientada en la guerra, narrando los hechos tal y como ocurrieron, con toda su dureza, sin necesidad de edulcorar, centrándose en una historia muy humana, que llena de tristeza la pantalla y de lágrimas los ojos del espectador, al menos conmigo lo consiguió.

Una oda a la vista, por sus hermosos paisajes de fondo, donde los colores tierra predominan, un drama luminoso, desarrollado a plena luz del día ,cosa rara pues los dramas son tristes, oscuros, en su ambientación, para acompañar la historia.


Su música de fondo, pone la piel de gallina, creada por el genio italiano Enio Morricone, cuya inspiración parece inagotable, compone una banda sonora, absolutamente protagonista de la trama, por su lirismo, su fuerza y sobretodo su gran sensibilidad, cuyos temas conmueven, pues llenan de emoción, melancolía, drama y tristeza, las bellas imágenes del film, cuyo fin es animar la marcha lenta del convoy, lográndolo, con unos toques de piano amenizados por la dulzura de los violines, en una travesía hacia la esperanza, hacia una nueva vida.

Deseo destacar dos secuencias de impecable ejecución: La primera el ataque aéreo a una caravana de gente que huye del horror y la segunda el paso de los panzers alemanes por un campo de trigo, dejando unas extrañas marcas en la tierra, pasando a ambos lados del convoy, cuyo mensaje del director es bien claro, la guerra deja huella en todos sus participantes.

Mayo de 1940, es un western moderno, una caravana en vez de compuesta por carretas, la componen coches, en vez de cruzar zonas áridas y desérticas cruzan carreteras rodeadas por hermosos paisajes verdes, un título que disfrutas durante todo su visionado, por sus bellas imágenes, por su música, por su ambientación, por sus actuaciones, por su historia cautivadora.......... una película absolutamente cuidada en todos sus aspectos, arte en movimiento, cine MAYÚSCULO, seguro te dejará una profunda huella.


   


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MULHOLLAND DRIVE



MULLHOLAND DRIVE:  El difícil despertar de un sueño hermoso


"La vida es sueño y los sueños, sueños son", este refrán definiría a la perfección la filmografía de David Lynch, incluyendo "Mullholand Drive" que el mismo director definió así, "mullholand Drive, la sensualidad de un laberinto", no deja de ser un extraordinario viaje por la mente humana, un hermoso y curioso laberinto, en el que David se siente muy cómodo, aunque ambas definiciones me parecerían acertadas, yo lo haría así, "Que difícil es despertar de un sueño tan hermoso".

SINOPSIS:
Pretender elaborar una sinopsis de esta película, es una batalla casi perdida, tanto por su complejidad, como por mi afán de no contarte nada y  la disfrutes en su plenitud cuando la veas, aún así voy a intentarlo, sería algo así.
Una misteriosa mujer morena, sufre un accidente de coche, antes de ser asesinada, tras el mismo, presa de una amnesia, se refugia en la casa de una aspirante a estrella de Hollywood, rubia y de ojos azules, recién llegada a Los Ángeles. Entre ambas surgirá primero una profunda amistad que dará pie a algo más, dicha amistad se verá truncada cuando ambas acuden a un teatro y son testigos del espectáculo.
Dicho resumen dice más bien poco, en comparación con las sensaciones ilimitadas que transmite una película hipnótica, creando un puzle incompleto cuyos huecos debe completar el espectador, enriqueciendo una película compleja, pero cuando logras entenderla y encajar todas las piezas te das cuenta que has asistido a una obra maestra, obteniendo un auténtico orgasmo visual y emocional.


DAVID LYNCH: UN CINE MUY PERSONAL, ESTILO ANTES QUE FONDO
Solo un genio como el director David Lynch es capaz de hipnotizar y cautivar a partes iguales, tanto por su belleza estética, como por la inteligencia de la propuesta, estamos ante un director, donde lo que cuenta es menos importante que el cómo lo cuenta, por eso, la manera de contar esta historia inexistente, me parece sencillamente magistral.

Su estética recoge espacios oscuros, minimalistas, estos me recuerdan a la puesta en escena teatral, creando todo un universo tan anormal como hermoso, con el que descubrimos nuevas dimensiones dentro del 7º arte.


En Mullholand Drive, todo tiene sentido, David le explica absolutamente todo al espectador, siendo éste quien debe esforzarse en juntar todas las piezas de un puzle, que parecen no encajar hasta el final, donde todo cobra sentido, únicamente cuando resuelves  el puzle la satisfacción es tan grande, que no tienes más remedio que sacarte el sombrero ante esta forma tan magistral de narrar uno hechos.

David se ha especializado en películas de una gran belleza estética, de una solemne puesta en escena, donde los sueños son el eje narrativo de unas historias, cuyos personajes pierden todo contacto con la realidad, donde el espectador nunca nota la diferencia entre sueño y realidad, por lo que las emociones que producen ambas son igual de reales.

Esta película reúne las características principales del cine de Lynch, a saber: un laberinto de sensualidad, una inquietante mezcla entre sueños y realidad,  enigmas irresolubles, mujeres en peligro, pesadillas a la luz del día, humor retorcido, atmósferas lúgubres, una estética muy personal, personajes extremos y una intensidad estremecedora, son el alma mater de un cineasta cuyos títulos estremecen al espectador, que nota como un escalofrío recorre su cuerpo,  encogiéndole el corazón en un puño.


David Lynch domina el ritmo, el tempo, de la película a su antojo, al principio la dota de una velocidad endiablada, gracias a una carrera de coches inicial, para luego dormir la película introduciendo al espectador en un plácido y hermoso sueño.

EL NACIMIENTO DE UNA ESTRELLA: NAOMI WATTS
A pesar que en un principio el protagonismo era compartido entre Laura Harring y Naomi Watts, no cabe duda que esta última se come la pantalla, robando todo el protagonismo a su compañera, por la variedad de registros, replicas y emociones desplegadas durante todo el largometraje, sencillamente de escuela.

Lynch, la cámara y por extensión el espectador, se enamoran de su presencia, cuando ella está en pantalla se dan los momentos más inspirados del film.

La incoherencia de un guión coherente (todo se entiende al final), hacen de esta singular película un brillante ejercicio de dirección, cuya brillante puesta en escena fue premiado en Cannes y su director fue nominado al Oscar ese mismo año.


BANDA SONORA:  EMOCIONAL
Notable, la banda sonora de Angelo Badalamenti, se caracteriza por sus lánguidas y sinuosas melodías, así como sus múltiples aproximaciones al Jazz, este trabajo le valió una merecida nominación a los Globos de Oro.

CONCLUSION:
Mullholand Drive, es David Lynch en estado puro,  un título brillante, tanto por sus actuaciones como por su manera de contar la historia, todo un espectáculo visual, potente, solemne, intenso, cine de autor en toda regla, un título que no dejará indiferente a nadie, seguramente no gustará a todo el mundo, pero aunque no la entiendas, te dejará el buen sabor de boca de haber tenido una excelente experiencia visual, para mí ha sido todo un orgasmo tanto visual como emocional, lo más difícil ha sido despertar de este hermoso sueño.






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LA PUNTA DEL ICEBERG



“LA PUNTA DEL ICEBERG” PROTAGONIZADA POR MARIBEL VERDÚ Y DIRIGIDA POR DAVID CANOVAS, SE ESTRENARÁ EL 29 DE ABRIL

El director canario David Cánovas, después de una extensa carrera como cortometrajista, debuta en el largometraje con “La punta del iceberg”, protagonizada por Maribel Verdú (Felices 140, Sin Hijos).

Un largo elenco de reconocidos actores como Carmelo Gómez (La playa de los ahogados, Tiempo sin aire), Ginés García Millán (Felices 140, Vulcania), Bárbara Goenaga (El secreto de Amila, Gernika), Fernando Cayo (Palmeras en la nieve, El Desconocido), Alex García (La Novia, Gernika)  y Carlo D’ursi (Diamantes negros, Character) secundan a Maribel Verdú en esta película.

Basada en la obra de teatro del mismo nombre y escrita por Antonio Tabares se estrenará el 29 de abril.

En palabras del director David Cánovas: “Se trata de un drama con tintes de thriller ubicado en el mundo laboral. Es una historia muy humana que habla de la empatía entre los seres humanos”.  

Producida por Tornasol Films, Mistery Producciones A.I.E., Hernández y Fernández PP.CC y Perenquen Films A.I.E, cuenta también con la participación de TVE.

Syldavia Cinema será la responsable de su distribución en cines a partir del 29 de abril.



   
               



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STAR WARS: ROGUE ONE


Disney, tras la multimillonaria compra de LUCAS FILMS, desea recuperar la inversión (3125 millones de Euros), con una película o spin-off , de la saga cada navidad.

Las navidades pasadas estreno el episodio VII: El despertar de la fuerza, demostrando que desea devolver el título, a donde le corresponde, haciendo una película que dejo buen sabor de boca a sus fans, a la vez que le lleno la boca de miel pensando en el episodio VIII.
Mientras esperamos, estas navidades, concretamente el 16-12-16, se estrenará un spin-off de la saga, conocidos como STAR WARS HISTORIES, cuya primera historia se llamará ROGUE ONE transportándonos a una época anterior a STAR WARS IV: UNA NUEVA ESPERANZA, explicándonos todo aquel prólogo anterior a la película, así que veremos esa primera victoria de los rebeldes contra el imperio, como colocan los planos en R2D2 y como este da con la princesa Leia.


Esta historia, ROGUE, coge nombre del escuadrón de X-Wings que capitanea Luke Skywalker en los capítulos V y VI, nos pondrá en la piel de un grupo de soldados rebeldes cuya misión será robar los planos de la estrella de la muerte.

El reparto estará encabezado por Felicity Jones (La teoría del todo) dará vida a la rebelde Jyn Erso, Donnie Yen gran actor de cintas de artes marciales, dará vida a un guerrero invidente (esto lo deduzco por el cartel), Alan Tudyk , Forest Whitaker, encarnará a un veterano guerrero clon y Diego Luna, guerrero rebelde, mientras Spencer Wilding encarnará a Darth Vader.


Estará dirigida por Gareth Edwards, mientras el guión correrá a cargo de  Chris Weitz.
Su rodaje comenzó en el verano de 2015 en los Estudios Pinewood de Londres.





               

               

               

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NO CULPES AL KARMA DE LO QUE TE PASA POR GILIPOLLAS




Empieza el rodaje de  NO CULPES AL KARMA DE LO QUE TE PASA POR GILIPOLLAS, seguramente la comedia del año,  la adaptación cinematográfica de la novela homónima de Laura Norton, uno de los mayores éxitos editoriales de los últimos años, editado por Espasa-Planeta, cuyas páginas se encargan de adaptar al cine Carlos Montero (combustión) y Breixo Corral (3 bodas de más).

Tras sus dos últimos éxitos, el precioso drama-romántico "Rastrosde Sándalo" y la divertida comedia Ahora o Nunca,  Maria Ripoll (entrevista) dirige esta alocada comedia, interpretada por VERÓNICA ECHEGUI (Kamikaze), ALEX GARCÍA (La novia), DAVID VERDAGUER (10.000km), la modelo ALBA GALOCHA, CECILIA FREIRE (Velvet), ELVIRA MíNGUEZ (El desconocido) y JORDI SÁNCHEZ (Ahora o nunca), sin duda un equipo maravilloso que hará nuestras delicias, poniendo como no una sonrisa en nuestro rostro.

El rodaje tendrá lugar durante siete semanas en localizaciones de Madrid y Hong Kong y se estrenará el próximo 11 de noviembre

       


A Sara le gusta planificar y quiere todo salga perfecto para la visita de su novio que lleva un año fuera.  Pero una semana antes de su llegada, la vida de Sara, y su piso, se convierten en un caos. Sus padres al borde del divorcio y una hermana menor a punto de casarse con Aarón, un famoso cantante que resulta ser el amor de instituto de Sara.
¿Qué ha hecho mal para que el karma le devuelva todo esto?





           

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Entrevista INMA CUESTA, DANIEL GRAO y MICHELLE JENNER



Tengo el honor de entrevistar a tres actorazos, tres caras nuevas en el universo cinematográfico de Pedro Almodóvar, cuyos papeles secundarios en la nueva película del cineasta, "Julieta" les han marcado tanto como actores como a nivel personal, siendo una experiencia increíble.
¿Cuándo os llamó Pedro cuál fue vuestra primera reacción?
Daniel Grao: Siempre he dicho que a mí me llama Pedro Almodóvar para hacer de lámpara y le digo que sí.
Michelle Jenner: o de farola
Daniel: Aunque sólo sea para compartir una jornadas con un genio del cine ya merece la pena. Pero además luego es mucho más. Me llamaron las chicas de casting, me contaron la historia, el personaje, me hicieron una prueba, le gustó a Pedro y me citó en la oficina. Pedro en las pruebas te hace sentir que ya estás ensayando y así fue con la que hicimos con Adriana Ugarte. Me hizo sentir muy cómodo. Faltaba la segunda llamada y cuando ocurrió, pegué un grito en medio de otro rodaje.
Inma Cuesta: Por casting también llegué al proyecto, en un proceso largo y complejo. Una de las pruebas ya es con Pedro y es cierto que parece un ensayo. Muy emocionante, me costó un poco de trabajo estar de manera natural, que suelo estarlo siempre: no me creía estar en el despacho de Almodóvar. He disfrutado muchísimo la experiencia y cuando me llamaron fue una alegría inmensa.
Michelle: El primer casting lo hice sin saber para qué película ni qué director era, todo muy secreto. Para la segunda prueba me enviaron unas separatas y justo antes de hacerla me enteré que era para Almodóvar. Cuando me confirmaron el sí no me lo creía y sigo sin creérmelo del todo.
Pedro Almodóvar cuida el más mínimo detalle en todas sus películas (decorados, vestuario, planos...) ¿Cuida tan bien a sus actores?
Daniel: Por supuesto. No sólo Pedro, sino que rodar con El Deseo es maravilloso, te cuidan mucho.
Inma: Sí, Esther García es fantástica.
Daniel: Pedro tiene la suerte de poder permitirse rodar todo el tiempo que necesite. Esto a los actores nos da mucha seguridad, tienes que estar al pie del cañón, pero se puede repetir las veces que haga falta para que Pedro encuentre lo que desea. Él revisa el material prácticamente a diario. A nivel personal también, varios me preguntan flojo "¿Qué tal rodar con Pedro?"; exige mucha exigencia a los actores, pero la tiene consigo mismo primero.
Inma: Precisamente, la exigencia no es algo negativo: te pone alerta, te pone límites de tus posibilidades, te hace crear. En el rodaje me lo pasé en grande. Pedro tiene mucho sentido del humor. Ha sido un proceso creativo maravilloso, en ningún momento me sentí mal. Me he sentido con mucha libertad y confianza.
Michelle: También, ya lo han dicho todo, jajaja, Pedro es perfeccionista en el buen sentido. Él lo calcula todo y las decisiones tienen un porqué, el color de una pared, un libro encima de una mesa, el cuadro de la pared... Parecen cosas al azar, pero en su cabeza no lo son; esto me parece de genio.
Michelle, tu papel es muy breve, pero parece estar muy enfocado en rendir homenaje a las mujeres de los melodramas de los años 50. ¿Tiene tu rol mucho más trabajo del que se nota en pantalla?
Michelle: Todos los personajes de todas sus películas están minuciosamente trabajados, los principales y secundarios. Es un personaje, a priori pequeño, pero es el desencadenante de todo lo que ocurre en Julieta.
El guion es fantástico de lo mejor de Almodóvar. ¿Qué os pareció la primera vez que lo leísteis?
Daniel: Preciso y precioso. Sólo llegué a leer dos versiones del guion y la segunda ya incluía la carta final de la hija a la madre. Me parece el cierre el perfecto que habla de lo transgeneracional,  la segunda generación padece otro desastre, toma consciencia y sana la relación con la primera. Hubiera estado dispuesto a interpretar a una lámpara, si luego resulta que es para un papel como el de Xoan ya no puede uno dar más gracias al universo. Estoy muy orgulloso de formar parte de Julieta.
Y has tenido suerte de tener un papel masculino tan trabajado y bondadoso en su universo femenino...
Daniel: Sí, ha hecho justicia con el hombre, con el arquetipo masculino de su cine. Xoan tiene cierta torpeza emocional, pero no es malicioso. Quiere ser honesto, pero no sabe cómo.
Michelle: El guion me encantó. Lo lees, te parece maravilloso, pero lo mejor es que sabes que cuando Pedro lo vaya a dibujar en el rodaje y le vaya a dar vida será todavía mejor.
Inma: La genialidad del guion reside en que no es un melodrama, no busca una lágrima fácil, es un drama cien por cien. Es mucho más hondo y profundo, se va colando dentro sin que seas consciente. De repente termina y a uno se le queda un poso amargo. Pedro insistía en la contención dramática de la expresión. "Silencio", era un título maravilloso para la película: hay muchos en la película y lo verdaderamente importante no se dice. Además, cuando termina la película uno se queda en silencio porque no sabes expresar lo que te ha ocurrido. Los sentimientos no se explican, si es profundo, no puede explicarse con palabras.
Precisamente, todo esto que no se cuenta (sentimientos, pasado de algunos personajes...), ¿cómo lo preparasteis para dar entidad a vuestros papeles?
Inma: Cada personaje y cada película es un mundo y no sigo un patrón concreto. Depende del director, del proceso, de lo que te llegue la historia. Pedro nos sujetaba para cortar esa emoción más lacrimosa, porque quería contarlo distinto, desde dentro.
¿Con qué sensación saldrá el espectador al terminar Julieta?
Inma:  Sin palabras.
Michelle: Cuando la vimos por primera vez, no lloró nadie, nos quedamos con un nudo en la garganta, lloré después, en la calle.
Inma: La música, es una herramienta importantísima para narrar una historia, vuelve a ser excelente por parte de Alberto Iglesias. Pero el final, con la canción de Chavela Vargas, uno se deja llevar y lo echa todo.
Cierto lo de la música de Alberto Iglesias. En Julieta parece hasta un personaje más...
Inma: Quizás en todas, pero aquí era más complicado para llenar todos los silencios y para ser un engranaje perfecto entre el guion y las interpretaciones. Hay que medirlo muy bien. Con la canción de Chavela te ayuda a terminar el viaje.
La película habla de la culpa, de dolor... ¿de qué más habla?
Inma: Habla del destino, del sentimiento de culpa, es como una tragedia griega.
Daniel: La dificultad de ser claro con las emociones con la gente que más quieres y compartes la vida. Sin embargo es, en estos casos, cuando es más difícil comunicar esa emoción, a veces, sólo el drama emerge el secreto y sana las heridas.
Inma: El misterio también: no hay nada más doloroso que alguien desaparezca de tu vida sin ningún tipo de explicación. Es dolorosísimo.
Daniel: También me parece muy interesante la cercanía entre la muerte y el sexo.
Imagino que siendo actrices españolas es un sueño trabajar con Almodóvar. Para ti, Daniel, un lujo tener el personaje de Xoan. ¿Soñabais con que llegara la posibilidad algún día?
Inma: No era un objetivo de vida profesional. Pero si admiras el trabajo de alguien, te encantaría hacer una película con él. No lo he perseguido, si persigues las cosas, no vienen a ti. Uno tiene que vivir con la intuición y la generosidad. Estoy encantada con lo ocurrido.
Daniel: Cuando estudiaba en la escuela de cine en Barcelona, Pedro rodaba "Todo sobre mi madre". Me acuerdo de la expectativa del rodaje y como espectador me volví loco. Un compañero de clase me miró y me dijo: "tú podrías ser chico Almodóvar". Y pensé "me encantaría". Finalmente, aquí estoy, como espectador pensé: "ser un actor está de puta madre, pero ser una actriz y trabajar en un drama así debe ser la ostia". Almodóvar lleva a la mujer a universos emocionales increíbles donde realmente al hombre no.

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