LA LLAMADA




Director /Guión: Javier Ambrossi / Javier Calvo. Género: Comedia / Músical     País: España. Reparto: Macarena García, Anna Castillo, Belén Cuesta, Gracia Olayo,  Richard Collins-Moore, Secun de la Rosa. Duración: 108 min. Productora: Apache Films / Sábado Películas / RTVE / Distribución: DeAPlaneta. Fecha de Estreno en España: 29-09-2017


Segovia. Campamento cristiano “La Brújula”. Bernarda, una monja recién llegada, quiere salvar el campamento con su canción “Viviremos firmes en la fe”. La hermana Milagros, una joven con dudas, recuerda lo mucho que le gustaba Presuntos Implicados. Y María y Susana, dos adolescentes castigadas, tienen un grupo que se llama Suma Latina. Pero desde que Dios se le aparece a María una noche, todo está cambiando. Y es que a Dios le encanta Whitney Houston.


Tras cuatro años de éxito en el teatro Lara de Madrid, sus creadores Javier Calvo y Javier Ambrossi, más conocidos como "los javis", han decidido trasladar la obra "la llamada" al cine, dar ese paso no es nada fácil, pues son dos mundos con lenguajes muy diferentes, adaptándose al medio cinematográfico sin problemas.

Comedia musical con tonos dramáticos, así es la película "la llamada", tan fresca como divertida, sabe dibujar una sonrisa en el rostro del espectador, mientras sus pies no paran de moverse al compás de la música de Whitney Houston o Presuntos implicados, abordando el paso de adolescente a adulto con humor, gracia y soltura, llenando la sala de cine de energía positiva y buenrrollismo, cuyo punto fuerte sin duda son las grandes actuaciones de su cuarteto protagonista, Macarena García, Anna Castillo, Belén Cuesta y Gracia Olayo, en cuya química y buen hacer, se aposentan los cimientos de la película.

J. Calvo - Belén Cuesta - Anna Castillo - Gracia Olayo - Macarena García - J. Ambrossi - equipo LA LLAMADA
La trama nos introduce en la vida de dos adolescentes María Casado (Macarena García) y Susana Romero (Anna Castillo), de 17 años, que han ido a parar a un campamento femenino de verano al aire libre llamado "la brújula", dirigido por monjas, en la sierra de Madrid, allí pasan el fin de semana castigadas por haberse escapado la noche anterior, donde serán vigiladas por dos monjas: Milagros (Belén Cuesta), joven y manipulable, con dudas razonables sobre su fé, mientras la otra Bernarda (Gracia Olayo), es una monja clásica, carca, pero con buen corazón. Su convivencia cambia cuando a una de las niñas se le aparece Dios en sueños, cantándole canciones de Whitney Houston, a partir de ahí sus vidas cambiarán por completo.

Belén Cuesta - Anna del Castillo -La llamada
Los Javis, son más conocidos por su faceta de actores, actuando en las populares series "física o química" o "sin tetas no hay paraíso", tras dirigir la exitosa serie "Paquita Salas", ahora dan un paso más en su carrera haciendo su primera película, una ópera prima atrevida, pues se aposenta en un guión raro en su concepción, divertido en su desarrollo, con una puesta en escena simple, apuestan por planos medios y cortos, en una cinta sin más pretensiones que divertir al espectador, pues está exenta de moralina.

Este es un claro ejemplo del gran estado del cine español, atreviéndose con un género que parecía perdido en nuestro cine actual, pero que dio buenos títulos en el pasado como "sor citroen", aunque este título está más cerca de "sister act", cine musical con monjas llenas de vitalidad, modernas, de esas que se apuntan a un bombardeo, intentando influir en las nuevas generaciones.

Gracia Olayo - Belén Cuesta - La llamada
"Más fuerte es lo tuyo que te mola Dios", la película aborda con humor, un tema de gran trascendencia, el paso de adolescente a adulto, donde las jóvenes acaban descubriendo quiénes son y que quieren, dejando atrás a las adolescentes juerguistas.

"Se me está apareciendo un señor y desde que se aparece no soy la misma", eso mismo le pasa al espectador, pues la cinta es un chute de energía positiva, la película aborda desde la fé, un cambio vital, donde las jóvenes acaban encontrando su lugar en el mundo.

Esta película no sería nada sin el gran trabajo de las actrices que estan soberbias, Macarena Gracia,  te conquista con su sonrisa, el papel parece hecho a su medida, su actuación en "Palmeras en la nieve"(crítica) ya llamó mi atención, ahora se aposenta como uno de los grandes talentos jóvenes de nuestro país, Anna Castillo, ya nos deleito en "el olivo" (crítica), donde obtuvo un Goya como actriz revelación, está llena de desparpajo, vitalidad y un punto de locura juvenil, lo borda, Belén Cuesta, es la gracia el punto de humor, solo con oírla hablar ya dibujas una sonrisa en tu cara, simplemente genial, Gracía Olayo, es el contrapunto, intenta poner un punto de cordura, se cree muy moderna, pero está anclada en el pasado, todas ellas te conquistan por su verdad, emoción cariño , gracia y desparpajo, la película sin duda no sería lo mismo sin ellas.

Macarena García - La llamada 
"La llamada" es un canto a la vida, descarada, graciosa, arriesgada, luminosa, sorprendente y llena de desparpajo, donde sus protagonistas te conquistan desde el principio con sus diálogos llenos de humor, unido a su gran selección musical, nos hallamos ante un título que transmite alegría por los cuatro costados, seguramente por todo ello,  la sala de cine estaba repleta, sobretodo de gente joven, aunque lo que más me impacto fue el aplauso unánime de la misma, algo no muy habitual, así que felicidades al equipo, yo también me uní al aplauso unánime y tú ¿a qué esperas a hacerlo?.



             

  

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KATHRYN BIGELOW: una directora de armas tomar

Kathryn Bigelow

Directora de cine, guionista y productora Estadounidense, nacida en California, concretamente en la ciudad de San Carlos, el 27 de Noviembre de 1951.
Hija de un directivo de una empresa de pinturas y una bibliotecaria. Estudió en la Universidad de Columbia, comenzó su carrera artística como pintora y algunas de sus obras fueron expuestas en el Whitney Museum  de Nueva York. Fue miembro del grupo radical Art and Language y editó la revista teórica Semiotext.
Estuvo casada con James Cameron desde 1989 hasta 1991, con él formó pareja artística en varias películas.
Antes de dedicarse al cine, fue agente de policía, lo que puede dar ciertas luces, del porque centra su carrera cinematográfica en el cine de acción, en todas sus ramas, bien sea bélico, futurista, thriller e incluso, de terror, pocos cineastas muestran la violencia como ella, aunque sus películas no siempre tuvieron el beneplácito de la crítica.

Hace un cine tan vibrante como comprometido, es una cronista del momento actual, mostrando algunos de los acontecimientos más incómodos y traumáticos de la historia reciente de los Estados Unidos, narrando siempre la historia desde dentro, mostrando su lado humano e introduciendo al espectador en la acción gracias sobre todo al brillante y potente uso de sus imágenes cámara en mano, siempre interesada en representar la violencia en el cine, usándolo como método de reflexión.

Debutó en 1982 con "The Loveless", codirigida junto a Monty Montgomery (ambos pertenecían a la escena alternativa, bohemia y experimental de Nueva York), violenta historia de motoristas macarras, protagonizada por Willem Dafoe influida por Kenneth Anger y en la que ya se apreciaba su interés por la estética y el elemento intelectual dentro de su trabajo, aunque se tratara de una película de género, no obtuvo un gran reconocimiento.

Empezó a obtener reconocimiento en 1987 llegaría su espaldarazo definitivo gracias a "Los viajeros de la noche", considerada por muchos como la mejor película de vampiros de la era moderna, introduciéndonos en la acción a través de un western diferente, se convirtió casi de manera inmediata en una película de culto.

En "Acero azul" (1989) abordó su primer gran personaje femenino contundente de su carrera, por su pasado podría tener algo de autobiográfico, describe a una de esas mujeres que, como ella, deben demostrar que son todavía más fuertes y poderosas que sus compañeros de trabajo, en un sector dominado por los hombres. La singular Jamie Lee Curtis se metía en la piel de una agente de policía que se veía sumergida en una espiral de violencia, así como en las contradicciones de su profesión en lo relativo al verdadero significado de la ley y de sus márgenes. 
Kathryn Bigelow - Le llamaban Bodhi
Con "Le llamaban Bodhi" (1991) tiene en el suspense y la intriga como elemento principal de la historia, con ella tuvo éxito tanto de crítica como de público. La película sobre surferos y atracos protagonizada por Keanu Reeves y Patrick Swayze,en lo mejor de sus carreras, convertida en película de culto, sobre todo por la capacidad de Bigelow no solo por rodar escenas de acción, llenas de persecuciones, atracos y saltos en paracaídas, sino por su instinto a la hora de describir el mito de la contracultura americana a través de la figura de un hombre, Bodhi, erigido como símbolo de la libertad dentro de una sociedad repleta de taras.

Si la naturaleza, las olas, la playa, constituían los principales elementos de su anterior película, en "Días extraños" (1995) una distopía apocalíptica, un thriller cyberpunk  que se inserta en el territorio de la noche y de las drogas sintéticas, retrato con elegancia el final del milenio en el que nadie necesita salir de casa, pues la tecnología nos la inyecta todo directo a la mente, a pesar de la decadencia del entorno descrito por Bigelow, se respiraba un halo romántico gracias al personaje que interpretaba Ralph Fiennes. 

A partir de ese momento la trayectoria de la directora se sumergió en una etapa confusa. La fallida "El peso del agua" (2000) un interesante thriller no muy valorado y la superproducción insatisfactoria con reparto de lujo "K-19: The Widowmaker "(2002), hasta que consiguió renacer de sus cenizas gracias al éxito inesperado y el reconocimiento de "En tierra hostil" (2008), que le proporcionaría seis Oscar de la Academia, entre ellos el de mejor película y mejor directora, convirtiéndose en la primera mujer en alcanzar ese galardón en la historia,  donde la guerra de Irak es el marco de un thriller tan tenso como asfixiante, escenario perfecto para crear un discurso antibelicista, visto desde el punto de vista de un soldado que forma parte de una unidad de artificieros en Iraq, nos expone la vulnerabilidad de los soldados, mostrando todas sus peligrosas adicciones.

"La hora más oscura" (Zero Dark Thirty) (2012), crónica político judicial, centrada en los atentados del 11-S, a través de la agente de la CIA, una brillante Jessica Chastain, otro de sus brillantes retratos femeninos, una mujer fuerte e inteligente debe demostrar que sus teorías sobre la situación de Bin laden son correctas, gracias a ella se realizó la detención del líder de Al-Qaeda,  su punto fuerte fue mostrar como la CIA está por encima del bien y del mal,  para ellos lo único importante es conseguir su objetivo.

Tanto en estas dos últimas como ahora Detroit, potente denuncia de las miserias racistas norteamericanas, poseen un punto en común, son crónicas de los acontecimientos más embarazosos de la historia americana, contado desde dentro, con una perspectiva intimista y global , sin tomar partido, eso ya lo hace el espectador, a través de una mirada incisiva y contundente, de una directora a la que no le importa mostrar lo peor del ser humano, con el fin de proporcionar al espectador una profunda reflexión de unos momentos puntuales de la era moderna.

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LA REINA VICTORIA Y ABDUL


LA AMISTAD NO SABE DE CLASES


Dirección: Stephen Frears .Guión:  adaptación de la obra de Shrabani Basu Reparto: Judi Dench, Adeel Akhtar y Eddie Izzard . Distribuidora: Universal Pictures. Fecha de Estreno: 22 de Septiembre 2017




En la celebración de los 50 años de reinado de la Reina Victoria, Abdul Karim, conocido como 'El Munshi' viaja desde la India a Gran Bretaña para participar en el jubileo. 'El Munshi' es un joven secretario indio por el que la reina se interesa creando un afecto especial. Entre ambos se acaba forjando una estrecha amistad y alianza mal recibida dentro de la Casa Real debido al cambio de mentalidad que comienza a darse en la reina. Karim acaba siendo nombrado Secretario de la India, cargo que ejerció durante los últimos 15 años de vida de la monarca. Una historia sobre como la amistad puede cambiar a una persona, una vida. 



Ávido de encontrar historias desconocidas, me topo una auténtica gema, oculta durante más de un siglo, presentada en la pasada mostra de Venecia, llega ahora a nuestras pantallas, "La reina Victoria y Abdul", un amable y divertido melodrama histórico, sobre el valor de la amistad por encima de todo, esa amistad que tanto cuesta encontrar, pero cuando lo haces no puedes dejarla escapar, seguramente, eso mismo debió pensar la reina Victoria luchando por ella contra viento y marea.


El guión firmado por Lee Hall "Billy Elliot", narra la extraordinaria historia real de la insólita amistad surgida entre la Reina Victoria (Judi Dench) y un joven criado, Abdul Karim "el Munshi" (Ali Fazal), que se convierte en su profesor, su consejero espiritual y su amigo incondicional, un ayudante indio musulmán de la reina victoria que ganó su afecto durante los últimos quince años de su reinado, historia basada en el libro "Victoria & Abdul: The True Story of the Queen’s Closest Confidant", escrito por  la periodista Shrabani Basu, a partir de los diarios y cuadernos de sus protagonistas, la historia se mantuvo oculta debido a que el hijo de la reina, Bertie, futuro Rey Eduardo VII, destruyó toda la correspondencia intercambiada entre su madre y el Munshi.


La película se sustenta tanto en la química entre sus protagonistas como en la extraordinaria interpretación, una más, de Judi Dench, quien ya nos tiene acostumbrados a sus papeles de reina como vimos en "Shakespeare in love" (1998) , película que tuvo una gran acogida tanto de crítica como de público y acabó ganando 6 Oscars de la academia, entre ellos el de mejor actriz de reparto a Judi Dench, quien seguramente nunca pensó que volvería a dar vida al personaje de la reina Victoria, a quien ya encarnó en "su majestad Mrs Brown" (1997), una película que me recuerda mucho a la que me ocupa, basada en hechos reales donde una monarca deprimida, lleva una monótona vida, que un sirviente se encarga de reavivar, mientras lucha con un entorno que no entiende la relación entre ambos.

"Nadie sabe lo que significa ser reina, es un cargo imposible", esta extraordinaria relación sin precedentes, desató una auténtica batalla campal en la residencia real, enfrentando a la reina tanto contra toda su familia como a su corte cuyos miembros se sentían superiores a él. La reina insistió en que Karim la acompañara en sus viajes, lo que provocó discusiones entre ella y sus asistentes, provocando toda una revolución en la vida en palacio, creando una revuelta contra la soberana, pues toda la Casa Real tramó contra él, pero la reina fue fiel a él y a su amistad.


Esta historia es aprovechada, para tratar temas de suma importancia muy vigentes hoy en día, pues habla de un choque de clases, mostrando la tensión entre las diferentes culturas, pero también habla de tener una mente abierta, algo de los que muchos mandatarios carecen, explorando con humor cuestiones polémicas como; la raza, la religión y el poder, así como la farsa del imperio inglés, a través del prisma de una amistad tan inusual como conmovedora.

El director Stephen Frears, se adentra una vez más en las intrigas de palacio, donde se mueve como pez en el agua tras rodar,  "la reina" (2006), donde mostró el conflicto de intereses entre la reina Isabel II y la memoria de la difunta Lady Di, mientras en esta película que ofreciese suntuosos interiores, paisajes épicos y lujosos atuendos que el público esperase ver en un drama histórico, brindándoles al mismo tiempo una historia de amistad y lealtad que quizá no esperasen.

"La vida es una gran aventura", esta frase define a la perfección esta película, donde la vida es una complicada aventura que debe ser vivida en su plenitud, con felicidad, y eso justamente es lo que le faltaba a la reina, que pasó de una vida aburrida, monótona, sin sentido y sin alicientes, a tener una vida plena y feliz, gracias a su amistad con un sirviente, todo un ejemplo que la amistad no entiende de clases sociales, ni de diferencias culturales, todo un ejemplo que todos deberíamos seguir.





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JACQUES



Título Original: L´Odysee. Dirigida: Jérôme Salle. Guión: Jérôme Salle y Laurent Turner (libro: Jean-Michel Cousteau, Albert Falco). Género: Aventura / Drama / Biopic. País: Francia. Año: 2016. Intérpretes: Lambert Wilson (Jaques), Audrey Tautou (Simone), Pierre Niney (Philippe), Michael Bundred. Música: Alexandre Desplat. Duración: 122 min. Estreno en España: 15 de Septiembre.


1948. Jacques Cousteau (Lambert Wilson) y su esposa (Audrey Tautou) deciden lanzarse a la aventura y cumplir el sueño de Jacques de recorrer los océanos e investigar lo inexplorado, el mundo submarino. Este trayecto, a bordo del Calypso, se convertirá en la odisea de toda una vida dedicada a la ciencia, la fama y la televisión, que convertirá a Cousteau en todo un mito y lo llevará a auténticos paraísos remotos. Pero la de Cousteau es una historia de luces y sombras, también marcada con los conflictos de Jacques con su pareja y sus hijos Philippe (Pierre Niney) y Jean-Michel y por la terrible tragedia que los golpearía unos años después. Cousteau descubrió un nuevo mundo, llega el momento de descubrirlo a él.




Crecí viendo los documentales de Félix Rodríguez de la Fuente y Jacques Cousteau, por eso decidí ir a ver "Jacques", para saber más sobre aquel hombre que me hizo descubrir las profundidades del mar, con su visión, su pasión y su sueño, y ese no es otro que preservar el ecosistema marino antes que sea demasiado tarde.

Lambert Wilson - JACQUES

"Mira todo ese agua, un mundo entero por descubrir", la película no solo nos sumerge, una vez más, en ese precioso mundo submarino, sino que nos adentra en la vida del célebre comandante, a través de el guión escrito por Laurent Turner y Jérôme Salle, siendo este una adaptación de algunos libros dedicados a su vida escritos tanto por su hijo Philippe, capitán del Calipso, como por su mano derecha Albert Falcó, mostrándonos como empezó su aventura de amor y fascinación por el mar, su retrato no es amble, muestra unos principios duros, donde llega a pactar con petroleras para financiar sus primeras expediciones, su constante lucha por conseguir fondos para llevar sus sueños adelante, el descuido hacia su mujer e hijos, acaba en una relación amor-odio con su hijo Philippe, un ecologista nato quien acabará convenciendo a su padre que preservar el fondo marino debería ser el camino a seguir, "hace más de 30 años, descubrí un nuevo mundo y quise conquistarlo, cuando solo tenía que protegerlo".


Este es el quinto largometraje del francés Jérôme Salle, un director que nos tiene muy acostumbrados al thriller, tanto policiaco como el de acción, con títulos como, "el secreto de Anthony Zimmer", seguro no te sueno, aunque seguramente conocerás el remake que se hizo de él "the tourist", sus títulos más conocidos son sus dos adaptaciones de Largo Winch y "Zulú", un drama policíaco ambientado en la Sudáfrica del apartheid.

"Cuando te sumerges bajo el agua, estás en un estado de ingravidez total, allí abajo el azul se vuelve cada vez más intenso", en esta, nos deleita con unas imágenes de gran belleza, cambiando totalmente de género, adentrándose sin miedo en un drama tanto personal como familiar, mostrando no solo su lado más intimo sino las luces y sombras de un hombre cuyo gran mérito no solo fue adentrarnos a todos por primera vez en el fondo marino, sino la gran cantidad de artefactos ideados para la perfecta simbiosis entre el hombre y el mar.


Si por algo destaca esta película es por el excelso trabajo de mimetismo, pues el actor Lambert Wilson, es Jaques, sus andares, su delgadez, su bronceado, su gorro, todo ello denota un profundo estudio del personaje, seguramente estará nominado a los Oscars, su mujer está interpretada por Audrey Tatou, "Amelie",  quien llena al personaje de fuerza y humanidad, ejemplo de la mujer devota, que sufre en silencio las relaciones extramatrimoniales de su marido, su hijo Philippe está interpretado por un Pierre Niney, "Frantz"(crítica), consolidándose como un auténtico valor de futuro.

"Jacques", es drama que te atrapa desde el principio, sumergiéndote en un viaje al pasado, que tiene su trascendencia en el presente, pues deja un gran mensaje que parece habíamos olvidado, cuidemos el fondo marino, menos mal que siempre estará él para recordárnoslo. 



           

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DETROIT


A ritmo de Motown, "Nowhere to run" (sin posibilidad de huir), la directora Katheryn Bigelow, retrata el horror, deleitándonos y de qué manera con una película tan magistral en sus formas como necesaria en su fondo,  reconstruyendo con gran rigor, unos insólitos y denigrantes hechos acontecidos hace ya 50 años, aunque por desgracia, vigentes hoy en día, en la extraordinaria película "Detroit", un potente drama desasosegante que deja entrever el problema racial, en el país de la esperanza, de las oportunidades, de la justicia, de la presunción de inocencia y los derechos humanos, todos esos derechos pisoteados por los hechos relatados en una película electrizante, intensa, poderosa, claustrofóbica, frenética y angustiosa, cuyo objetivo es sin duda, no olvidar los errores del pasado para que no se den en el presente.


Mark Boal,  guionista habitual de Kathryn, confecciona un guión perfecto, a partir de los relatos de los propios supervivientes de los hechos ocurridos en Julio de 1967, uno de los levantamientos ciudadanos más violentos de la historia de estados Unidos, centrando su atención en los sucesos acontecidos en el Hotel Algiers, donde un grupo de ciudadanos de color se refugia de los disturbios, en compañía de un par de chicas blancas. Un hecho fortuito, pone en jaque a la policía y a la guardia nacional, que había entrado como refuerzo, rodean el hotel y empieza la mayor pesadilla para los que estaban ahí dentro.

La película la dirige con brillantez Kathryn Bigelow, primera y única mujer ganadora de un premio Oscar a la mejor dirección por "En Tierra Hostil" (2008), quien acostumbra a narrar historias personales y sociales, en medio del campo de batalla, en Detroit continúa su sucesión de oscuras crónicas estadounidenses, acostumbrada a narrar el conflicto fuera de sus fronteras ahora en cambio se adentra en ellas, mostrando esa violencia que tanto caracteriza a su cine en su propia tierra, quizá eso sea lo que la hace tan terrorífica y lo hace llenando las escenas de tensión a través de unos potentes planos cámara en mano, tan característicos de su cine, para mostrarnos lo peor del ser humano, su lado más oscuro, su versión más deshumanizada.

  

La película está dividida en 3 actos de puro cine:
El primer acto, recurre a material de archivo para introducirnos en el momento de la historia, lo que le da un tono muy peculiar a la película, que el excelente director de fotografía Barry Ackroyd aprovecha para rodar con los lentes y objetivos de la época, creando esa textura tan particular, permitiéndole fusionar las imágenes de archivo con la ficción sin notar la diferencia, mostrando unos hechos llenos de dinamismo y energía.

El segundo acto, sin duda lo mejor que he visto en una sala de cine en mucho tiempo, unos hechos que generan repudia en el espectador a través de unas imágenes tan poderosas como traumáticas, generando una profunda reflexión sobre la violencia blanca y el miedo negro, es que la forma que las fuerzas de la justicia tratan a las personas de color, deja entrever un prejuicio, que como vemos en las noticias, aún prevalece hoy en día.

El tercer acto, en cambio ralentiza el ritmo de la película, donde la directora remata y añade complejidad a la película, mostrando cual es el precio de la violencia, después de haberla mostrado en el anterior acto en todo su esplendor.


La película podríamos enmarcarla en ese cine que se está haciendo últimamente, que muestra desde muchos puntos de vista, el problema racial en Estados Unidos, un problema acrecentado desde que está en el poder el actual presidente, estamos hablando de títulos como:  Loving, El nacimiento de una nación, Fences, Moonlight, Figuras Ocultas, sin olvidar el documental "I´m not your negro".

La película se sustenta en el trabajo de dos jóvenes actores que apuntan alto, por un lado John Boyega (Star Wars: El despertar de la fuerza), quien encarna la luz de la historia, un agente del orden tranquilo, ve como por ser negro las consecuencias de sus acciones no valen para nada, el otro es el policía Kraus interpretado magistralmente por Will Poulter, quien seguramente se llevará el Oscar por esta sublime actuación, su personaje es la oscuridad, se gana el odio del espectador, el mismo odio que tiene el personaje hacia las personas de color y se lo hace saber desde su posición de poder, algo realmente lamentable, pues las fuerzas del orden están para "servir y proteger" sobre todo a los más débiles.

Will Poulter - Anthony Mackie - DETROIT

"Detroit", es una de las mejores producciones del año, tan dura como necesaria, es una daga directa a la emoción de un espectador que atiende atónito a unos hechos que nunca deberían haber pasado, donde Bigelow la narra con una contundencia brutal, dominando la tensión como nadie, llevando al espectador en volandas hacia una profunda reflexión, viendo Detroit, no solo vemos violencia, sino también el resurgir de ese movimiento musical de la mano de la Motown, que coge el nombre de la ciudad de los motores, justamente con música gospel, Kathryn cierra una película rogando por que no se repitan los hechos en ella descritos.




           



            


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PELICULAS RECOMENDADAS DE LA SEMANA

9/14/2017 0 Comments



"La llamada" es un canto a la vida, descarada, graciosa, arriesgada, luminosa, sorprendente y llena de desparpajo, donde sus protagonistas te conquistan desde el principio con sus diálogos llenos de humor, unido a su gran selección musical, nos hallamos ante un título que transmite alegría por los cuatro costados (crítica completa aquí)


"Jacques", es drama que te atrapa desde el principio, sumergiéndote en un viaje al pasado, que tiene su trascendencia en el presente, pues deja un gran mensaje que parece habíamos olvidado, cuidemos el fondo marino (critica completa aquí)



"Detroit", es una de las mejores producciones del año, tan dura como necesaria, es una daga directa a la emoción de un espectador que atiende atónito a unos hechos que nunca deberían haber pasado, donde Bigelow la narra con una contundencia brutal, dominando la tensión como nadie, llevando al espectador en volandas hacia una profunda reflexión, (crítica completa aquí)

      
Tras el exitazo en taquilla, hace ya 5 años de ¨las aventuras de Tadeo Jones", ese aventurero español al más puro estilo de Indiana Jones, se convirtió en todo un fenómeno de masas, ahora su creador Enrique Gato, codirige con David Alonso la segunda entrega, "Tadeo Jones 2: el secreto del rey midas", demostrando que convierte en oro todo lo que toca, sencillamente BRILLANTE (critica completa aquí)


"La seducción", es cine de autor, desarrollada con elegancia con un marcado humor malvado, para crear una película  de celos, envidias, violencia, despertar sexual, pero sobretodo de supervivencia, cuya trama sorprende y atrapa al espectador, donde la brillante Sofia Coppola, fue premiada como mejor directora en Cannes 2017 (critica completa aquí)
                                                 
             
                                                 
DUNKERQUE, una magistral aportación al género bélico, que todo amante al buen cine debería ver, dirigida por el genial Christopher Nolan, solo él puede hacer del cine de autor una superproducción intimista, todo un espectáculo visual y sonoro creado para ser disfrutado en el cine. IMPRESIONANTE (lee aquí la critica completa)
                                                      

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LO TUYO Y TÚ




Director / Guión: Hong Sang-soo. Género: Drama romántico. País: Corea del Sur. Año: 2016. Intérpretes: Kim Joo-hyuk (Minjung), Lee Yoo-young (Yong-soo), Kim Ui-seong, Yoo Jun-sang, Kwon Hae-Hyo. Distribuidora: La Aventura, Good Films. Fecha de estreno en España: 12 de Abril 2017.


El genial director coreano Hong Sang-Soong, nos deleita una vez más con un cine de autor muy personal, construido sobre sus propias vivencias, donde las relaciones de pareja son el tema principal, mostrando sus conflictos, sus tensiones y los malentendidos, como observamos en,  "Lo tuyo y tú", Concha de Plata al mejor director en el Festival de Cine de San Sebastián 2016, un drama romántico sobre las segundas oportunidades que te da la vida, para ello, desarrolla un épico relato de reconquista del amor puro e idealizado, introduciéndonos en la vida cotidiana de una pareja, con la que es fácil identificarse.


Youngsoo (Kim Joohyuck) alter ego del director, es un pintor de ideas convencionales, totalmente enamorado de su novia Minjung (Lee Youyoung) una chica que bebe a menudo, con serios problemas de identidad, a la que le gusta flirtear. Una noche discuten, no solo por el supuesto flirteo de ella con un desconocido, sino por el deseo que ella abandone su afición al alcohol,  tras la discusión deciden darse un tiempo. Youngsoo, tras reflexionar se da cuenta de su error y decida buscarla por la ciudad, mientras Minjung, tiene encuentros con hombres que supuestamente la conocen, ¿jugará ella a ser otra persona,..... o quizá si lo sea?.


Sangsoo, juega con las expectativas y proyecciones que hacemos en las personas de la que estamos enamorados, creando ese conflicto entre deseo y realidad, en esa dualidad se mueve la película con brillantez, mientras Yangsoo persigue un ideal de la mujer que se enamoro, sin darse cuenta, que Minjung ha cambiado, pues está experimentando formas de identidad diferentes, propiciadas por las miradas de otros hombres que salen a su encuentro, removiéndole a ella algo en su interior que creía perdido, con su relato el director deja en el espectador  una profunda reflexión; debes aceptar a tu pareja tal y como es, con todos sus defectos y virtudes, solo así conseguirás amarla.

"El amor lo es todo en el mundo, lo demás son intentos de sobrellevar la ausencia", como ves el director coreano es un enamorado del amor, valga la redundancia, por ello su cine trata una y otra vez, sobre las múltiples variaciones que ofrece su temática, su cine es natural y sencillo, con una puesta en escena  simple es capaz de crear un mundo complejo, gracias a un guión excelente lleno de frescura, al partir de la improvisación, pues el cineasta escribe los diálogos el mismo día del rodaje, dando a los actores poco tiempo para memorizar unos diálogos hilarantes y fluidos, que capta con sus largos escenas, encuadradas en planos fijo, usando sutilmente el zoom para acercarse a los personajes con naturalidad, mostrándonos su cotidianidad, comiendo en bares, hablando con un plato de comida, pero sobretodo mucha bebida, pues esta interviene entre la razón y la emoción.


Una de las cosas que más me fascinan de este director es su capacidad de hacer muy buen cine, con un presupuesto bajísimo, sin necesidad de efectismos, retratando los amores y desamores de unos personajes muy bien dibujados, sin olvidar su dominio del ritmo narrativo, ralentizando el tiempo a su antojo, eternizando sus largas, íntimas y sensibles secuencias tan bien coreografiadas, a las que llena de diálogos hilarantes y cotidianos, todo ello para mostrar al público historias personales, narrando siempre hechos conocidos,  por ello sabe mostrarlo tan bien al público.



           

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