FRANTZ

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Secretos y mentiras, culpabilidad y perdón en la Alemania de 1919


Tras brillar en el pasado festival de san Sebastián, llega a nuestras pantallas una de esas películas que te sorprenden de las que esperas poco y te dan mucho, un drama con tonos románticos , trata sobre el remordimiento, cuyos  personajes buscan el perdón y la alegría de vivir, mientras llenos de tristeza intentan sobrevivir durante la dura postguerra, una película donde la mujer es protagonista, filmada en blanco y negro, como reconstrucción nostálgica del pasado, destacando su maravilloso uso del color, pues este solo aparece cuando a los personajes les invade la alegría, pero esta es escasa tras la guerra.

"Mi única herida es Frantz", La trama nos sitúa en la Alemania justo después de la I Guerra Mundial, FRANTZ es un joven alemán caído durante la atroz guerra, su recuerdo aún perdura tanto en su prometida Anna (Paula Peer) como en sus padres. Un día Anna descubre q un joven desconocido deja flores en la tumba de FRANTZ y empieza a indagar. Quien lo hace es un joven Francés, Adrien (Pierre Niney) q se presenta como un amigo de FRANTZ, cuya presencia en un país que acaba de perder la guerra enciende pasiones encontradas.

Pierre Niney - Paula Beer - FRANTZ
El prolífico director francés François Ozon, siete películas en siete años, adapta una obra teatral de Maurice Rostand, que Ernst Lubich llevó al cine en 1931 "Remordimiento", mientras Lubitsch adapta el punto de vista del jóven Francés, Ozon lo hace desde el punto de vista de la joven alemana, que, al igual que el espectador, no entiende por qué un francés visita la tumba de su prometido.

En una época donde nos obsesiona la verdad y la transparencia, el director hace una película entrono a la mentira, característica principal de sus films cuyo epicentro son, los secretos, incluso, la doble vida de sus personajes, como vemos en películas como "Joven y bonita", "Una nueva amiga", "Swimming pool" o "Angel".

"Qué efecto tendría la verdad, todavía más dolor", la película toca un gran número de temas, el perdón, la redención, el dolor, la búsqueda de la felicidad y la mentira piadosa, la mentira es usada por Anna como bálsamo para mitigar el dolor de los padres de Frantz, que al conocer a Adrien, sienten como si recuperasen al hijo perdido, pero este no les cuenta toda la verdad de su acercamiento.


"Que sientes por ese joven Francés", Anna y Adrien, se van conociendo y la joven Anna poco a poco se va enamorando del joven, recordando sentimientos enterrados por el dolor, son esos momentos donde la película gana enteros, mientras el amor surge entre ambos y el drama adquiere tonos más románticos e incluso el color surge en varias ocasiones en la pantalla.
A medida q avanza la película, va decepcionando cada vez más a Anna, la guerra ha causado un gran trauma a Adrien, atormentado, perdido entre el deseo y la culpabilidad, le falta el coraje para afrontar su hecho.
Con la marcha de Adrien, todo el dolor de Anna surge con fuerza y el sentimiento de abandono se hace presente, su corazón late por dos hombres, uno Frantz, idolotrado tras su muerte, el otro Adrien, le hace ser consciente de las etapas de la vida, la muerte, el amor, el dolor,..... .


Uno de sus puntos fuertes es la química entre sus personajes, Paula Beer (Anna), nos deleita con una interpretación muy madura, a pesar de tener tan solo 20 años, llena la pantalla de inocencia pero también de la dulzura típica de una chica joven y la fuerza de una mujer madura, su arco interpretativo es muy complejo, se encuentra muy a gusto en pantalla con su partenaire Pierre Niney (Adrien), actor que se mueve muy bien tanto en la comedia como en el drama, muestra sus puntos débiles a la perfección, como su fragilidad, un actor que me gustó mucho en "un hombre ideal" y ahora confirma su buen hacer, ambos son la película.

Frantz será sin duda estará entre las mejores del año, una película antibelicista, donde muestra que las guerras nadie las gana, pues el sufrimiento y dolor por los seres perdidos en ella, invade a todos los bandos por igual, lo único q logra es instaurar el odio y el resentimiento, un excitante relato construido sobre el engaño, sobre la culpabilidad y el perdón, filmada a propósito en blanco y negro se mueve como pez en el agua por una gran zona gris, mostrándonos la madurez de François Ozon.




           

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ROGUE ONE: UNA HISTORIA DE STAR WARS


 Vuelve la rebelión, vuelve la esperanza, vuelve STAR WARS


Por fin llega a las salas la esperadísima ROGUE ONE: UNA HISTORIA DE STAR WARS, un nuevo tipo de película de STAR WARS, la primera sin sus famosos protagonistas, sin Skywalker, sin girar en torno a la fuerza, atrevida, audaz, bélica y arriesgada, se erige en el primer Spin-off de la saga galáctica y a la vez, es a el preludio del episodio IV, con un reparto internacional Diego Luna, Felicity Jones, Ben Mandelsohn, Donie Yan, Mads Mikkelsen, Forest Whitaker, ..... es definitivamente un punto de inflexión en la saga, esperemos siga por estos derroteros.

La acción de Rogue One, se sitúa aproximadamente dos décadas después del episodio III: La venganza de los Sith, donde los Jedis han desaparecido, la gente está perdiendo la fe pues esa idea que serán salvados por personas con un don especial se está desvaneciendo, debido a ello, las personas anónimas deben dar un paso adelante y convertirse en héroes si desean devolver la fe y la esperanza, e impedir que el mal domine el mundo.Este grupo de personas anónimas está liderado por Jyn Erso (Felicity Jones), una joven q tras ser detenida, se le da la oportunidad de redimirse uniéndose al ejército rebelde, convirtiéndola en toda una luchadora. 

  
Esperanza, esa es la palabra clave de esta película, después de perder la fe, cuando todo parecía irremediablemente perdido, la esperanza, nunca mejor dicho, vuelve a los corazones de los fans de la más exitosa saga de la historia del cine.
Pero vamos a lo importante, que significa la película; pues es ni más ni menos una historia que si debía de contarse, aunque algunos medios insistieron que este “spin off” de la saga era del todo innecesario y solo era una forma de alargar el sueño y la caja, se equivocaban, para quien no lo sepa un auténtico y genuino fan de “star wars” no es un fan cualquiera, necesita que el relato tenga contexto, sea coherente, serio, detallista, organizado y tenga continuidad y en este aspecto “Rogue One” roza la perfección pues posee un alto nivel de coherencia, narrativo, visual y tonal, con una estética visual muy cercana a la original, construida gracias a un guión narrativamente impecable, llevándote en volandas hasta su apoteósico y magnífico final, pues cuenta todo lo necesario, no deja cabos sueltos, el tono es oscuro y serio, aunque con momentos ligeros, un contraste que funciona perfectamente.
            

La película no forma parte de las siete películas que hasta ahora forma la saga de Star Wars, pero se acopla a ellas a las mil maravillas, pues explica el prólogo del capítulo IV, esas icónicas letras amarillas sobre fondo oscuro narraba una batalla en un periodo de guerra civil en la que un grupo de rebeldes había robado los planos de la más destructiva arma realizada por el imperio conocida con el nombre de Estrella de la muerte, pues bien Rogue ONE es la narración de esa batalla y el robo de los planos

Esta película, inicia una serie de relatos paralelos o Spin-off desligados solo en apariencia de Star Wars q Disney, compañía q tiene sus derechos demostrando los planes q tenía la compañía al adquirir Lucas FILMS  por más de 3000 millones de euros en 2012, tras anunciar una nueva trilogía de la q ya conocemos su primer capítulo "Star Wars: El despertar de la fuerza", y continuar con una serie de películas autónomas pero dependiente de la trama principal siendo esta la primera de ellas.


El cineasta británico Gareth Edwards ha sido el elegido para dirigirla, todo un especialista en la ciencia ficción en lo que supone su tercera incursión en el género tras "Monsters" y "Godzilla" (2014), frente a él un reparto internacional muy acertado, un grupo de buenos actores y alguna estrella emergente.

Como siempre es una historia de padres e hijos, de la eterna lucha del bien contra el mal, el protagonismo vuelve a ser femenino Jyn Erso: Felicity Jones, tal y como pasó en el episodio VII,  de J.J.Abrahams, Rey: Daisey Ridley, en esta la novedad es que el concepto colectivo acaba imponiéndose.
Algunas aportaciones son notables, como la del Samurai Zatoichi, el jedi invidente, aunque su constante invocación de la fuerza se hace repetitiva, el antiguo líder rebelde Saw Guerrera, interpretado por Forest Whitaker, ha creado su propio ejército de resistencia


El nuevo robot, convertido en compañero de aventuras, tiene menos recursos cómicos, le falta ese sentido del humor q también hacía C3PO y R2D2, q tienen su pequeño protagonismo convirtiéndose en los únicos personajes q salen en todas las películas, por ahora.

Gracias al gran trabajo digital, personajes como el fallecido Peter Cusing, da vida al gobernador Tarkin, así como en la batalla de Scarif salen el líder Rojo, el líder dorado y otras sorpresas q no pienso desvelar, todos ellos protagonistas de La Guerra de las Galaxias, pero no todo es color de rosa pues he echado a faltar esos títulos de apertura en donde se expone con letras y de forma breve el argumento, acompañada por su famosa melodía, para mí solo por ver y oir ese inicio, se me pone la piel de gallina , solo por eso ya vale la pena pagar una entrada de cine.

     
  
Como producto cinematográfico Rogue ONE, es impecable y honesta con lo q propone, contiene acción, heroísmo y emotividad, además los detalles están cuidados al máximo y la atmósfera creada por el director es 100% “star wars”, para gustar al gran público con más de 2 horas de entrenamiento galáctico , toda una agradable sorpresa. 



               

     



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OPERACIÓN ANTHROPOID





Título Original: Anthropoid, Director: Sean Ellis, Género: Bélica, Año: 2016, Intérpretes: Jamie Dornan, Cillian Murphy, Brian Caspe,  Charlotte Le Bon, Nacionalidad: USA, Duración: 120 minutos, Distribución: Alfa Pictures, La Aventura. Fecha de estreno en España: 16 de Diciembre 2016





La II Guerra Mundial ha nutrido y nutrirá al cine de grandes historias, sus grandes batallas, sus historias paralelas "Casablanca", los grandes personajes que se dieron cita en ella "Eisenhower", los héroes anónimos "La vida es bella" y el gran número de bajas humanas "La lista de Schindler", han generado un gran número de películas basadas en esa oscura época.

Los amantes del cine bélico están de enhorabuena pues llega a nuestras salas "Operación Anthropoid", un thriller basado en hechos reales, situado entre Diciembre del 41 y Junio del 42, para narrar con rigor, el atentado, contra uno de los más poderosos y temidos jerarcas nazis, Reinhard Heydrich, tanto es así que el mismo Hitler le apodó "El hombre con el corazón de hierro",



"Fueron los aliados los que entregaron nuestro país a los alemanes", primero hay que ponernos dentro del contexto histórico, cosa que la película no hace, con el consentimiento de el resto de Europa y antes de invadir Polonia, la Alemania nazi ocupa los Sudetes, poco después Moravia y Bohemia, llegando a expulsar al propio gobierno checo, nadie alzó un dedo para evitarlo.

Debido a la revuelta popular y a la actividad de la resistencia local, Hitler, decidió enviar al tercer mandatario  en la línea de poder del Reich, el temible e infame Reinhard Heydrich, el verdadero artífice de la solución final, fiel a su crueldad impuso un régimen de terror, decretó la ley marcial, detuvo a numerosos intelectuales y ejecutó a un total de 550 personas, lo que le valió los apodos de El carnicero de Praga o La bestia rubia.

"Maten a Heydrich y Hitler reducirá Praga a escombros", por todo ello surge la operación Anthropoid, misión gestada en Londres, consistió en enviar a Praga a 2 sargentos checos, Jan Kubis (Jamie Dornan) y Jozef Gabcik (Cillian Murphy), miembros de la resistencia en el exilio, debidamente entrenados, con un único objetivo: matar al mosntruo, Heydrich.



"Los cobardes mueren muchas veces antes de morir. El valiente saborea la muerte una sola vez", esta frase de Shakespeare, le va como anillo al dedo a una película que habla sobre la valentía, el honor, narrada como acción épica, que lo fue, éste no tuvo mayor relevancia para el devenir de la guerra, mientras sus consecuencias fueron devastadoras, pues la SS mató a más de 5000 personas sin distinción y acabó arrasando toda una pequeña ciudad de Lidice del mapa, cosa que la película no cuenta solo una breve pincelada al final.

La película está dirigida por Sean Ellis, denota tras de sí una ardua investigación de los sucesos, estamos ante una película de personajes curiosamente poco dibujados, donde predominan los planos cortos y medios, sacando de la ecuación, el contexto histórico, el mismo Heydrich, no se cuenta que muere de septicemia por no dejarse hacer una transfusión de sangre checa (posiblemente judía) y las consecuencias del mismo, el director y su coguionista Anthony Frewin  se centran en lo que les interesa , la misión en sí, ésta estaba por encima de todo, incluyendo las propias vidas de sus protagonistas.

Sean Ellis plantea bien los preparativos, donde la película adquiere un ritmo lento, lo suple con la licencia del romance entre los protagonistas, para después incrementar el ritmo durante el atentado y el brillante set piece final de una película que es un homenaje lleno de la tensión, común a estas películas épicas de alto riesgo.



Sobre el atentado en sí no es la primera película, la primera versión fue a cargo de Fritz Lang en 1943 "Los verdugos también mueren", dando comienzo la narración justo después del atentado, mostrando toda la presión que hizo la Gestapo a la población, para dar con el paradero de los héroes checos, hasta dar con ellos, la segunda fu a cargo de Lewis Gilbert en 1975 "Siete hombres al amanecer", una película más completa, de la que esta bebe irremediamblemente, pues muestra el contexto, el atentado, la muerte de Heydrich y la desgracia de la ciudad de "Lidice", borrada del mata por los nazis pues creían habían ayudado a los rebeldes y no fue así.


Una vez vista "Operación Anthropoid" uno se pregunta, ¿Mereció la pena la misión? su director lo tiene claro "por supuesto pues el plan de Heydrich para Chequis era germanizarla, y ya vemos con que métodos iba a lograrlo, demostró también que estos altos cargos no eran intocables y a ellos también podían hacerlos vivir un infierno, convirtiéndoles con sus actos en legítimos objetivos de guerra", la muerte de Heydrich por desgracia no devolvió a la vida a los miles de personas que murieron por sus crudas decisiones, pero sirvió para mantener viva la esperanza, pese a todo el III Reich no era invencible.



                    

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LA CIUDAD DE LAS ESTRELLAS ( LA LA LAND )


Fábula romántica con las expectativas de éxito como telón de fondo, donde dos personas que buscan su sueño toparan con la más cruda realidad.


La película empieza como todo en Los Ángeles: en la autopista. Aquí es donde Sebastian conoce a Mia, gracias a un desdeñoso claxon en medio de un atasco, que refleja a la perfección el estancamiento de sus respectivas vidas. Los dos están centrados en las esperanzas habituales que ofrece la ciudad. Sebastian intenta convencer a la gente en pleno siglo XXI de que les guste el jazz tradicional y Mia solo quiere acabar por una vez una prueba de casting sin que la interrumpan con un "gracias por venir". Ninguno de los dos imagina que su inesperado encuentro les va a llevar por un camino que jamás habrían podido recorrer solos.



La la land o como la conocemos aquí "La ciuad de las estrellas" es cine en su versión más clásica, un precioso y colorido intento por recuperar los musicales q triunfaron antaño, un género q parece olvidado, pero tras arrasar en los globos de oro y muy probablemente también en los Oscars, posiblemente recupere su esplendor y lo hace de la mano del joven director Damien Chazelle, creando un drama con tonos románticos rebosante de vitalidad, una historia de amor y sueños,  colorista, dinámica, con grandes bailes y números musicales, que luce en cinemascope no solo por su gran dirección, sino gracias a las portentosas interpretaciones de Emma Stone y Ryan Gosling, con quienes te identificas pues son dos personas corrientes en busca de sus sueños, porque quien no los ha tenido, como decían en "Pretty woman" "todo el mundo tiene un sueño, ¿Cuál es tu sueño? ".

Emma Stone encarna a Mia, una aspirante a actriz, que sobrevive como camarera, mientras pelea por su sueño, ser actriz, para ello asiste a numerosos casting, sin demasiada fortuna. Ryan Gosling es Sebastian, un pianista que se gana la vida tocando en baretos, enamorado del jazz q sueña con abrir un local donde proporcionar tributo al jazz más puro. Los destinos de ambos se entrecruzan, descubriendo el amor, pero su relación topará con sus sueños, conseguir el equilibrio entre su amor y arte no será nada fácil.


La película conecta con el espectador desde el principio, donde un atasco sirve de excusa para q todos los conductores se pongan a bailar y llenen de ritmo, vitalidad y color la pantalla, brillante preludio de lo que será la película, tras esta breve pero intensa introducción nos presenta a sus personajes,  para narrar una historia de amor bien contada, creíble y nada empalagosa.

LA LA LAND, digna sucesora de los títulos más emblemáticos del género musical, desborda vitalidad, buenrollismo y dinamismo, ayudado por unos enérgicos movimientos de cámara, consiguiendo ser un espectáculo deslumbrante conmoviendo al espectador con momentos realmente mágicos,  saliendo del cine tarareando canciones y deseando bailar bajo la lluvia.


Damien Chazelle, el joven director y guionista, nos deleita con ésta su 3a película, se dio a conocer con la magnífica "whiplash" (crítica), muy bien dirigida, donde dejó constancia de su pasión por la música, usando la música para debatir sobre el talento y q este sin disciplina y constancia no tiene cabida, en cambio, ahora usa la música para revitalizar uno de los géneros más tradicionales del cine, a la vez que nos presenta un mundo donde los sueños son difíciles de alcanzar y la vida está marcada por la frustración.

La vida no sucede como uno desea, por eso la trama se sitúa en  San Francisco, repleta de gente que desea cumplir su sueño, mientras se gana la vida con un trabajo temporal, eso queda perfectamente reflejado en una película donde los hermosas postales de la ciudad la convierten en protagonista, junto a Emma Stone y Ryan Gosling, actores que nunca fallan, cuya química es fascinante tras su tercera colaboración "Crazy Stupi love" (2011) y "Gangster Squad" (2013) (crítica), ambos muy cómodos dentro del romance, un género que conocen a la perfección y lo bordan sin esfuerzo aparente, pues llenan de naturalidad y veracidad la pantalla .


LA CIUDAD DE LAS ESTRELLAS – LA LA LAND es un canto al glamour y a la emoción del cine clásico, una carta de amor a la ciudad de Los Ángeles y a los sueños eternos que reúne a Ryan Gosling y a Emma Stone, Los números musicales están planificados como si de una flash mob se tratase, dando ese punto moderno y actual a un espléndido musical, una oda al amor y los sueños rotos, cuyos fotogramas de bellísima factura q se quedarán en la retina del espectador durante mucho tiempo, "tócala otra vez Chazelle".



                   

                   

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SILENCIO


Cuando ser cristiano ha de mantenerse en secreto, llegando a poner en duda la fé.


Título Original: Silenced. Director: Martin Scorsese. Guión: Jay Cocks-Martin Scorsese (novela:Shukasu Endo). Año: 2017. Género: Drama / Japón Feudal. Duración: 159 min. País: USA. Reparto: Andrew Garfield, Adam Driver, Liam Neeson, Ciarán Hinds, Tadanobu Asano, Shin´ya Tsukamoto, Ryô Kase, Sabu, Nana Komatsu, Yôsuke Kubozuka, Yoshi Oida, Issei Ogata, Ten Miyazawa.  Músca : Kim Allen Kluge, Kathryn Kluge. Fotografía: Rodrigo Prieto. Distribuidora: DeAplaneta. Fecha de Estreno: 6 de Enero 2017. 


Segunda mitad del siglo XVII. Dos jóvenes jesuitas viajan a Japón en busca de un misionero que, tras ser perseguido y torturado, ha renunciado a su fe. Ellos mismos vivirán el suplicio y la violencia con que los japoneses reciben a los cristianos.



TÚ FE ME DA FUERZA
El aclamado director Martin Scorsese, ganador del Oscar por "Infiltrados" y autor de películas como "Uno de los nuestros", "Taxi Driver" o "El lobo de Wall Street", la película explora la prueba religiosa y espiritual que supone el silencio de Dios ante el sufrimiento humano, Scorsese ha tardado unos 20 años  en llevar a cabo su proyecto más personal , basada en el best seller homónimo de Shûsaku Endô, uno de los escritores más influyentes del siglo XX,  "La temática que Endo plantea en el libro ha formado parte de mi vida desde que era muy, muy joven”, comenta Scorsese. “Me crié en el seno de una familia muy católica en la que se le daba mucha importancia a la religión. Uno de los pilares de mi vida sigue siendo la espiritualidad católica romana que tan importante fue para mí de niño, y esa espiritualidad estaba relacionada con la fe”.


La trama nos transporta a la segunda mitad del siglo XVII, donde dos jóvenes jesuitas viajan a Japón en busca de un misionero que, tras ser perseguido y torturado, ha renunciado a su fe. El largo acompaña a dos jóvenes misioneros, el padre Sebastian Rodrigues (Garfield) y el padre Francisco Garupe (Driver), mientras buscan a su desparecido mentor, ejercen clandestinamente el ministerio entre los aldeanos cristianos de la zona. Por aquel entonces en Japón, el poder estaba en manos de los señores feudales y los samurái, decididos a erradicar la religión cristiana. Las persecuciones y las torturas estaban a la orden del día y los cristianos se enfrentaban a la dura decisión de elegir entre la apostasía o una muerte lenta y dolorosa. Ellos mismos vivirán el suplicio y la violencia que los japoneses ejercen sobre los cristianos.


La película empieza con un abrumador silencio, el mismo q debían mantener los cristianos en territorio Japonés pues eran perseguidos, donde las tradiciones ancestrales no comulgan con el cristianismo y el mismo que mantienen los espectadores mientras Scorsese les llena el corazón de sufrimiento y dolor, a la vez que los hipnotiza con unas bellas imágenes, elaboradas por el director de fotografía nominado a los Oscar Rodrigo Prieto y un espléndido diseño de producción, cerrando así Cierra así su trilogía de películas sobre la fé tras "la última tentación de Cristo" y "Kundun".

El guión que ha coescrito Scorsese con Jay Cocks, posee un riguroso trabajo de documentación, cuyo objetivo es llenar de veracidad una película donde una vez más, reflexiona sobre la fe cristiana, la religión y el sacrificio a realizar por ella, explorando la prueba religiosa y espiritual que supone el silencio de Dios ante el sufrimiento humano.
El ritmo lento, junto a la reiteración de su temática,  machaca al espectador tal y como los japoneses machacaban a los cristianos, provocando que al espectador le cueste entrar en una película que nunca acaba de despegar.


“Llegado a este punto de mi vida pienso constantemente en la fe y la duda, la debilidad y la condición humana. Todos ellos son temas que la novela de Endo plantea de una manera muy directa”. comenta Scorsese.
La película muestra como la apostasía no nace de la debilidad, sino del amor, cuyo único objetivo era salvar a los conversos cristianos de la persecución y las torturas llevadas a cabo por las autoridades japonesas y obligados a cometer ‘tenko’: retractarse de sus ideas comunistas y someterse a rehabilitación.

Recuerda a LA MISIÓN con quien tiene en común un gran reparto coral con muy buenas actuaciones, a Liam Neeson y una Fotografía preciosa lo convierten en un hermoso viaje espiritual , por desgracia esta última no está a su altura, sobretodo por su trama repetitiva, además la misión contaba con una de las mejores y más reconocibles BSO de la historia del cine, escrita por el genial Enio Morricone.


"Silencio", es un drama épico dirigido por el prestigioso director Martin Scorsese y protagonizado por Liam NeesonAdam Driver y Andrew Garfield, encargados de interpretar a unos sacerdotes enfrentados a unas condiciones muy duras y desconocidas para ellos, estas pondrán a prueba su fe, su fortaleza, una historia sincera q dará q pensar, muy bien documentada llena de realismo fuera completamente auténtico y que reflejara con verosimilitud absoluta la época histórica y los rituales cristianos del momento. 




             

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DESIERTO







Moisés (Gael García Bernal), junto a otros indocumentados, pretende cruzar la frontera entre México y Estados Unidos, en un viaje que supone la esperanza de encontrar un futuro mejor para ellos y sus familias al otro lado. Cuando el vehículo que les conduce hacia su destino se estropea, su guía se ve obligado a llevarlos a pie a través de las tierras baldías, una ruta raramente utilizada. En su camino son descubiertos por Sam (Jeffrey Dean Morgan), un desquiciado vigilante, que rifle en mano disfruta eliminando a los inmigrantes ilegales con los que se cruza. Rápidamente el viaje se convierte en una pesadilla cuando los hombres y mujeres desarmados son perseguidos a través del implacable desierto en la que deberán luchar por la supervivencia. Con todas las probabilidades en contra, descubren que no hay ningún lugar para esconderse del asesino despiadado que les sigue el rastro.



El director mejicano Jonás Cuarón, escribe y dirige DESIERTO, un thriller polvoriento, convertido en una agónica e inquietante película, q muestra las grandes dificultades q hay para entrar ilegalmente a los Estados Unidos.

Si en Gravity ( guión Jonás Cuarón), Sandra Bullock debe sobrevivir sola en el espacio, en esta Gael Garcia Bernal, tiene q sobrevivir en el desierto de sonora, donde no solo se enfrenta a duras caminatas bajo un sol de justicia, sino también, debe defenderse de un justiciero q pretende proteger a los Estados Unidos de la entrada de inmigrantes ilegales, con un rifle y un rabioso perro entrenado para cazar.


Muchas son las escenas brillantes, pero una llamó realmente mi atención, en ella, este justiciero mezcla de Sheriff y militar sádico, con un machete enfundado en su cinturón, apoya tranquilamente el rifle en su hombro, se quita el sombrero de cowboy, deja a un lado su cigarrillo y con sangre fría pone el ojo derecho en el visor y empieza a matar a sangre fría a los miembros del grupo que pretende entrar en los EEUU de forma ilegal, los cuerpos caen fulminados tiñendo de rojo el cálido desierto, una escena de una fuerte carga simbólica, pero relata a la perfección la realidad americana, una denuncia a los sueños de Trump, donde cualquiera puede tener un arma y matar a otro ser humano y todo por conseguir un sueño, una vida y un futuro mejor, pero esa búsqueda del sueño acaba convirtiéndose en su peor pesadilla.


Un thriller atípico pues está hecho a plena luz del día, donde el director abre cámara para mostrar, no solo la belleza del árido paisaje, sino lo diminutos que somos, frente a la inmensidad de la naturaleza, mostrando la soledad y dificultad de un viaje repleto de peligros.

La película es una tragedia humana, con el paisaje del desierto como gran protagonista, un espacio abierto y vasto se convierte en algo angustiante, toda una oda a la supervivencia


              

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