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HIROZAKU KORE-EDA

HIROZAKU KORE-EDA
CUANDO EL CINE ES ARTE:

Hirozaku Kore-eda, nace en 1962 en la ciudad de Tokio, director, guionista y productor de cine, licenciado en la Universidad Waseda en 1987 y empezó a trabajar en TV Man Union, donde realizó premiados documentales. En 2014 fundó la productora Bun-Buku. 

Sus títulos son tan brillantes que poseen toda mi admiración y respeto, estamos sin duda ante  el más notable director Japonés de la actualidad, cuyas cintas son pequeñas joyas, por la sencillez, realismo, belleza y sensibilidad con la que las aborda, bajo su precisa dirección lo rutinario sobresale con lucidez, estamos pues, ante un retratista de lo cotidiano, cuyas películas exploran temas como los problemas familiares, la memoria, la muerte y asumir la pérdida, mostrando a la perfección la sociedad japonesa, dividida entre tradición y modernidad.

Hirozaku Kore-eda

En un principio Koreeda quería ser novelista, lo que se aprecia por la claridad de sus guiones, su cine está influenciado por Yasijuro Ozu y muy especialmente por su director favorito, Mikio Naruse.
Desde sus inicios como director de documentales para la televisión, ha sabido crear un discurso propio, coherente y reconocible, a lo largo de sus años de carrera, cuyas características son las siguientes:

      ⦁   Estilo pausado, ralentiza el tiempo, lo hace eterno, llenándolo de                          música, belleza, sensibilidad, emoción y elegancia
     ⦁   Historias muy humanas, familias o parejas en conflicto, donde  peligran 
         sus vínculos de unión.
    ⦁    Fijación por las relaciones entre padres e hijos, pues el propio Koreeda,               tuvo una relación complicada con su padre ya fallecido.
    ⦁    Sus historias buscan ser un fiel reflejo de la vida, no solo por estar rodadas           de una forma muy natural, sin artificios visuales, sino también por esa                   combinación de drama y comedia, de lo dulce y lo agrio, de las relaciones             humanas.
    ⦁    Retrato de lo cotidiano, con una gran delicadeza, donde una comida, un               partido de fútbol, un brindis,….. adquiere importancia
    ⦁    Películas intimistas.
    ⦁    Un sentido del humor que roza la ironía.




Para Kore-eda, las películas son una forma de narrar una historia sencilla que no simple, mostrando una serie de temas que fluyen desde sus diálogos y miradas, creando más que cine, arte, gracias a uno fotogramas de belleza sinigual,que son  todo un deleite a la vista.

KATHRYN BIGELOW: una directora de armas tomar

Kathryn Bigelow

Directora de cine, guionista y productora Estadounidense, nacida en California, concretamente en la ciudad de San Carlos, el 27 de Noviembre de 1951.
Hija de un directivo de una empresa de pinturas y una bibliotecaria. Estudió en la Universidad de Columbia, comenzó su carrera artística como pintora y algunas de sus obras fueron expuestas en el Whitney Museum  de Nueva York. Fue miembro del grupo radical Art and Language y editó la revista teórica Semiotext.
Estuvo casada con James Cameron desde 1989 hasta 1991, con él formó pareja artística en varias películas.
Antes de dedicarse al cine, fue agente de policía, lo que puede dar ciertas luces, del porque centra su carrera cinematográfica en el cine de acción, en todas sus ramas, bien sea bélico, futurista, thriller e incluso, de terror, pocos cineastas muestran la violencia como ella, aunque sus películas no siempre tuvieron el beneplácito de la crítica.

Hace un cine tan vibrante como comprometido, es una cronista del momento actual, mostrando algunos de los acontecimientos más incómodos y traumáticos de la historia reciente de los Estados Unidos, narrando siempre la historia desde dentro, mostrando su lado humano e introduciendo al espectador en la acción gracias sobre todo al brillante y potente uso de sus imágenes cámara en mano, siempre interesada en representar la violencia en el cine, usándolo como método de reflexión.

Debutó en 1982 con "The Loveless", codirigida junto a Monty Montgomery (ambos pertenecían a la escena alternativa, bohemia y experimental de Nueva York), violenta historia de motoristas macarras, protagonizada por Willem Dafoe influida por Kenneth Anger y en la que ya se apreciaba su interés por la estética y el elemento intelectual dentro de su trabajo, aunque se tratara de una película de género, no obtuvo un gran reconocimiento.

Empezó a obtener reconocimiento en 1987 llegaría su espaldarazo definitivo gracias a "Los viajeros de la noche", considerada por muchos como la mejor película de vampiros de la era moderna, introduciéndonos en la acción a través de un western diferente, se convirtió casi de manera inmediata en una película de culto.

En "Acero azul" (1989) abordó su primer gran personaje femenino contundente de su carrera, por su pasado podría tener algo de autobiográfico, describe a una de esas mujeres que, como ella, deben demostrar que son todavía más fuertes y poderosas que sus compañeros de trabajo, en un sector dominado por los hombres. La singular Jamie Lee Curtis se metía en la piel de una agente de policía que se veía sumergida en una espiral de violencia, así como en las contradicciones de su profesión en lo relativo al verdadero significado de la ley y de sus márgenes. 
Kathryn Bigelow - Le llamaban Bodhi
Con "Le llamaban Bodhi" (1991) tiene en el suspense y la intriga como elemento principal de la historia, con ella tuvo éxito tanto de crítica como de público. La película sobre surferos y atracos protagonizada por Keanu Reeves y Patrick Swayze,en lo mejor de sus carreras, convertida en película de culto, sobre todo por la capacidad de Bigelow no solo por rodar escenas de acción, llenas de persecuciones, atracos y saltos en paracaídas, sino por su instinto a la hora de describir el mito de la contracultura americana a través de la figura de un hombre, Bodhi, erigido como símbolo de la libertad dentro de una sociedad repleta de taras.

Si la naturaleza, las olas, la playa, constituían los principales elementos de su anterior película, en "Días extraños" (1995) una distopía apocalíptica, un thriller cyberpunk  que se inserta en el territorio de la noche y de las drogas sintéticas, retrato con elegancia el final del milenio en el que nadie necesita salir de casa, pues la tecnología nos la inyecta todo directo a la mente, a pesar de la decadencia del entorno descrito por Bigelow, se respiraba un halo romántico gracias al personaje que interpretaba Ralph Fiennes. 

A partir de ese momento la trayectoria de la directora se sumergió en una etapa confusa. La fallida "El peso del agua" (2000) un interesante thriller no muy valorado y la superproducción insatisfactoria con reparto de lujo "K-19: The Widowmaker "(2002), hasta que consiguió renacer de sus cenizas gracias al éxito inesperado y el reconocimiento de "En tierra hostil" (2008), que le proporcionaría seis Oscar de la Academia, entre ellos el de mejor película y mejor directora, convirtiéndose en la primera mujer en alcanzar ese galardón en la historia,  donde la guerra de Irak es el marco de un thriller tan tenso como asfixiante, escenario perfecto para crear un discurso antibelicista, visto desde el punto de vista de un soldado que forma parte de una unidad de artificieros en Iraq, nos expone la vulnerabilidad de los soldados, mostrando todas sus peligrosas adicciones.

"La hora más oscura" (Zero Dark Thirty) (2012), crónica político judicial, centrada en los atentados del 11-S, a través de la agente de la CIA, una brillante Jessica Chastain, otro de sus brillantes retratos femeninos, una mujer fuerte e inteligente debe demostrar que sus teorías sobre la situación de Bin laden son correctas, gracias a ella se realizó la detención del líder de Al-Qaeda,  su punto fuerte fue mostrar como la CIA está por encima del bien y del mal,  para ellos lo único importante es conseguir su objetivo.

Tanto en estas dos últimas como ahora Detroit, potente denuncia de las miserias racistas norteamericanas, poseen un punto en común, son crónicas de los acontecimientos más embarazosos de la historia americana, contado desde dentro, con una perspectiva intimista y global , sin tomar partido, eso ya lo hace el espectador, a través de una mirada incisiva y contundente, de una directora a la que no le importa mostrar lo peor del ser humano, con el fin de proporcionar al espectador una profunda reflexión de unos momentos puntuales de la era moderna.

HONG SANGSOO



El director coreano Hong Sangsoo (Seúl, 1960), comenzó su carrera cinematográfica en la Chung-Ang University de Seúl, antes de trasladarse a los Estados Unidos donde recibió su licenciatura en el California College of the Arts y su máster en el Art Institute of Chicago. Ha dirigido y escrito más de dieciséis películas, aunque solo 3 se han visto en nuestro país,  tras la gran aceptación de las dos últimas, por el público español, parece que la relación con el director, seguirá por mucho tiempo y podremos disfrutar de esa manera tan personal de ver el cine.

Su primer largometraje "The Day a Pig Fell into the Well" (Daijiga umule pajinnal, 1996) le hizo ganar numerosos premios, incluyendo el Tiger Award del Festival de Rotterdam. A continuación vendrían títulos como "La mujer es el futuro del hombre" (Yeojaneun namjaui miraeda, 2004) o "Un cuento de cine" (Geuk jang jeon, 2005), ambas seleccionadas para competir en el Festival de Cannes. En 2008 realizó "Noche y día" (Bam gua nat), su primera película filmada fuera de Corea, presentada en el Festival de Berlín; y en 2010 "Hahaha", que se alzó con el Un Certain Regard Award en Cannes, donde posteriormente compitió con "The Day He Arrives" (Book chon Bang hyang, 2011) y con "En otro país" (Da-reun na-ra-eseo, 2012). En 2013 ganó el Premio al Mejor Director en el Festival de Locarno por "Our Sunhi" (U ri Sunhi, 2013). Con la celebrada "Ahora sí, antes no"(critica) (2015) obtuvo el Leopardo de Oro a la Mejor Película y el Premio al Mejor Actor en el Festival Internacional de Cine de Locarno; y repitió con este film el mismo éxito en el Festival Internacional de Cine de Gijón (Mejor Película y Mejor Actor).


Hong Sang-Soo, es uno de los mejores directores de cine coreanos en el panorama internacional, hace un cine de autor con una forma muy personal de mostrar tanto el cine como la vida, es un retratista de lo cotidiano, centrándose en la vida diaria de la sociedad coreana de una manera incisiva, dando mucha importancia a las relaciones humanas, pues todos sus films son historias de amor, sobretodo el amor triangular, mostrándolo como algo inestable, caprichoso, efímero, obsesivo, haciéndonos participe de un encuentro, reencuentro o un adiós, dando una gran importancia a las segundas oportunidades, donde el sexo débil es el masculino, creando de las sobremesas, un género en sí mismo, donde estas se salen de la tangente, pues en su cine se come, pero sobretodo se bebe mucho "soju", brindando por los recuerdos, para olvidar, para discutir, para hacer el ridículo,..... la bebida es algo omnipresente en su cine, como catalizador entre la razón y la emoción, pues éste ayuda a desnudarte internamente, ya se sabe que los alcohólicos siempre dicen la verdad, creando un cine que entrecruza sueño y realidad, comedia y melodrama, siempre con el cine como telón de fondo y unos personajes a los que conoce bien, el director de cine, el estudiante de cine, el crítico, el artista,.....Hong Sang-Soo se siente cómodo hablando de lo que conoce, haciendo el cine que quiere y como quiere, domina el ritmo narrativo a su antojo, ralentizando el tiempo, eternizando sus largas, íntimas y sensibles secuencias muy bien coreografiadas, lleno de diálogos hilarantes, cotidianos y lo más llamativo siempre con presupuestos bajos, en resumen, cine hecho con el corazón, cine honesto, cine de autor con MAYÚSCULAS


M. NIGHT SHYAMALAN


Manoj Nelliyattu Shyamalan, nace el 6 deAgosto de 2017, en la ciudad de Mahé (Pondicherry) India, se le conoce con el nombre artístico de M. Night Shyamalan, director, escritor de cine,actor y productor indio-estadounidense.

Creció en Penn Valley, (USA). A los ocho años le regalaron una cámara super 8 y a partir de este hecho surgió su pasión por hacer cine imitando a su héroe de aquel entonces, Steven Spielberg . A los 17 años, ya había realizado 45 películas caseras, casi nada.

Las características principales de su cine son; argumentos con giros inesperados, un tratamiento realista del terror y el suspense, donde este se encuentra en la cotidianidad del día a día,  una atmosfera asfixiante y la aparición breve del mismo Shyamalan en cada uno de sus filmes, como hacía Alfred Hitchcock.

Su nombre surgió a la palestra gracias al gran éxito del thriller dirigido y producido por él mismo, "El sexto sentido", dejándonos a todos boquiabiertos con el giro final marca de la casa, protagonizada por Bruce Willis, su actor fetiche (sale en 3 de sus películas), de Su éxito fue tal, que fue la película que más recaudo en el 1999, además consiguió 6 nominaciones a los Óscar, entre ellas al mejor director y al mejor guion.


Su segunda película fue  "El Protegido", convertida en película de culto, ,también protagonizada por Willis, ésta no tuvo tan buena acogida, gracias a su éxito económico, le ofrecieron escribir la cuarta parte de "Indiana Jones"  y dirigir la tercera película de "Harry Potter", rechazando ambas ofertas. Más tarde comenzó a producir las película que lo convirtió en el guionista mejor pagado de Hollywood  cuando Disney le dio cinco millones de dólares por  "Señales", (2002), volviendo a tener un éxito notable.
Con sus dos siguientes películas "El bosque" (2004) y "La joven del agua"  (2006), la crítica se dividió, entre los que apoyaban incondicionalmente su cine, diciendo que estas películas superaban a las anteriores, mientras el resto decía que había iniciado un declive en su cine del que esperaban resurgiera lo antes posible.

A partir de este momento cuando mayor era el presupuesto de la película menor era su éxito como, "Airbender: el último guerrero", (2010) con un presupuesto desorbitado, basada en la serie animada Avatar: la leyenda de Aang, según la crítica fracasó, principalmente , por su excesiva diferencia con la serie de televisión.

En 2013 se estrenó "After Earth". Fue la primera película de Shyamalan en coescribir el guion, fue producida por Will Smith, Es sin duda el tropiezo más grande de la carrera del director, el propio Will Smith aceptó posteriormente que esta película cambió su filosofía sobre como hacer cine,  estando incluso a punto de hundir su carrera.

En este, su peor momento, decidió volver a sus orígenes con "La visita" (2015) (crítica), de la mano de Jason Blume, productor de exitosos títulos de terror como “paranormal activity “ e “insidious” , entre otros, crean el binomio perfecto, para realizar una película terroríficamente buena, a partir de una sensación de seguridad y calidez, son capaces de crear algo tan aterrador como original, volviendo por la puerta grande, con cine de bajo presupuesto pero que le otorga una libertad total para crear y es ahí donde Shyamalan se siente cómodo y nos hace disfrutar.


Su última película "Múltiple"(2016), (crítica), nos proporciona una profunda reflexión sobre el poder de la mente y sus mecanismos defensivos, para superar los abusos infantiles, tocando un tema interesante como el desdoblamiento de personalidad, donde su personaje principal, un fantástico James Mc Avoy, posee unas 26 personalidades aunque solo muestra 9 diferentes en la película, cuyo único pero sería que el final es un poco más previsible.

SYDNEY POLLACK

SYDNEY POLLACK

Sydney Pollack, uno de los ilustres directores de Hollywwod, nació en la ciudad de Lafayette (Indiana) el 1 de Julio de 1934, en el seno de una familia judía de inmigrantes ucranianos, se trasladó a Nueva York para proseguir su carrera teatral. De 1954 a 1960 estudió y enseño interpretación, participando en varios montajes de Broadway. De 1960 a 1965 dirigió más de 80 espectáculos de TV, deportándole varios premios Emmy.

El filme que consagró a Pollack fue 'Danzad, danzad, malditos', rodado en 1969 y con el que fue nominado al Oscar como mejor director, a partir de ahí rodó una veintena de películas  entre ellas clásicos como, "Tal como eramos" (1973), protagonizada por Robert Redford y Barbara Streisand quien cantaba una de esas canciones que forman parte no solo de la historia del cine sino también de la música "The way we were",  "El jinete eléctrico" (1979), con Robert Redford y Jane Fonda "Tootsie" (1982), con Dustin Hoffman  y Jessica Lange, obtuvo 10 nominaciones a los Oscars aunque solo ganó el premio ,Jessica Lange, a la mejor actriz de reparto, finalmente se quitó la espina en 1985 ganando el Oscar a la mejor película con "Memoriasde África"(crítica) una de esas cintas que se mantienen en la memoria colectiva ,en 1993 nos deleitó con el thriller,  "La tapadera", con Tom Cruise y Gene Hackman, para seguir con el remake de la película dirigida por Billy Wilder en 1954 "Sabrina y sus amores" (1995), con Julia Ormond, Harrison Ford y Greg Kinear, nominada a dos Oscars de la academia, sus últimas películas como director fueron "La interprete" (2005) y "Michael Clayton" (2007), en ambas aparece como actor, actividad que realiza durante sus últimos años junto a la de productor, participando como estrella invitada en, Will & Grace, en numerosos capítulos durante casi toda la serie, encarnando al padre de Will. 


En 2000 fue galardonado con el Premio John Huston del Sindicato de Directores de América que entrega la Artists Rights Foundation. En 1985 fundó Mirage Productions con la que ha producido entre otras, "Presunto inocente", "Los fabulosos Baker Boys" , "Pasión sin barreras" , "Una mujer en la liga" , "Morir todavía", "En busca de Bobby Fisher" , "Sentido y sensibilidad" , "El talento de Mr. Ripley", y "Cold Mountain".

El cineasta falleció el 26 de mayo de 2008, en su casa de Los Ángeles,  a causa de un cáncer diagnosticado diez meses antes.

SYDNEY POLLACK

MARTIN SCORSESE



MARTIN SCORSESE director, productor y guionista, nació en 1942 en Nueva York y se crió en el barrio de Little Italy, que posteriormente serviría de escenario para varios de sus filmes. Scorsese terminó la carrera de comunicación cinematográfica en 1964 y estudió un máster en la misma materia en 1966 en la Escuela de Cine de la Universidad de Nueva York. Varios de los cortos que realizó durante su época de estudiante fueron galardonados, entre ellos "The Big Shave".

Es un oscarizado director y uno de los realizadores en activo más reconocidos e influyentes. Ha dirigido películas de la talla de "Malas calles",  1973, película que llamó la atención por su ritmo frenético e histérico, de una grupo de personas marginadas que arman jaleo por el barrio; entre ellos destacaban dos jovencísimos personajes, por aquel entonces unos auténticos desconocidos, como Robert de Niro (desde entonces uno de los actores-fetiche de Scorsese) y Harvey Keitel. La película era todavía torpe , una interesante película que dejaba ver una fuerza visual poco común. "Taxi Driver" , 1976,  película que le dio a conocer en todo el mundo, el retrato desgarrador de un ex combatiente de Vietnam, taxista de noche, un retrato escalofriante de lo bajo que puede caer el ser humano. Con "New York, New York" , 1977, cambió radicalmente de asunto, en un musical hermoso y triste.


"Toro salvaje", 1980, la biografía del boxeador Jake La Motta, que De Niro borda engordando veinte kilos, poniéndose como un cerdo para dar la imagen del púgil en su peor etapa .  "El color del dinero", en 1986 Scorsese, se permite el lujazo de hacer coincidir a dos astros de Hollywood, el gran Paul Newman y la estrella emergente Tom Cruise, donde el jugador de billar que componía Ojos Azules en la década de los sesenta volvía, veintitantos años después, con más resabios y con visos de pigmalión, en un filme ya de estilo impecable, con gusto por el buen encuadre, la innovación visual, la indagación icónica, constantes que ya no le abandonarán en toda su carrera hasta hoy. "La última tentación de Cristo", , 1988, polémica versión sobre los sucesos del Nuevo Testamento, que confirma su notable talento para la composición visual y su interés por temas difíciles y nada conformistas.

 "Uno de los nuestros", (1990), hace un retrato perfecto de la mafia italiana en su barrio natal, utilizando a De Niro y un magistral Joe Pesci, película brutal, desalmada, donde la lealtad está por encima de todo. "La edad de la inocencia" (1993), alejándose de la temática violenta que había sido hasta entonces una de sus marcas de fábrica, nos proporciona un hermoso melodrama romántico ambientado, en el Nueva York de 1870, mostrando de forma despiadada a la clase dirigente, como catalizador de una desgraciada historia de amor. Sin embargo, como si llegar a esta cima le extenuara, el resto de su filmografía hasta hoy decrece en interés; así ocurre con "Casino", 1995, regreso al universo cerrado de la mafia italiana en Nueva York, otra vez con De Niro, aunque no carece de alicientes, esta historia de gánster que amasan una fortuna con el control de los casinos no alcanzo el éxito de títulos tan brillantes como, "Uno de los nuestros". Después Scorsese cambia de tercio con  "Kundun", 1997,  una aproximación al mundo del budismo.

     

" Gangs of New York", 2002,  fresco sobre los fundamentos en los que se erigió tanto a nivel social como filosófico la ciudad de Nueva York , ciudad fetiche como en el caso de Woody Allen,, aunque carece de la brillantez de otros títulos, posee cosas de interés,  "El aviador" ,2004, "Infiltrados" 2006, (reconocida con premios Oscar al mejor director y a la mejor película) vuelve a mostrar una historia de barrio, un drama criminal donde un policía se infiltra en la banda de Costello, un formidable Nicholson,  una película tensa y brutal, "Shutter Island"  2010, y "La invención de Hugo", 2011,por la que se alzó con el Globo de Oro al mejor director. Su película "El lobo de Wall Street ", 2013, basada en las memorias del mismo nombre de Jordan Belfort , cuenta la historia de un agente de bolsa  Neoyorquino, interpretado por DiCaprio, que se niega a cooperar en un caso de fraude de títulos que involucra la corrupción en Wall Street, el banco comercial, e infiltración de la mafia .obtuvo nominaciones a los premios del Sindicato de Directores, BAFTA y a los Oscar en la categoría de mejor director, y  Oscar a mejor película, candidaturas a los Globos de Oro .


Scorsese ha dirigido una larga lista de documentales, entre los que destacan "No Direction Home: Bob Dylan" y "Una carta a Elia", ambos galardonados con el reconocido premio Peabody; Italoamericano; "Un viaje personal con Martin Scorsese a través del cine americano",  "Il Mio Viaggio in Italia", " Public Speaking",  "George Harrison: Living in the Material World", merecedor de dos premios Emmy en 2012 a mejor director – no ficción y mejor especial – no ficción; y 50 codirigido con el afamado montador de documentales editor David Tedeschi. Scorsese fue productor ejecutivo de la exitosa serie Boardwalk Empire (HBO) y en 2011 se alzó con premios Emmy y del Sindicato de Directores por dirigir el episodio piloto. Recientemente produjo la serie Vinyl (HBO), además de dirigir el piloto. Scorsese es fundador y presidente de The Film Foundation, una organización sin ánimo de lucro dedicada a preservar y proteger la historia cinematográfica. 

Las obras de Scorsese abordan principalmente los temas de la vida italo-estadounidense, así como los conceptos de culpa y redención católicos romanos, el machismo y la violencia en la sociedad americana. Es también conocido por su afición a la música, mundo al que ha dedicado alguna de sus películas. Scorsese es considerado como uno de los directores más influyentes de su generación, su cine tiene claras influencias de cineastas como Orson Welles, John Ford, Luchino Visconti, Fellini, Michael Powell.


Scorsese forma parte del nuevo Hollywood, junto a directores de la talla de Spielberg, Coppola, entre otros. Estos directores tienen una manera de hacer cine, definida con las siguientes características: tienen una formación universitaria, han colaborado en televisiones y proyectos cinematográficos antes de dedicarse a la dirección, crean sus propias productoras, y no esperan a que les caigan los proyectos, ellos mismos se los buscan y los desarrollan con absoluta libertad, lo cual no es muy común en la industria cinematográfica, algo solo a la altura de grandes genios como SCORSESE.

WOODY ALLEN

       
                                                                                 
 BIOGRAFÍA                                                                                                        BIOGRAFÍA

Allen Stewart Koingsberg, nació el 01 de Diciembre de 1935, en el seno de una familia judía de Brooklyn.
Desde muy pequeño cultivo 2 aficiones la magia y tocar el clarinete, ellas han tenido gran influencia en su cine.

Como persona es una joyita, de ahí su grandeza también, es claustrofóbico, agorafóbico, le asustan las duchas con desagües, los túneles, el campo de noche, cambiar el menú del desayuno e incluso variar su ropa.

Antes de ir al colegio su madre le llevó al cine, esa experiencia cambiaría su vida para siempre, pues hizo de las salas de cine su segunda casa, entre la magia, la música y el cine dejó de lado sus estudios, teniendo unas notas mediocres.

Antes de dejar el colegio, vendía sus escritos cómicos a periódicos y posteriormente a radios, TV y a humoristas a partir de ahí cambió su nombre artístico por el de Woody Allen.
Allen debutó como cómico en un pub de Nueva York en 1960, sufriendo pánico escénico, lógicamente no fue muy bien recibido pero aprendió de sus errores.

Comenzó su carrera como guionista y actor en 1965 con “¿qué tal Pussycat?”, quedó tan desilusionado con el resultado final del film, por lo que decidió que nunca más otra persona dirigiría sus guiones.

Su debut como director fue en 1966 con “Lily la tigresa”, el resultado final tampoco fue de su agrado, por lo que decidió quitar su nombre de los créditos finales.

Cada lunes desde 1972 tiene una cita que mantiene hasta hoy en día, tocar el clarinete en un local de Nueva York, hasta 1977 lo hizo con su banda  en el Michael´s Pub, hasta que cerró, trasladando sus actuaciones al Carlyle, donde cada lunes interpreta temas de jazz.
A su edad el director, guionista y actor, no se considera ni más sabio, incluso él mismo cree que no es un genio y que nunca logrará alcanzar a directores míticos como Kurosawa o Fellini, aunque nunca dejará de intentarlo.



CARACTERÍSTICAS DE SU CINE                                                                       BIOGRAFÍA

Sin duda alguna Woody Allen es uno de los directores más importantes de nuestro tiempo, su obra nunca te deja indiferente o la amas o la odias.

Sus películas absolutamente independientes, financiadas por él mismo poseen un presupuesto medio de 20 millones $, le ha convertido en un cineasta muy prolífico, rodando siempre lo que ha deseado, teniendo un control absoluto de su obra, posee total libertad para escribir, dirigir, controla toda la producción: elección de actores, equipo técnico, montaje y como enfocar las campañas publicitarias, por lo que es un absoluto privilegiado.
Sus obras poseen unas características muy reconocidas son las siguientes:

La temática es recurrente suele tocar el amor, el sexo, la muerte o el judaísmo, dedicando especial atención al psicoanálisis y a los psicoanalistas, moviéndose normalmente entre la comedia y el drama.

Su personaje principal es el antihéroe, una persona, torpe, neurótico, urbanitas con sentimiento de culpa, donde casi siempre ese papel está interpretado por el mismo Allen.
Woody Allen posee una relación especial con Nueva York, siendo Manhattan su escenario preferido, pocos cineastas han proporcionado una visión tan brillante de esta ciudad como Allen.

Muchos son los actores y actrices que han trabajado a sus órdenes, aunque su cine lo han marcado dos musas con las que ha tenido relaciones sentimentales, Diane Keaton y Mia Farrow, esta última por ejemplo ha protagonizado trece de sus películas.

La música, otro de sus rasgos característicos, siendo el jazz el género predominante en sus bandas sonoras.

La improvisación como leitmotiv,  normalmente ni el propio Allen sabe lo que se va a rodar, no existe un plan de rodaje ni un guion técnico, explica un poco lo que desea a los actores y el resto, confiando más en la espontaneidad y el buen hacer de los actores con los que casi no ensaya las escenas que no suelen tener más de 4-5 tomas, nos lo explica el mismo Allen “El noventa y nueve como nueve por ciento, de las veces, no tengo la más remota idea, de lo que haré con la cámara, cuando llegue al plató”.

Otra de las características de este genial cineasta, son sus largos planos secuencia, prefiere mantener los diálogos dentro de una misma toma “Me gustan los planos secuencia con la cámara moviéndose libremente, pero eso es algo que solo puedes hacer con buenos actores”.
Espero disfrutes más de sus películas ahora que conoces las principales características de su cine, una obra muy personal.